FORMACIÓN

Andrea Echeverri voces y guitarra
Héctor Buitrago bajo eléctrico

INTRODUCCIÓN

Mis cavilaciones sobre Jorge Drexler han gravitado siempre en torno a dos hipótesis principales:

Hipótesis A: No hay absolutamente nada malo que decir sobre Drexler.

Hipótesis B: Drexler no es un gran cantautor.

Venía bastante satisfecho con este concepto hasta que, al sentarme a preparar esta página, el lado lógico y razonable de mi conciencia me grita desde adentro con estas agrias palabras: Hey, imbécil: ¡Date cuenta de que la hipótesis B contradice con descaro a la hipótesis A!; después, más calmado y con ánimos de reconciliación me aconseja: Los lectores no te tomarán en serio.

¿Pero saben una cosa?, la lógica de la conciencia apesta y nunca hay que escuchar lo que ésta les dice. Por eso la mandé al carajo y mantuve bien firme mi contradictorio juego de hipótesis. Ahora en serio: decir que Drexler no es un gran cantautor no debe ser tomado como una agresión; es simplemente una sospecha (y digo sospecha porque no soy quien para descartar que en el próximo álbum nos venga con una obra maestra atemporal, sino fíjense lo que pasó con el viejo de Franco). Una sospecha de que Drexler es tan solo un cantautor más, un cantautor muy decente, que evidentemente sabe un par de cosas sobre componer canciones, pero que sin embargo no tiene nada especial ni importante que aportar al desarrollo musical del momento. En otras palabras: Drexler hace buena música; no encuentro razón alguna para decir que la música de Drexler sea intrínsecamente mala, ni siquiera mediocre, por eso pongo buenas notas a sus álbumes y sostengo la hipótesis A. Ahora bien, esta buena música que hace Drexler nunca me voló la cabeza y sinceramente estoy más inclinado a tratarla como un placentero e inofensivo fenómeno comercial, y no como algo interesante y excitante que vino a cambiarle la cara a la escena musical del nuevo siglo. Por eso sostengo la hipótesis B.

Jorge está entre los centenares de cantautores disfrutables que no han hecho nada por romper los esquemas de la música y empujar sus límites, dedicándose en cambio a hacer lo que mejor les sale, sin deterse a pensar si es anacrónico o si ya se hizo antes. Son cantautores que priorizan hacerlo BIEN antes que hacerlo NUEVO. En el mejor de los casos este tipo de grupos logran inyectarle un cachetazo de frescura a un género viejo, adormilado y en declive, caso Franco de Vita o Ricardo Montaner: no inventaron nada nuevo, pero resucitaron de alguna manera espíritus del pasado que andaban medio dormidos. Otros logran investir con una personalidad propia aquello que hacen, caso Rubén Blades o Carlos Vives, que si bien tampoco inventaron nada nuevo, tienen un sonido inconfundible de acá a la China. Drexler, lamentablemente, no cuadra con ninguna de las dos salvedades mencionadas, por lo tanto queda reducido a lo mínimo: un cantautor que hace lindos temas y nada más. Obviamente hacer lindos temas es lo más importante, lo principal, pero lo cierto es que Drexler no es el único interprete capaz de hacer lindos temas; es solo uno más.

Desde mi punto de vista y a grandes rasgos, esta insignificancia del cantante y compositor uruguayo responde a DOS grandes pecados que hasta ahora les cierran las puertas de la grandeza: a) es extremadamente limitado y b) le falta identidad. Extremadamente limitados porque tan solo saben escribir un tipo de canción: melodías atmosféricas, suaves y tristonas (propios de países latinoamericanos de influencia europea como su Ururguay natal) con letras que abogan a la conciencia social copiados del estilo de la trova tipo Joaquín Sabina o Pablo Milanés. Se acabó ahí, no esperes de Drexler más que melodías atmosféricas, suaves y tristonas. ¿Ven el GRAVE problema que tenemos aquí? Habiendo bandas que son capaces de lo inesperado, lo sorprendente, lo impensado, Drexler se conforma con escribir la misma canción una y otra vez, de una manera tan obvia y automática que ni siquiera se molestan en disimularlo. Eso sí, dentro de esa limitadísima fórmula el sureñito se mueve como pez en el agua y estas son en su mayoría EXCELENTES baladas atmosféricas, suaves y tristonas. Pero mientras los cantautores realmente grandes nadan en un océano de posibilidades, Drexler nada en una pecera. Una pecera muy cómoda y muy pequeña de puras baladas indistinguibles, todas parecidas, todas similares, todas bellas y atractivas, todas suceptibles de aparecer en las radios… En conclusión, diría que uno puede tomar las dos o tres mejores baladas de Eco, las dos o tres mejores baladas de 12 Segundos de Oscuridad y a otra cosa mariposa: ese es todo el Drexler que necesitas. El resto es eso mismo pero peor, y puede ponerse MUY aburrido si uno no está de humor.

El otro pecado es la tremenda falta de identidad. Porque no solo la fórmula que utilizan es limitadísima sino que además fue tomada parcialmente de OTRO CANTAUTOR mas viejo, nativo de Cuba y simpatizante del gobierno de ese mismo país Y para colmo, ese cantante no es precisamente uno de las más desconocidos, impopulares y oscuros de la escena actual. Ok, no quiero decir exactamente que Jorge Drexler sea una fotocopia de Silvio Rodríguez, pero nadie puede negar que la estética de las baladas del uruguayo está tomada directamente de las del cubano. Si piensan que estoy loco vuelvan a escuchar atentamente temas de Silvio Rodríguez como Playa Girón, Rabo de Nube, Unicornio, El Breve Espacio En Que No Estás, etc. y digánme, si se atreven, que no representan el mismo tipo de balada que nos recrea Jorge Drexler unos muchos años después. Esos vagos rasgueos acústicos en tonos menores, esos suaves garabatos de ritmos latinos de fondo, esos discretos arreglos de cuerda, esa voz dolida y triste son lugares comunes en todas las canciones de Drexler… Aparte, la forma de cantar de Drexler me hace acordar mucho a Silvio en la forma de cantar y en su forma de escribir en las letras, llenas de rabia, denuncia y protesta, solo que son menos panfletarias… En fin, se nota que está reviviendo estilisticamente las clásicas baladas de Silvio, ya sea porque le gusta o porque sabe que puede vender. Igual, y aquí viene mi intento para congraciarme con los fans del cantautor uruguayo, tampoco es que el estilo sea IDÉNTICO: a grosso modo las canciones de Drexler son más accesibles, más despojadas, menos abigarradas y ornamentadas que las de Rodríguez, sin tanta conga o adorno latino; hay más piano, los estribillos suelen ser menos oscuros y en general suenan más melancólicas que deprimentes. Es decir, algunos ribetes distintivos de Drexler se pueden rastrear en la superestructura: la base es, les guste o no, puro Silvio Rodríguez, sin tanta pnfleto político.

Admito ahora que lo que hace, más allá de ser limitado y carente de identidad, lo hacen casi a la perfección. La realidad es, y en esto quiero ser enfático, que las baladas de Drexler son en su mayoría muy buenas, pues incorpora sonidos y melodías excelentes que se disfrutan independientemente de las referencias a otros cantautores o de lo repetitivas que sean. Los arreglos musicales pueden definirse como sobrios, inmaculados, etéreos, limpios como un cielo despejado, sin nada de paranoico o inesperado en sus giros y pletóricos en buen gusto: Un elegante piano, se suman sutiles toques de guitarra acústica, muy leves fraseos de eléctrica y con eso el carajo ya te arma una balada, comercial y predecible sí, pero sumamente agradable y atmosférica, ideal para bajonearse un poco en solitarios anocheceres y evocar sensaciones de melancolía y un tenue dejarse ir. No es música ni innovadora, ni interesante desde un punto de vista académico: es música simplemente AGRADABLE. No puedo negar esto, y no puedo negar que las mejores composiciones del grupo me gustan muchísimo y van metiéndose debajo mi piel con cada nueva escucha.

Mi conclusión es que si el susodicho artista quiere pasar de fenómeno comercial pasajero a ser una verdadera fuerza creativa, deberían tratar de ampliar la fórmula y ofrecernos algo más que puras y perfectas baladas melancólicas. Simultáneamente debería tratar de buscar una identidad más definida, alejándose del paradigma de Silvio Rodríguez (cosa que han emepezado a hacer ya en 12 Segundos de Oscuridad) y buscando un estilo propio para aportar. Si en cambio no es ese el destino ni la ambición de Drexler, pueden seguir con su pop melódico para siempre; algunos nos aburriremos mucho, pero la verdad es que lo hace muy bien y puede ser un placer escucharlo.

ECO – 2004

“Hay tantas cosas Yo sólo preciso dos: Mi guitarra y vos…”

1) Eco 2), Deseo, 3) Todo se Transforma, 4) Guitarra y Vos 5), Transporte, 6) Milonga del Moro Judío, 7) Polvo de Estrellas, 8 ) Se Va, Se Va, Se Fue,  9) Don de Fluir, 10) Fusión, 11) Salvapantallas, 12) Al Otro Lado de Río (Bonus Track)

MEJOR TEMA: GUITARRA Y VOS

Debo recalcar que este disco salió en medio de toda una polémica. Esto se relanzó en el 2005 con una canción adicional que fue el tema principal de la banda sonora de la película Diarios de Motocicleta que trataba acerca de la vida del revolucionario argentino Ernesto ‘El Ché’ Guevara (Cuya famosa foto rodó mundo en que este daba una mirada bastante perdida, ataviado con una boina militar, una chaqueta estilo Michael Jackson y una melena mal cortada y fue impresa en vajillas, franelas, revistas etc. Dando la impresión que es un icono mas capitalista, que comunista y esta siendo usado como un caballo de batalla por nuestro presidente. Pero eso es otra cosa.) llamada Al Otro Lado Del Río, nadie sabía quién era el que cantaba esa maravillosa canción. Al momento de otorgar el ahora devaluado premio Oscar en la categoría de banda sonora. En vez de invitar  al enigmático interprete para cantarla en vivo, prefirieron hacer la interpretación con el guitarrista Carlos Santana y el actor Antonio Banderas.. Nuestro héroe, no conforme con que se excluyera de su participación, que cuando fue a recibir el premio, interpreto la consabida canción a capella.

CONTINUARÁ…

Formación

Pedro Castillo Guitarra & Voces

Julio César Della Noche Piano Eléctrico & Teclados

Miguel Angel Echevarreneta Bajo y Guitarras Acústicas

Gerardo Ubieda Batería y Percusión

Ex Miembros

Zdenek Matousek Voces (1981-1986)

Alexis Peña Voces (1987-1990)

Iker Gastaminza Teclados (1980-1990)

José Ignacio Martín Teclados (1987-1990)

Victor Fiol Bajo (1981-1985)

Ruben Angel Correa Micho Guitarra (1983)

Richard Popovich Guitarra(1984)

Francisco Morales Guitarra (1987-1990)

Introducción

¿Han visto alguna vez a esta banda en fotos? ¿No? ¡Pues entonces sube un poco la página y verás una! ¿¡Listo?! Muy bien, entonces podemos seguir. En fin, a lo que quiero ir es que los tipos parecen CUALQUIER COSA menos una banda de rock. ¿Panas cuarentones que van a un partido Caracas-Magallanes? ¿Estudiantes de Ingeniería de la Universidad Católica Andrés Bello?? ¿Dependientes de una tienda de artículos de computación? ¿Profesores de Ingles del Centro Venezolano Americano ? Todo eso podría creerlo, pero nunca se me ocurriría que tales novelescos personajes fueran una BANDA DE ROCK!!! Sin embargo, sí son una banda de rock, y de las buenas. Aquella que, en honor a aquellas enormes islas de hielo flotantes que deambulan en el Polo Norte, se ha dado en llamar Témpano.

Se la suele considerar una más dentro del movimiento del rock progresivo, junto a monstruos como Aditus, Vytas Brenner, etc. No obstante, esto se trata de una burda, vulgar e insensata simplificación. Tempáno, siendo sinceros, no se puede encasillar en ningún lado: están las bandas de hard-rock, las bandas de prog-rock, las bandas de metal, las bandas de punk, las bandas de blues-rock, las bandas de pop-rock y… tambien está Témpano. Fuera de todo eso y a la vez abarcándolo todo. Bueno, tampoco se vayan a creer que se trata del grupo más versátil y variado de la historia, no, pero su sonido y su estilo ciertamente no tienen imitación ni símil alguno: son una banda ÚNICA, nadie puede parecerse a ellos; nadie más fue, ni es, ni será como el viejo y querido Témpano.

¿Y a qué se debe esta singularidad? A un poco de todo. La banda tiene a un baterista muy, muy, muy, MUUUUY talentoso llamado Gerardo Ubieda. Sin desemerecer a los fantásticos instrumentistas que han contribuido con el grupo, decir Témpano es casi lo mismo que decir Gerardo Ubieda. Él componía las canciones, él escribía las letras y eran su visión artística, sus ambiciones, sus fantasías mentales las que fueron guiando al grupo por distintos derroteros musicales a lo largo de sus 30 años de historia. Siempre en un segundo plano sentado en la silla giratoria mientras aporrea sus tambores . Pero claro; Parte de la fama le han dado los distintos cantantes que también desfilaron en sus filas: Pedro Castillo (Que estuvo un buen tiempo en la archiconocida Aditus y en PP’S tocando la guitarra) fue el primero de ellos con el que grabó el célebre Atabal Yemal en 1979, en su etapa progresiva (Que después fue reeditado en 1998 por una discográfica francesa con temas nuevos), luego fué Zdenek Matousek que grabó tres discos en la etapa mas contestataria de Témpano (1981-1984) En donde salió el célebre tema Esequibo y por último Alexis Peña -el mas conocido- en la etapa mas comercial y conocida del grupo en que versionan temas pop americanos que luego desembocan en un grupo de nombre Poster y también está la música. Definir la música de Tempáno en pocas líneas es poco menos que una quimera, pero debo intentarlo. Como dije antes, tienen un sonido especial, diferente y clásico; las ambiciones compositivas de Témpano dieron como fruto una aleación inimitable de progresivo, jazz, hard-rock, música clásica y pop comercial y radiable, recubierta por estilísticas medievales y ancestrales que le otorgan un espíritu añejo y pintoresco a todo ello. A través de este formidable hilo conductor, la banda se ha movido en diferentes direcciones a lo largo de su carrera.

Dentro de este sonido especial, tan único, tan de ellos que logró la inspiradora tutela de Ubieda (El único integrante original de la banda que resistió todos los cambios),Témpano tiene para todos los gustos. ¿Te gustan las buenas melodías? Témpano tiene algunas de las más increíbles melodías del rock, tanto vocales como de piano, teclados, sintetizadores o guitarra. ¿Quieres rockear y sudar un poco? Témpano ocasionalmente se animaba a rockear duro, retumbante, crudo y pesado, con algunos riffs de antología mundial, ofreciendo harta competencia a monstruos del hard rock como La Misma Gente, Arkangel, Zapato 3 o Sentimiento Muerto. ¿Te gusta algo más relajado, o acústico? Témpano otorga algunas brillantes baladas acústicas y orquestadas que te harán derretir. ¿Eres de esos que se vuelven locos con los trucos complejos y los virtuosismos ostentosos? En su pico progresivo, Témpano era capaz de los más intrincados, laberínticos y vuela-cerebros pasajes de música jamás concebidos. En fin, todo. Y lo mejor es que estas distintas facetas no necesariamente aparecían por separado: en una misma canción podían meter todas estas cosas juntas y hacerlas funcionar. El Esequibo, por ejemplo, rockea a full con una letra 100% contestataria que haría palidecer a grupos como Sentimiento Muerto, pero también provee una melodía muy pegadiza y solos de teclado… ¿Se imaginan eso en otro grupo? Difícil ¿No?

Si tenemos que hacer una demarcación temporal de los estilos que han predominado a lo largo de su discografía, ésta sería más o menos así Tempano tiene tan solo un disco que pueden considerarse progresivo en el sentido más terminante de la palabra Atabal Yemal (Que como ya dije, fue su debut y lo reeditaron 19 años después) Pesadilla Sin Final, En Reclamación y Seducción Subliminal, tres discos en el mas puro estilo estilo new-wave 80tero con letras full contestatarias y pinceladas progresivas, luego vienen Tempano 1987 y el Cuarto Lado en la onda pop-radiable-romántica-versionera-de-temas-de-pop-americanos que desembocó después en grupo-secuela de nombre Póster tras la salida de Gerardo Ubieda  (eje principal del grupo) del grupo y la última tras la redición del debut Atabal Yemal por la casa discográfica francesa Musea en 1998 el line-up original de ese disco se reunifica y graban dos discos mas en la onda progresiva: Childhood’s End (El Fin de la Infancia) y The Agony & the Ecstasy (La Agonía y el Extásis) mas uno mas que viene en camino de título tentativo The whisper of the Blade.

En fin Témpano es una de las bandas mas queridas e infravaloradas de la escena musical venezolana que supo sortear las tendencias musicales del momento; y morir y resurgir como el ave fénix de sus cenizas. Un Témpano que jamás se derrite.

PESADILLA SIN FINAL – 1981

“Si un refresco busco yo, me traen una… cerveza”

1) Por Siempre, 2) Cosas que Pienso y No Quiero Pensar, 3) Quedamos, 4) Señora de La Madrugada, 5) El Helado (Drama Cotidiano), 6) Pesadilla Sin Final, 7) No Voy a Volver, 7) Es Absurdo, 8 ) Al Bailar, 9) Arabesca, 10) Adios

Mejor Tema El Helado (Drama Cotidiano)

A comienzos de la década de los ochenta, un camino confiable hacia el éxito para cualquier banda era tocar new-wave. El pleno auge de PP’S grabando sus placas más ambiciosas; Aditus adoptó el estilo con Fuera de Ley y Posición Adelantada; despierta el 1×1 del Viernes Negro con precursores como Colina, Yordano  con su grupo Sietecueros, Franco de Vita con su grupo Icaro; Ilan con su grupo Melao, la explosiva aparición del grupo del corazón tachado cuyo nombre deriva del inglés de Dead Feeling; el notorio surgimiento de Soda Stereo en tierras porteñas, y un Frank Quintero dejando su estilo jazz-funk para hacer discos mas comerciales y ambiciosos sin perder calidad, sintetizan con elocuencia las tendencias del momento. Aquellos fueron años para ese sonido pegajoso ajustado, bailable y simplón; ese sonido clásico de ondulantes bajos, teclados juguetones y canciones cortas que parecía ser un antídoto necesario para los excesos proggies y sinfónicos, , así como el legado para combatir otros excesos, los metálicos,  propios de los ochenta encabezados por Arkangel y Resistencia y así como para descansar de la resaca de la infausta música disco, aquella banda sonora de la entonces llamada Venezuela Saudita.

Después de aquel Atabal Yemal, dejan aquellos viajes épicos de olas con Virginia Woolf, anhelos, presencias y ausencias para enmarcarse en un estilo mas callejero y acorde con los tiempos. la jugada de estos era, adaptarse en el mercado musical pero dejando algo de su estilo prog. en algunos temas causando una pesadilla infinita (Como lo dice el título del disco).

Pero esto no tiene nada de malo. En cierta forma, hacer un álbum de new -wave era el test de rigor para la época: si lo lograbas ganabas status, sabías que podrías hacer el resto. Témpano lo hace y lo hace muy bien pero Ubieda y Gastaminza todavía no ostentan el máximo de su potencial aquí (los sonidos de Tempano 87 y El Tercer Lado se cagarían de las risa si se encontraran con estos), pero la intención está y aporta una frescura distintiva que suena tan válida hoy como seguramente lo hizo en su momento. Pesadilla sin Final suena como un álbum de jazz-rock-pop genérico, sólido, agradable, cálido, más jazzero que proggie (de hecho, no es NADA proggie), eléctrico (ni una guitarra acústica) y salpicado de teclados saltarines que, no obstante, deberían satisfacer a los amantes del rock más clásico de la misma forma que me satisfacen a mí. Si te gusta el jazz, te gusta Pesadilla…, tan sencilla ecuación como esa.

Arrancamos de manera sobria con Por Siempre un tema medio acid-jazz que podría haber sido de los Amigos Invisibles y Zdenek imitando a medias a un cantante de joropo. Cosas que Pienso y no Quiero Pensar comienza con una guitarra semi-proggie para dar a paso una batería discreta y una guitarra procesada con Zdenek cantando sobre una épica de esclavos y amos con coros como Despertar de ese sueña y dejar nuestro cuerpos… Quedamos suena algo animadita con su teclado juguetón. Señora de la Madrugada podría mostrar que será la etapa romanticona de Témpano con con su letra muy melancólica en donde Zdenek ruega el amor desesperado a una prostituta con su melancólica linea de guitarra y bajo que sugieren nocturnidad .

Pero el momento estelar es para El Helado, con una letra que parece un jingle publicitario de Tío Rico anunciando cosas como fresa, mantecado, lluvia de chocolate, llevar la novia a patinar, etc. Excelente para animar uno de esos comerciales de la conocida marca de helados con la famosa Laura La Sin Par de Caurimare protagonizando.

Pesadilla sin Final (La pista titular) es medio jazzosa-progresiva con teclado de calipso, con una letra metafórica con cosas como bosque de ladrillo, ríos de asfalto, paz y violencia en mi cuidad, etc. No Voy a Volver es medio melancólica con sus trabajos de teclados. Es Absurdo es casi espacial con su teclado. Al Bailar tiene el mejor solo de batería 80tera muy PP’S con cambios de ritmo. Arabesca tiene un teclado muy new-age y cerramos con Adios muy aceleradita.

Una revisión aburrida ¿No creen? Pues es así: para discos aburridos, revisiones aburridas. Bah, no es en serio; Pesadilla… no es para nada aburrido: es un agradable y placentero disco de jazz-rock-pop que pinta los humildes inicios de una gran banda. Nada muy arriesgado ni ambicioso, claro está, pero bien hecho… y eso es lo que más importa.

…EN RECLAMACIÓN – 1983

“El Esequibo es mío, es tuyo, es tierra venezolanaaaaaa…”

1) Extranjero, 2) Abrazando El Viento, 3) Como Tu,  4) Amnesia de 5 en 5,  5) El Esequibo, 6) Tiempo Que Pasa y No Vuelve, 7) Noche Silenciosa, 8 ) En El Metro, 9) Sophia

Mejor tema: El Esequibo (Cual mas?)

Después de tantear en los territorios  con el estilo de new-wave  de Pesadilla Sin Final. Ubieda y Gastaminsa ya se animan a sacar de la galera todo tipo de influencias musicales y nos sorprende gratamente en este tercer álbum, …En Reclamación, una obra maestra. Para eso tuvieron gentilmente que prescindir de Miguel Angel Echevarreneta ya que, si bien se trataba de un gran guitarrista, su estilo tradicional y purista no se adaptó a las nuevas ideas y experimentos que los tempanos mayores Ubieda y Gastaminsa tenían en mente. En su lugar metieron a Ruben Angel Correa Micho. Que venía de tocar en un grupo de rock-disco y versiones llamado Tinajas en que militó un muchacha de origen peruano y raíces británicas, que después sería conocida por llenar varias veces el Poliedro de Caracas.

Volviendo al grano. Aquí dejan el miedo y se tornan mas contestatarios ofreciendo una gama de sonidos mas duros. Hay mas guitarras, mas batería y menos teclados.. Aquí parece que dejaron la pena y fueron a declamar su disconformidad con el mundo que los rodeaba.

Extranjero comienza con unos teclados ambientales para dar paso a una especie de melodía jazzeada con organos, Abrazando el Viento comienza con una bateía y una guitarra full 80teras, Como Tú, es otra balada de piano que antecede al estilo romanticón del Tempano de 1987, Amnesia de 5 en 5 empieza con una especie de murmullo de personas para dar paso a una teclado ochentero, una voz robótica y por ultimo una gra solo de Ruben Micho Correa.

Y llegamos a la madre de todas las canciones: El Esequibo, cada vez que la oigo, me transporto a los tiempos del Viernes Negro, de los excesos del Presidente de ese tiempo (Jaime Lusinchi), de los Juegos Panamericanos, etc. El canto es una oda hacia el reclamo de unas tierras que los ingleses nos arrebataron y aún nos pertenencen. Comienza con unos teclados juguetones para dar paso a la guitarra y batería y Zdenek cantando la 1º estrofa: Años de espera/por un pedazo de tierra/que desde que tenemos uso de razón/su cara aparece en los mapas… como añorando el territorio quitado Y así hasta llegar al primer coro Oiga señor/busque/su identificación/ para que se acuerde/de su condición/tras rejas/sin dueño/sin casasin nación… como alentando a la gente a reafirmar su nacionalidad y llegamos al coro principal El esequibo es mío, es tuyo,es tierra venezolanaaaaaaaaaaaaa . El esequibo es mío, es tuyo, es nuestro … finalizando con un gran solo de guitarra y un sonido como de disco rayado ¡CARAJO! nunca ví una letra rockear así, nunca verán a Tempáno volver rockear así de esa manera en sus siguientes discos.

Hacia la mitad del disco se va desinflando poco a poco. Tiempo que Pasa y no Vuelve comienza con un solo de batería y campanitas, Noche Silenciosa empiza con un teclado sinuoso y baterías jazzosas. En el Metro es una oda al recién inagurado Metro de Caracas comenzando con un sonido de teclado Major Tom y un innovador trabajo de guitarra. Sphia es la otra power-ballad del disco con piano y teclados new age.

Debo recalcar que en el 2002 hicieron una reedición de este disco. Aprovechando el furor de Atabal Yemal, reforzando aún mas el mito alrededor de este brillante trabajo. Es brillante. Con tal de que haya sembrado en tí, amigo lector, ganas de ir a comprártelo, o escucharlo otra vez en caso de que ya lo tengas, mi objetivo está cumplido y ya puedo descansar en paz.

SEDUCCIÓN SUBLIMINAL - 1984

“Solo soy un producto de consumo con una etiqueta atras…”

1)Zona Roja, 2)Sr. Burócrata, 3)Ahora o Nunca, 4)11:45, 5)Callao, 6)El Mundo En Un Botón, 7)Grita Una Vez Más, 8)Producto De Consumo, 9)Te Imaginé

Mejor Tema: Zona Roja, Producto de Consumo

CONTINUARÁ…

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INTRODUCCIÓN

Debo confesarles que nunca he sido fanático ( y jamás seré), ni amante de la música latina, mas aún que salieran bodríos como el reggetón, el latin-pop, la salsa casino y derivados. Más allá de eso, deben saber que no estoy muy interesado en el ritmo dominicano conocido como merengue. El merengue de los 80, cuando no es abominable como el de el infame Wilfrido Vargas (El creador del el detestable Baile del Perrito, antecesor del nefasto reggetón con su peculiar y grotesco estilo de baile conocido como perreo y/o sandungueo) y amigos, es en todo caso extremadamente formulaico, y súper-aburrido como, qué se yo, Rubby Perez, Sergio Vargas, Elvis Crespo, Proyecto 1 las Chicas del Can y hasta el paisano mío de Omar Enrique me parece recontrarrequetesuper aburrido. Vivimos en una época nefasta en la cual las cantantes y los cantantes latinos ya no son artistas verdaderos sino productos industriales cuidadosamente diseñados en base a ciertos prototipos en las usinas creativas de las monopólicas empesas discográficas. Nos pueden vender que Daddy Yankee es la antítesis de Ricardo Arjona pero yo no compro: es más o menos lo mismo en distinto envase. Porque la música es la misma cosa formulaica, robótica y vacua de siempre. Atractiva para los oídos la primera vez; buena para una fiesta de 15 quizá o para un remis de vuelta a casa. Pero HASTA AHÍ. Y entonces seguirán saliendo estos engendros industriales: Don Omar, Mr Brian, Tego Calderón, Yasuri Yamileth, Fulano, La Factoría, Shakira (quien empezó más o menos bien pero terminó vendida y con el pelo teñido de rubio) Toda esa gente de pacotilla, haciendo su música y ganándose todos los grammys. Lamentable.

Pero siempre hay una excepción. Este jovencito barbudo (Se nota bastante , aunque tenga 50 años) con pinta de guerrillero fronterizo que ganó recientemente 6 Premios Grammy como reconocimiento a su larga y fructífera carrera, amante de grupos tan lejanos de esa música como los beatles y los Rolling Stones, evangélico profeso, filosofo frustrado y siempre con acompañado con el mote de y su 4:40 o sencillamente Juan Luis Guerra a secas es una de las figuras mas relevantes de la música latina (y antillana) que siempre dará que hablar.

En rigor, su música melódica y con poesía (producto de sus años de estudio de filosofía) no transgrede los límites del común merengue dominicano de FM; no hay uno solo de sus temas que indujera a la sorpresa de ser escuchada en cualquier radio mierda para bailadores o emisoras de esa calaña (Como Fiesta 106). Por lo tanto es muy común descartar a Juan Luis Guerra como un producto más del merengue industrial ochentoso y dudar de una verdadera ambición artística en su música. Pero dentro de este género creo que ha superado con creces a toda la competencia, pues mi lema es que un género nunca es totalmente descartable si alguien es capaz de encararlo con BUEN GUSTO y CREATIVIDAD (¡Salvo el MERENGUE RAP!). Y si hay algo que JLG ha demostrado es buen gusto y creatividad, a niveles que no veo en ninguna otra artista de su tipo (Desafío al lector a que me nombre uno). Sus canciones y sus letras son bastante retorcidas créanme; nada de Mami ¿Que será lo quiere el negro? o frases de ese estilo. Y estas canciones son, lisa y llanamente, excelente merengue romántico ochentoso, mayormente livianito eso sí, pero no veo motivos para no disfrutar esta música de vez en cuando. Sin embargo lo que hace que me guste es que es una de las pocos artistas de este género que ¡Rockea! De hecho: muchos de sus principales éxitos son canciones de ROCK y no de MERENGUE, con riffs sucios, guitarras jazzeras, teclados bluseros y todo. Después de todo el modelo de JLG para su música son sus ídolos absolutos los Rolling Stones. Por ende, su música ALGO de rock tiene que tener ¿No? Es básicamente por eso que no encuentro en este dominicano ese merengue lamentable, barato y formulaico de estos tiempos, sino algo más. No quiere decir que la ubique a la par de los grandes grupos y artistas que quiero difundir con esta página, pero es uno de esos placeres culpables que cada tanto me permito disfrutar.

Por ahora solo tengo dos álbumes. Uno de ellos es para mí una de las obras clave del merengue de la pasada década y el otro una respetable secuela (Y una colección entera de mp3 de ellos). Ambos tienen una consistencia pasmosa en el sentido de que todas son canciones buenas. Pero me estoy anticipando: esto corresponde a las revisiones.

CONTINUARÁ…

FORMACIÓN

Gustavo Cerati Guitarra y Voz
Hector Zeta Bosio Bajo
Carlos Ficicchia a.k.a Charly Alberty Batería

INTRODUCCIÓN

¿Soda Stereo? ¡Ah sí! Soda Stereo… ajá, los Beatles argentinos, si, los papas de los helados del rock en español… y ¿No fue Soda el grupo que hizo esa bonita canción sobre la persiana americana? ¿tampoco fue Soda el que creo el tema de la música ligera que ahora es usada para animar graduaciones y bodas? Difícil tarea esta señores… revisar nada menos que a Soda Stereo es un ejercicio harto complicado. Es que ¿Saben? Esta banda fue grande, grande en serio y hay tanto fuego cruzado a la hora de teorizar sobre su legado musical que francamente no estoy seguro de que quiera meterme en el medio.

Basta de tonterías. Verán, Soda Stereo sigue siendo una de mis bandas favoritas y lo único que tengo que hacer aquí es explicarle a la gente por qué a mí, justo a mí, un tipo de buen gusto y aceptable juicio crítico que disfruta con cosas chuscas como Melissa y Guillermo Dávila viene a gustarme esta cuerda de pretenciosos, plagiadores irreverentes de las bandas de new-wave, post punk y ska británicas de los 70 y 80 ¡Jajaja! Yep: así como Soda Stereo ha sabido conquistar legiones de seguidores y admiradores, también ha generado su buena dosis de odio y desprecio, odio y desprecio que auspicia la tan negativa imagen que acabo de dar de la banda. Ocurre que a lo largo de los años Soda Stereo ha sido considerablemente sobrevalorado: mucha gente no ha podido tolerar esto y terminaron pasándose al otro lado, a veces hasta extremos que impiden apreciar los méritos de Soda Stereo. Ahora bien: no dejemos que la rabia nos enceguezca y tratemos de hacer un análisis desprejuiciado. Dejemos de lado la rabia de que se hable más de Soda Stereo que otros grupos e solistas de rock hispanas igualmente respetables de la época como Luis Alberto Spinetta, Andres Calamaro, Daniel Melero, Charly García, Fito Paéz, Twist, Virus, Sumo, Mecano, La Unión, Los Rodríguez, Los Prisioneros o Los Fabulosos Cadillacs. O la rabia de que se hable bien de los Stereo cuando se despiden de la escena en la etapa mas exitosa de su carrera con bombos y platillos y después anuncien su sonado regreso (Cosa que lo están haciendo al momento de escribir estas líneas). O la rabia de que Cerati y Bosio hayan plagiado a granel a las grandes bandas new-wave británicas de los 80 como The Cure y The Police. O la rabia de que sus ridículas pretensiones de grandeza efectivamente fascinen a alguien. Dejemos de lado el prejuicio y tratemos de hacer un balance entre lo bueno y lo malo de Soda Stereo.

Para empezar, tengo que decirlo, Soda Stereo es en realidad una banda, si no de genio, de talento. Generalmente suele aparecer una santísima trinidad del rock hispano junto a Los Hombres G de España y Sentimiento Muerto de Venezuela y tengo algo que decir al respecto. En primer lugar: Soda Stereo no es rock propiamente dicho; puede que sus canciones y riffs hayan propiciado una suerte de condición de producción para el detestable rock-pop hispano posterior que invadió los años siguientes a la hegemonía de la banda, pero Soda Stereo es una banda infinitamente más imaginativa, versátil y poderosa que cualquier grupo que integre ese movimiento. En segundo lugar (y aquí varios me van a dar con todo), debo decir que Soda Stereo es una banda bastante más grande que Los Hombres G y Sentimiento Muerto. No es que no me gusten estas dos agrupaciones, pero Los Hombres G ha sacado solo tres álbumes buenos (y bastante similares entre sí) para después empantanarse en la mediocridad absoluta… el caso de Sentimiento es algo similar. Soda Stereo ha producido su justa dosis de basura, pero en su pico fue una banda mucho más expeditiva, más versátil, más inquieta por hacer que sus álbumes sonaran siempre distintos y aunque los cambios de fórmula les dieron éxito solo hasta su sexto álbum siempre será mucho más interesante escuchar a Soda Stereo experimentando con el pop, el new wave, el tecno, el el rock gótico, el ska o el sinfonismo que escuchar a Hombres G y Sentimiento atacando siempre con las mismas canciones pesadas una y otra vez.

Hay quien dice que los experimentos de Soda Stereo han generado penosos desastres, sobre todo en álbumes como El autotitulado de Soda y Doble Vida y que por lo tanto el argumento de la versatilidad pierde valor. Pongamoslo así: en efecto, varios de estos experimentos de género han acabado muy mal (Escuchar entero el último álbum de estudio para tener un doloroso panorama de la decadencia) pero mi opinión es que en sus años de gloria han sabido manejar todos los géneros que abordaron con suficiente buen gusto e inteligencia para que todas esas canciones sean, si no obras maestras incomparables, al menos dignos esfuerzos capaces de borrar a la competencia de un coñazo.

Pero Soda Stereo tiene ciertamente más ventajas. Una de ellas es que pocas bandas han logrado ser más potentes que esta formidable combinación entre una sección rítmica devastadora (Gustavo Cerati y Zeta Bosio figuran entre los máximos exponentes en sus respectivos instrumentos) un Cerati capaz de sacar de sus seis cuerdas riffs mastodónticos, solos desbordantes de virtuosismo, atmósferas decididamente perturbadoras y fundando el prototipo de cantante de rock en español con una voz de altísimo registro (Que fue tan imitado por cantantes de bandas de Venezuela en el período de 1987-90). Teniendo en cuenta que la principal marca de fábrica de esta banda era el new-wave BASTANTE PESADITO, el resultado tiene que ser, y lo es, ciertamente destructivo, demoledor, aplastante… Pero claro, a ver si me hago entender, miles de banditas mediocres han rockeado duro y alto en la historia de rock ¿Por qué Soda Stereo destaca? ¿Por qué Soda Stereo es inigualable? En parte porque fueron pioneros; cuando Soda Stereo salió en 1982 NADIE había tocado el rock en español con tanta dureza y potencia. Ni siquiera Spinetta, ni siquiera Charly… pero además porque el virtuosismo de cada uno de los tres instrumentistas garantizó que la pesadez de Soda Stereo fuera mucho más creativa y, sobre todo, excitante que la de muchas otras bandas. Ni siquiera La Ley, una banda mucho más inteligente, melódica y creativa que Soda Stereo, ha logrado brindar (al menos a mi juicio) rock-pops tan frescos como los de Soda Stereo en sus épocas de gloria.

Pero lo más meritorio es que, sin importar lo clave que fue la fórmula del rock-pop y el new wave en el surgimiento del mito de Stereo, el grupo ha sabido abandonarla e internarse por diversos caminos alternativos con resultados placenteros. Es decir: no se conformaron con una sola fórmula. EXPLORARON, EXPERIMENTARON. Como dije antes, muchos consideran que Soda Stereo era una banda sumamente limitada creativamente y que estas transgresiones solo derivaron en completos fracasos artísticos pero la verdad es que, con oídos desprejuiciados, la música alternativa de Soda Stereo suena tan interesante y agradable como sus himnos estándar de rock.

Ahora los defectos. Toda banda tiene que tenerlos; y en el caso de Soda Stereo éstos son bastante resonantes y han derivado en que mucha, muchísima gente se vea impedida a disfrutar de su música. En primer lugar, estos tipos robaron de lo lindo en los primeros días, carnivalizando oscuras composiciones de diversos músicos y acreditándoselas a ellos mismos o insertando obvias melodías preexistentes con la letra cambiada. ¿Una banda con cierto nivel de creatividad necesita tomar melodías prestadas para sus propias canciones? No, no pareciera. Esto en los primeros álbumes. Más tarde abandonaron esta idea de plagiar a las bandas de post-punk y new wave británicas y la reemplazaron por una fascinación por la poesía abstracta, lo místico, lo maravilloso y lo épico. El problema es que todos estos delirios mágicos no fueron una parodia ni una farsa. Los tipos (sobre todo Cerati) se lo TOMABAN EN SERIO y esto lo dejaban bien claro en ciertos pasajes de su música, que en muchos oídos suenan bochornosamente pretenciosos, inflados y recalcitrantes. Para colmo las letras de Soda Stereo siempre fueron extremadamente irrelevantes (para no decir irritantes, ridículas y de mal gusto), nunca fueron una banda muy lúcida con las melodías y tampoco eran muy habilidosos en el departamento de componer canciones (¿No les digo que en los primeros días tenían que vampirizar temas ajenos para crear sus máximos himnos?) En definitiva, un desastre.

Epa! ¿Cómo hice para superar todos esos defectos y efectivamente disfrutar de esta musica plagiada, pomposa y autoindulgente? ¡NO SE! Ahora en serio: vamos por pasos. Lo de los plagios es algo que sin duda genera alguna incomodidad, pero después de todo el punk y el ska siempre han sido igual. No se le puede pedir mucha originalidad a alguien que toca punk y el ska y Soda Stereo fue bastante original, estilísticamente hablando, en su primer álbum… en todo caso, la práctica de reinterpretar temas ajenos no es en absoluto extraña en el post-punk y a veces hasta puedo hacer de cuenta que todas estas inserciones prohibidas son más bien sentidos homenajes a las bandas sajonas, sin contar que Soda Stereo reinventa completamente esos estándares de rock oscuro dándole un dramatismo y una intensidad que todavía no escuché en ningún original. Lo del misticismo y la magia negra es algo que siempre pude tolerar abiertamente. No me molesta. No me hace daño. No me quita el sueño. Digo; tienen todo el derecho a entusiasmarse con las tópicas que se les antojen y si quieren transmitirla en su música está bien por mí mientras ésta sea buena. Y en ocasiones lo es: a veces las atmósferas son tan buenas que de veras me siento sumergido en sus delirios míticos sin sentir aversión ni vergüenza. Y con respecto al tema de las canciones, las letras y las melodías… Sí: de ninguna puedo decir que Cerati y Bosio eran grandes compositores de canciones, pero creo que en el caso de Soda Stereo este tema es menos importante. La música de Soda Stereo se vale muy bien de la energía, las atmósferas y los riffs demoledores: no necesita además que cada canción sea una valiosa pieza e inmaculado ejemplo de composición musical. De hecho: muchos de los éxitos del grupo, como Signos, son compositivamente muy precarias (un teclado atmosférico y Cerati improvisando rústicas letras sobre sexo o) y aún así pueden perfectamente considerarse temazos. O sea: si, que hay defectos… pero compensados por la potencia y el virtuosismo de quienes tocan.

Soda Stereo apareció resurgiendo como un Ave Fénix de las cenizas del grupo de punk-rock Estereotipos ese raro grupo que supo tener en sus filas a gente como Andrés Calamaro y Daniel Melero. Aparecieron en el 84 con un álbum totalmente revolucionario en que abundaba el new wave, el ska y el post-punk y un Cerati en el tope de su juego auguraban que algo empezaba a cambiar en la forma de encarar la música. Para muchos, en efecto, este debut de Soda constituye el principio del paradigma musical que caracterizaría los 80, pero de eso hablaremos más adelante. El segundo álbum (Nada Personal) llevó la misma fórmula aún más al extremo, rockeando hasta el límite (aún lo considero el álbum de rock clásico de todos los tiempos) y mezclando patrones de new-wave y ska con algunas de las atmósferas de guitarra más maravillosas jamás creadas. Signos es el albúm de Soda por excelencia mezclando lúgubres atmósferas de teclado con guitarras elegantes; letras épicas de magia negra y ocultismo muy bien ensamblado llevándolos a gira por distintos países de Latinoamérica (Entre ellos mi Venezuela) hecho que quedó registrado en un directo llamado Ruido Blanco. En Doble Vida el grupo sorprendió con un rock bastante acústico muy tranquilo que dejó a los fans de los primeros tres álbumes bastante desilusionados y esto conllevó a un relativo fracaso comercial. Para de alguna manera arreglar el error Cerati y compañía entregaron lo que sería su último gran álbum: Canción Animal, que muchos consideran como la principal plantilla para el nacimiento del Rock en español como tal Para estas alturas el new-wave y el post-punk ya había pasado a un segundo plano y empezaban a aflorar las infaustas historias de amebas, ángeles eléctricos y primaveras 0 mezcladas con melodías ultra-ampulosas que, más que ser digeridas por el oyente, digerían al oyente. Hasta aquí Soda Stereo había creado un mito enorme y una leyenda que nunca se borraría. Un status un tanto exagerado a juzgar exclusivamente por la fortaleza del material, pero completamente justificado teniendo en cuenta que estos tipos estaban virtualmente reinventando el rock. En definitiva, son estos primeros cuatro álbumes los verdaderos puntos altos del grupo, todos dignos de un premio virtual de mi parte, al punto que todavía no puedo decidir cuál de ellos sobresale por sobre el resto.

Dynamo fue el siguiente álbum, una serie de experimentos con géneros inusitados relativamente exitosa. Y después de esto la banda cayó, cayó como una mosca con apenas fuerzas para grabar un ultimo e impresentable álbum de estudio (Sueño Stereo) que en buena medida arruinó la reputación del grupo. Siguió el Unplugged-plugged para la ahora devaluadisima cadena televisiva MTV Confort y Música para Volar; una especie de eléctrico-desenchufado muy innovador en que tocan instrumentos eléctricos sin conexión creando atmósferas extrañas sin género fijo, que los hizo resurgir como el ave fenix. . Después se separan definitivamente alegando diferencias creativas, musicales y personales con bombos y platillos con un memorable concierto que quedó registrado en dos cds nombrado como. El Último Concierto. Cosas así que demuestran nuevamente lo GRANDE, así con mayúsculas, que era esta banda que anuncia su gran regreso.

FORMACIÓN

Gustavo Cerati Empiezo por Cerati (Gustavo Adrián Cerati Clark es su nombre de pila) simplemente porque es mi miembro favorito de la banda. Así es, así es… quizá un poco presumido en sus declaraciones poco modestas sobre la grandeza de Soda Stereo pero un gran músico sin duda. Durante la mayor parte de la decada de los 70 y 80 tocó en bandas como Savage, Vozarrón, Triciclo y Stress Y la verdad es que llegó a ganar muchísima plata y una reputación estable en el ambiente como uno de los músicos más requeridos por los artistas como la ahora despreciable Shakira. Después de Soda, Gustavito empezó una fructífera carrera como solista (Que ya había hecho pinitos con Colores Santos y Amor Amarillo entre el período de Dynamo y Sueño Stereo) con cosas como Bocanada, Siempre es Hoy, Aquí Vamos y el excelente experimento sinfónico 11 Episodios Sinfónicos que intercala canciones solistas suyas con las emblemáticas de Soda. Convirtiéndose en una especie de Sting porteño. Modestia aparte este carajo se ha llevado a la cama las mamis mas hermosas del modelaje latinoamericano. Su enseñanza viene de las bandas old school del rock como Beatles, Pink Floyd, Deep Purple, Led Zeppelin, The Cure y Queen. y guitarristas como Ritchie Blackmore y Jimmy Page.

Su voz es una de las más atípicas y personales de la historia del rock y muchísima gente no puede soportarla. No solo por su registro, sumamente alto, prácticamente como el de una mujer (rivalizando en eso con Beto Cuevas de la Ley), sino por el uso que le daba: en ocasiones se pasaba más tiempo gemidos orgásmicos y otros grititos molestos, como si le estuvieran metiendo un cohete en el culo, en vez de cantar. Yep, por momentos puede sonar irritante, sobre todo a partir de Dynamo donde, por x motivos, su voz empezó a declinar seriamente a tal punto de que en los tracks nuevos de Sueño… empieza a sonar, por momentos, verdaderamente irritante.

Pero en los primeros álbumes (especialmente en el debut) su voz estuvo en plena forma y Dios que tenía una voz potente. De hecho, a pesar de todo sigue siendo uno de mis vocalistas favoritos. Me encanta. Puedo pasar por alto tranquilamente sus ululares molestos y en muchas ocasiones hasta me gustan. Por ejemplo en Canción Animal donde en el comienzo de la canción se manda un grito puntiagudo, de altísimo registro o en Luna Roja, donde se manda alaridos verdaderamente escalofriantes ¿No suena eso bien potente? ¿No es acaso una voz admirable? El tipo estaba sentando las bases para el 90% de los cantantes de rock hispano gritones que siguieron a Soda Stereo, pero ninguno podía entregar esa furia y esa pasión. Más alla de estos grititos orgásmicos, también me gusta el tono de su voz cuando canta tranquilo y en paz, en bajo registro como en Crema de Estrellas o En la Cuidad de la Furia o Corazón Delator. Realmente una gran voz, una de las más potentes y personales de todo el rock. Todavía no comprendo como tanta, tanta gente la detesta. No veo razón para que nos guste Ana Torroja susurrando en 50 palabras, 60 Palabras o 100 y al mismo tiempo despreciar a Cerati por irritante. No. Algunas de sus performances vocales, sobre todo a partir de Dynamo SON bastante malas, pero eso ocurrió seguramente por los excesos. Su performance en Soda es quizá la performance vocal más impresionante jamás registrada en un álbum de rock. Y lo digo en serio.

Zeta Bosio (Héctor Pedro Juan Bosio, su nombre de pila) el segundo a bordo de la mítica agrupación, un bajista promedio. Su peculiar sobrenombre viene de la combinación de su gusto por los deportes acuáticos (natación, remo, surfing) y la costumbre de llegar tarde a los ensayos.

Un bajista promedio. Perfeccionó sus conocimientos tocando en la banda del ejército. Conoció a Gustavo Cerati en la Universidad del Salvador a finales de los 70 cuando ambos estudiaban Publicidad y en 1982 forman Soda Stereo.

Después de la disolución Zeta se dedica a promotor de otras bandas y a presentar programas de rock.

Charly Alberty (Carlos Alberto Ficicchia Gigliotti, su nombre de bautismo) Tomó su nombre artístico de su padre, el baterista de jazz Tito Alberti. Su primer contacto con Cerati y Soda fue con una llamada telefónica a la hermana de este primero . Cansada del acoso que este (Charly) le seguía, le pasa la bocina a su hermano Gustavo y de ahí de una reprochable y acalorada discusión pasa a un intercambio de ideas de música que lleva a conformar la tercera pieza que le faltaba al rompecabezas

Por cierto. Es un buen baterista. No es un loquito de los tambores a lo Alex de los infaustos de Maná sino más bien una especie de metrónomo de carne y hueso encargado de dar un ritmo preciso, estable y fuerte a sus compañeros. Nada de rellenos innecesarios o ritmos ultracomplicados. La total antítesis de Alejandro González. Compuso muchísimas canciones de primer nivel. No, chiste.

Después de la disolución Charly se dedica a la empresa informática creando su propio negocio llamado Cybrel Digital Entertainment y tien un grupo de nombre Mole.

SODA STEREO – 1984

“Canciones de amor con sacarina. Con menos de una caloría…”

1)¿Por qué no puedo ser del jet-set?, 2) Sobredosis de T.V. 3) Te hacen falta vitaminas, 4)Trátame suavemente, 5) Dietético, 6) Tele-ka, 7) Ni un segundo, 8 ) Un misil en mi placard, 9) El tiempo es dinero, 10) Afrodisiacos, 11) Mi novia tiene biceps

Mejor Tema:Tratame Suavemente

Wow! aquí hay un álbum que nadie parece apreciar demasiado. De hecho, los fans de Soda usualmente te dirán: ¿Este Disco?, pasalo por alto, anda directo a Nada Personal o algo por el estilo. ¿Tan malo, tan poco auspicioso es este debut? ¿Qué tiene tan horroroso para que la gente lo odie tanto? Pues bien, según mi modo de ver, el problema con el autotitulado no es que tenga malas canciones o que no tenga melodías o que carezca de cosas pegadizas, sino que es ante todo un álbum ORDINARIO, un álbum que no parece tener mucho de especial dando vueltas y que no sobresale gran cosa sobre lo que cualquier otra banda post-punk británica o norteamericana podría estar grabando en 1984. ¿Por qué? Básicamente porque es una colección de discretos punk-ska-rockers saturados de guitarras ruidosas y letras llenas de idiotez simulada, sin la profundidad ni los matices que tendrían los discos de Soda de aquí en adelante. Ese tipo de música que abunda tanto en los 80 y que no parece tener nada de especial. Eso es Soda Stereo 84, un álbum de post-punk más.

Ahora bien, de ninguna manera voy a decir que se trata de un álbum MALO. Para nada. En todo caso un álbum discreto, ordinario, mediocre… eso sí pero ¿Malo? ¡Imposible! Es cierto que los abundantes y torturados ataques eléctricos, en la tradición tomemos-nuestras-guitarras-y-veamos-que-tanto-ruido-podemos-hacer, pueden irritar un poco, pero sinceramente he escuchado cosas aún más molestas y ruidosas en mi vida; aquí al menos las paredes de guitarras parecen estar tocando alguna melodía en el 90% de los casos. También es cierto que muchos de los temas son totalmente olvidables y se confunden unos con otros hasta el punto del hartazgo, pero al mismo tiempo casi todos, aún los peores, nos reservan siempre algún gancho musical interesante, sobre todo en los estribillos. Y aunque globalmente Soda 84 no resulta una escucha muy placentera, al fin y al cabo tiene sus toques de ingenio y creatividad, expresados más que nada en la primera mitad y en cositas realmente efectivas como los grooves ska-jazzeros de ¿Por que no Puedo Ser del Jet Set? con su divertido estribillo de (Tengo mi agenda perfumada/Todas mis noches programadas/Voy a esos clubes re­privados/Y me alquilé un convertible colorado/Con esa gente diferente/Yo me codeo… que tipo inteligente!/Tengo el bolsillo agujereado/Pero al menos tengo un Rolex/Lo he logrado) y los hermosas melodías de Trátame Suavemente. Se podría concluir que Soda 84 es un decente esfuerzo de una banda post-punk más, que NI A LOS COÑAZOS anticipa cosas como Signos pero que tiene sus momentos agradables, que saldrán a flote con las repetidas escuchas.

A diferencia de otros álbumes de Soda, el autotitulado ostenta muchos momentos bastante planos y carentes de contenido… Dietético?, Te Hacen Falta Vitaminas?, ? Sobredosis de Tv? No puedo decir una sola palabra sobre esas canciones, siempre me pasan desapercibidas y tengo que volver a escucharlas si me preguntan por ellas. Sospecho que esto es porque son muy parecidas entre sí, pero al mismo tiempo ocurre que si las tomamos individualmente y nos esforzamos en realmente escucharlas, encontraremos cosas medianamente decentes detrás de todas las paredes de distorsión. Dietético, por ejemplo, empieza como un ska con un riff gracioso, un timbal de fondo y un MUY BUEN estribillo (Dietético/dietético/somos un conjunto dietético/mejoramos tu mensaje genético/Sacude tu cuerpo libre), nada del otro mundo claro, pero el gancho vocal se disfruta mientras dura. Lamentablemente, sobre el final se va transformando en una fiesta de ruido y gritos (El régimen se acabó/se acabó) que no tiene nada de especial. Te Hacen Falta Vitaminas es bastante parecida. Como las demás, Vitaminas también va creciendo en intensidad y decibeles con los minutos. Sobredosis de TV es el prototipo de un rock-pop de los 80, con una buena melodía vocal pero no mucho más; el tipo de música que sale de la habitación de cualquier adolescente rebelde. Sobredosis, además de frases como Acuéstate-levántate, no puedo seguir así, oh no no entrega demasiado. Hay una mejor mejorada con arreglo de metales en el directo Ruido Blanco (Fue carta de presentación para ser tocar su primer disco en vivo por primera vez rodeados de televisores mal sintonizados, anticipando lo que sería su vanguardia artística).

Sin embargo, la carne mas jugosa está en la primera mitad del álbum. Un Misil en Mi Placard da el puntapié inicial con un excelente riff skasoso a lo Police y una melodía vocal que debe ser de lo mejorcito del álbum. En mi humilde opinión esto es digno de cosas como los Hombres G. Un Misil… es la canción de esa juventud alegre y desenfadada que todos conocen y que prácticamente definió a Soda hasta la aparición de Signos. Es comprensible que los mismos autores la odiaran; qué irritante cuando una canción pinche y barata como esta se convierte en un hit que anula todo el resto de tu obra. Escucharon bien: pinche y barata… no es que sea mala, y efectivamente podría ser considerada un highlight de este álbum, pero ay! madre que no merece su condición de clásico absoluto: su mantra es realmente cansador y no me gusta nada como suenan las guitarras en el estribillo. CUALQUIER canción de Nada Personal, hasta Cuando Pase El Temblor, la supera, ¿Qué quieren que les diga?. Perfiero la versión acústica que hicieron para el unplugged de 1996 El otro tema, Ni Un Segundo, digno de un número tipo Hombres G por su parte, puede jactarse de un gran riff inicial y una excelente melodía vocal, ¿En serio? Tratamente Suavemente es la balada del álbum y mi favorita; me gustan el tono levemente Duran Duran que Cerati adopta en el estribillo, y sobre todo los sutiles toques de guitarra eléctrica que aparecen hacia la segunda mitad. ¿Ven? esos son arreglos soberbios; si hubieran laburado así el resto del álbum, este sería mucho mejor. Tele-K, es algo tonta y festiva pero tiene el estribillo más pegadizo del álbum y golpes de tambor interesantes, mientras que Afrosidíacos, es un tema bastante curioso con su intro de tambores.

Ahí entre canción y canción están Mi Novia Tiene Biceps, que podría ser el hermano mayor de aquella Mujer de Bandera de los Hombres G y Ni Un Segundo que comienza con un teclado atmosférico para dar paso a una orgía festiva de guitarras en la que Gustavo canta de manera paranoica sobre un travestí que lo acosa día y noche. Anticipando lo que sería Nada Personal.

Bueno gente. A todos los que odian a Soda Stereo 84 les digo que no sean tan severos y que escuchen con paciencia: hay buenas melodías y cositas aquí después de todo. Obviamente que Nada personal es infinitamente mejor, pero aquello es otra historia. Las melodías son buenas, las guitarras ruidosas son genéricas pero más inofensivas de lo que se supone y… pues. Esto no es el Soda que todos aman, es verdad, pero como la banda convencional que fue en sus comienzos esto es al menos decente.

NADA PERSONAL-1985

“Hay una grieta en mi corazón. Un planeta con desilusión…”

1) Nada personal, 2) Si no fuera por…, 3) Cuando pase el temblor4) Danza rota, 5) El cuerpo del delito, 6) Juego de seducción, 7) Estoy azulado, 8 ) Observándonos (satélites), 9) Imágenes retro, 10) Ecos

Mejor Tema: Cuando Pase el Temblor

Mejor! Mucho mejor que el anterior! Parece que Soda 84 era en realidad un experimento para lo que sería este álbum y el Signos. Con este álbum Soda Stereo le dice al mundo que no es cualquier bandita del momento, sino que es mas que eso. Todavía Soda no propone nada nuevo al mundo del rock n’ roll, pero aquí el post-punk esta muy bien hecho. Las guitarras escandalosas del álbum anterior siguen estando a veces presentes y todavía no logran desechar la monotonía completamente, pero las canciones ya están mucho mas pulidas y refinadas que en Soda 84. Sobretodo ya empiezan a aparecer canciones excelentes que levantan en gran medida el disco.

Ahora, vamos al punto ¿Es una obra maestra? ¿De verdad Nada Personal se convertirá en un clásico del rock? ¿Todos los temas del disco son clásicos? No, digo es un buen álbum, pero que quede bien claro que no se trata de el segundo mejor disco de Soda Stereo, tampoco se trata de uno de los momentos cumbres de esta banda. Verán, con este disco todavía Soda no es una banda trascendente, saca un buen disco de post-punk y new wave, pero hasta ahí, no aporta nuevas ideas al mundo del rock, es imperdonable que alguien crea a Nada Personal uno de los momentos cumbres de Soda. Voy a mencionar las causas del porque pienso que el disco a veces se sobrevalua.

1. Se trata de una seguidilla magnifica de clásicos Tal vez, en este punto se tenga razón, quizá si oigo las canciones por separado resultan clásicos. Pero al juntarse en el disco resultan cansadas porque los rockers del disco son parecidos entre si, digamos que no en gran medida, pero si…no me puedes negar que estos temas son similares: El Cuerpo del Delito, Juego de Seducción, Nada Personal, Si No Fuera Por… Estoy Azulado las guitarras son las mismas en el estribillo, no TAN parecidas, pero si, ni modo, Algo parecido pasa con las baladas…
2. Soda rockea estupendamente Esto es una tontería, hay quienes dicen que el ruido que estaba presente en Soda 84 ha desaparecido y ahora nos encontramos con grandes arreglos de guitarra, ganchos por todos lados, matices bah!¡Cuántes veces nos hemos encontrado arreglos rockeros de este tipo en otras banduchas! ¡Un millón de veces!¡Tampoco ha desaparecido del todo la monotonía y el ruido que estaba presente en el disco debut de Soda sigue estando algunas veces! Nada Personal es el hermano mayor de Soda 84, superior al anterior, pero SIGUEN siendo hermanos.
3. Yo tomo mucho en cuenta la trascendencia , como trascendencia entiendo el hecho de que sea algo nuevo, original y otorgue una nueva idea al mundo de la música. En el caso de Nada Personal este disco tiene intrascendencia por usar frecuentemente acordes comunes de guitarras atmosféricas y siempre con la misma intensidad, eso no es nada nuevo. Este disco es poco trascendente casi lo comparamos con los últimos discos que hará la banda.
4. Ahora, vamos a comparar a Dynamo con Nada Personal para demostrar que el primero es más consistente que el último: Una gran ventaja que tiene Dynamo es que es muy variado (música electrónica, rockers bien hechos, baladas de piano, pop, baladas acústicas), y eso es algo que tomo MUY en cuenta en CUALQUIER álbum, además de que cuando Soda rockea en Dynamo rockea en serio, no hace ruido como en Soda 84 y Nada Personal, sino que es un buen rocker con riffs de guitarra bien coordinados y no ruidosos, por eso Dynamo es mejor. Sin contar que es mas trascendente por tener en su contenido música electrónica combinada con tracks de rock. Su obra quintaesencia. Punto. En cambio en Nada Personal no tenemos variedad, solo encontraremos rocks y baladas NADAMÁS.

Les eché todo esta graaan paja para bajar a la Tierra a Nada Personal y para convencerlos que en primer lugar se compren Canción Animal y Dynamo y después le lleguen a este álbum. No me malinterpreten, es un BUEN álbum, pero aquí Soda aún no es el verdadero Soda que nos conquistará con Signos y Canción Animal , es simplemente una banda MÁS de Rock-pop, es un La Ley apenas.

El álbum abre con La pista titular del disco, muchos la llaman como una gran introducción que te envuelve en un mundo fantástico, sobretodo en el estribillo…(Nada/oooooh/ nada personal/ooooh/nada/ooooh/nada personal) me sorprende, pues sinceramente…a mí…. me gusta un tanto. Me llama la atención la guitarra especial que se interpreta al comienzo y el teclado full 80toso ( sin contar que es muy poco original), pero sobretodo lo que más me gusta es el estribillo, a pesar que me suena MUY ordinario, como si se lo hubieran plagiado de otra canción que yo haya escuchado por ahí y le trataron de hacer un misticismo barato con esos acordes comunes de guitarra.

Si No Fuera Por… me gusta mucho mas por su trabajo de percusiones electrónicas y guitarra procesada y sonidos de contestadoras telefónicas y su coro que Gustavo repite cual mantra repetitivo (Podrías divertirte/Podrías sumergirte/Podrías intentarlo/Podrías entenderlo/Si no fuera por…)

Y llegamos a la vedette de este disco, el clásico absoluto de los 80: Cuando Pase el Temblor, con su acorde de guitarra robado de la canción Live is Life de Opus y su melodía de flautas peruanas. Aunque no es muy original, refleja una especie de puente de el Soda alegre y desenfadado y el Soda serio y reflexivo de Signos.

Y para continuar este trio de excelentes canciones llega Danza Rota que comienza con un ambiente de teclado para dar paso a un movido pop-rock génerico.

El Cuerpo del Delito destaca por el trabajo del Bajo por Bosio para dar paso a una historia de crimen de los años 40. Juego de Seducción destaca por su barrido de guitarra y su batería electrónica .

Estoy Azulado es uno de mis temas favoritas del disco con su intro de saxo y teclado.

A partir de aquí el nivel que arrastraban los tres clásicos anteriores baja un poco con uno de los rockers del disco: Observandonos, que tiene las guitarras molestas que había en Soda 84, pero lo que salva del desastre a la canción es el estribillo.

Imágenes Retro es otro rock-pop genérico que tiene un coro muy gracioso (Sueño con telarañas…). Ecos es un tema muy al estilo de U2 con su guitarra haciendo eso precisamente.

Bueno, como conclusión debo decir que este disco es BUENO, cuenta con varios clásicos de la década de los ochentas y sin duda es un gran momento único, aún así tiene sus defectos por ahí y lo dejan lejos de aportar algo de importancia al rock, mejor, pasen a los siguientes discos y sabrán lo que es REALMENTE Soda.

SIGNOS – 1986

“Yo te prefiero fuera de foco inalcanzable ee…”

1) Sin Sobresaltos, 2) El rito, 3) Prófugos, 4) No existes, 5)Persiana Americana, 6)En Camino, 7) Signos, 8 ) Final caja negra

Mejor tema:Persiana Americana (Creanme=P)

Hablando de vacas sagradas, llegamos al tercer álbum. Como Gustavo y sus compadres estaban agotados y exhaustos de pensar los nombres cursis de los dos álbumes anteriores (y los comprendo perfectamente), ésta vez decidieron ponerle un nombre muy místico: Signos. Ohhh! muy misterioso… Ahora, todo este circo tuvo bastante éxito y con el tiempo, este álbum, se convirtió por consenso general en el más grande de Soda Stereo. Lo que tenemos que determinar ahora es si la música en sí sobrevive al mito. La respuesta es un SÍ rotundo. Más allá de todas sus vicisitudes y todas las críticas que podamos hacerle se trata de un álbum monolítico, fundacional, un verdadero mojón dentro de la historia del rock en español y el álbum quintaesencial, el definitivo, de Soda Stereo.

Luego del punk-ska del álbum debut y el rock-pop atmosférico de Nada Personal, el grupo hace de este LP una suerte de síntesis de los álbumes anteriores, inclinándose hacia terrenos más épicos, bombásticos y místicos, y endureciendo su sonido hasta alturas nunca antes alcanzadas. El resultado es ciertamente arrollador: quizá Soda Stereo y Nada Personal sigan siendo álbumes más genuinamente rockeros, pero Signos es por lejos mucho más recargado, agobiante y barroco. A mi juicio este es el álbum (No, no, ni El Amor Ya No Existe ni ENtre el Cielo y el Suelo pueden aproximarse siquiera a la obvia magnificencia, a la evidente MAJESTUOSIDAD y riqueza expresiva musical de esta pieza de arte. Olvídenlo, el mejor álbum que recoge el espíritu del rock-pop de los 80 está aquí ¡HE DICHO!.) que realmente establece en toda su plenitud sobreproducción, pasión por lo místico, tendencia a lo bombástico y excesivo y a los power-chords. También es el primer álbum de Soda que podría efectivamente ser considerado como rock en español, ya que el new-wave 80tera que caracterizó su álbumes anteriores ha sido elminado de un coñazo en favor de rocks mastodónticos y épicos que poco tienen que ver con el new-wave. Signos agrega al legado un elemento tan definitorio como nefasto: lo pretencioso de sus ínfulas proféticas, mágicas y místicas, así como un aura de arte en serio bastante presuntuosa. Esto sería una masiva (y pésima) influencia en miles de banditas de rock-pop posteriores, sin embargo Soda Stereo es una banda demasiado talentosa e imaginativa como para que este tipo de cosas arruinen su música. De hecho, las atmósferas de este álbum son tan geniales que a veces esa mística barata logra fascinarme y despertar mi imaginación. Tonto de mí.

Mis sentimientos personales sobre el álbum son contradictorios. En principio pensé en darle a éste el título de mejor álbum de Soda Stereo, simplemente porque tema por tema es de los más fuertes: quizá un par de ellos puedan considerarse relleno, pero sinceramente no admito que haya aquí una canción mediocre y no veo ningún traspie evidente del tipo de los dos álbumes previos. Aparte, como dije anteriormente, los delirios místicos no me causan mayor incomodidad. Sin embargo, escuchándolos todos de nuevo llegué a la conclusión de que de los cuatro primeros éste es el que menos me atrae y… ¿Por qué? Muy sencillo: en general, la banda no me suena ni tan fresca, ni tan espontánea, ni tan ajustada como en los álbumes anteriores. La bombástica indisimulada de este LP, sin resultarme indigesta, ocasionalmente me cansa y a pesar de la inspiración innegable que subyace en estas canciones, siempre preferiré la atmósfera más fresca, juvenil y rockera de sus primeros dos álbumes a la vena seria y sobreproducida de art-rock-pop que transmite este. Simplemente eso. Más allá de dicho problemita el álbum sigue siendo casi una obra maestra que no para de patear una buena cantidad de culos con su certera potencia y que merece el hurra incondicional. Depués de todo éste es el que tiene Persiana Americana ¿No?

Pero bueno empecemos. Sin Sobresaltos es un tema que comienza con un teclado lúgubre para dar paso a un golpe de energía de batería y vientos, como para disipar las dudas que había sembrado el LP anterior sobre si la banda se había olvidado o no de rockear. El Rito
empieza con un riff sinuoso de guitarra y una triste e igual lúgubre sección de ritmos. Prófugos, el tema que sigue es una especie de canción al estilo Beat It de Michael Jackson con su intro de sirenas y la historia de una pareja que se escapa de la cárcel huyendo de de religiones ruidos blancos, hay un tremendo solo de guitarra por parte de Cerati que se manda enmedio. No Existes es la balada nostálgica del disco que recuerda a los tiempos de Nada Personal que empieza a acelerarse a medida que pasa la canción, tiene un muy curiosos sonido de guitarras distorsionadas al final.

Y me obligo a poner párrafo aparte para el highlight definitivo. No importa lo consistente que sea Signos el clásico de clásicos Persiana Americana. está muy por encima de cualquier otra cosa del álbum. Se trata de la primera gran épica de Soda Stereo y una de sus pocas que a su vez consituyen una auténtica proeza de la composición musical. A pesar de todo su prestigio, la canción está lejos de tener un consenso definitivo: críticas que la acusan de sobrevalorada, demasiado larga y sobremediatizada le han llovido desde todas las direcciones. Pero es un tema tan desmedidamente sagrado, y tan condenadamente bueno, que sobrevive a las críticas más despiadadas y la mayoría termina admitiendo que se trata de la mejor pieza de este álbum. ¿Sobrevalorada? Seguro, su status es tan legendario y mítico que sobrepasa el valor intrínsecamente musical de la canción, que ya es bastante grande. ¿Sobremediatizada? Definitivamente: si tienen que escoger una canción de Soda Stereo para pasar por la radio hay un 90% de probabilidades que elijan ésta (estúpidos, estúpidos programadores) pero como NUNCA uso la radio, la primera vez que escuché el tema fue cuando compré este álbum. ¿La mejor canción de Soda Stereo? Tendré que decir que sí. No puedo ser original ni transgresor en este sentido. ¿Pero qué tiene de genial este tema? ¿Por qué es TAN bueno? Te lo voy a decir: posee EL MEJOR SOLO DE BATERÍA DE LA HISTORIA DEL ROCK EN ESPAÑOL. Un solo tan melódico, potente, sinfónico y majestuoso que casi dan ganas de llorar cuando lo escucho. La melodía del tema es memorable (si bien no particularmente hermosa), la letra pseudo-profética-carnal es tolerable, los pasajes instrumentales inspiran cosas ES una obra cumbre del art-rock y uno de los himos históricos del género, con un lugar reservado ahí junto a Lobo Hombre en París e Hijo de la Luna.

Después de semejante tour-de-force solo podemos ir hacia abajo y el tema siguiente En Camino con una estructura musical bizarra parecida a Prófugos con una contundente guitarra acústica no dice mucho.

Signos, el otro tema MAGNUS OPUS del disco ha dado mucho que hablar con su siniestra intro y su linea de guitarra. Es un tema 100% ASESINO que al oírlo, estes en una especie de viaje de LSD, me encanta su línea de coros de Signos, mi parte insegura/Bajo una luna hostil/signos/ohhhh. Hay una mejor versión en vivo que hiceron en el directo de Ruido Blanco. Final Caja Nega es otro tema épico con que cerramos el disco tiene una de las mejores lineas de guitarra que Cerati haya creado jamás.

Y esta es la quintaesencia de Soda Stereo. Un álbum cansador, agobiante pero sumamente fascinante que, aún faltándole la gracia y frescura de sus primeros álbumes todavía está bastante lejos del dinosaurismo reseco y sin imaginación de los últimos años y que arroja algunas de las páginas más intensas de la historia del rock en español. El último infaltable.

DOBLE VIDA – 1988

“Me verás caer, como un ave de presa, me verás caer, sobre terrazas desiertas…”

1) Picnic en el 4º B , 2) En la ciudad de la furia, 3) Lo que sangra, (la cúpula), 4) (En) el borde, 5) Languis, 6) Día común-Doble vida, 7) Corazón delator, 8 ) El ritmo de tus ojos, 9) Terapia de amor intensiva

Mejor tema: En La Ciudad de la Furia

Algunas de las grandes bandas llegan de pronto a un momento en el cual se vuelven totalmente dementes y empiezan a revolver y dar vuelta todo sin tener demasiada idea sobre qué carajo están haciendo. Se olvidan por momento de su imagen, su nombre y su reputación y se dedican de una vez por todas a divertirse, a experimentar, a jugar, a burlarse y a parodiar sin tomarse demasiado en serio. Le ocurrió a Soda en Doble Vida, un álbum que muy poco tiene que ver con lo que la banda había entregado en sus primeras tres publicaciones.

Desde mi punto de vista, un álbum como Doble Vida habla muy bien de Soda Stereo. ¿Por qué? Simplemente porque demuestra que no tenian ningún interés en mantener una fórmula y que siempre querían hacer cosas novedosas, distintas y que abrieran nuevos caminos. En Signos habían llevado hasta el extremo los elementos distintivos que habían caracterizado a la banda durante los primeros años, habían dicho la última palabra en términos de rock-pop, épicas oscuras y post-punk bombástico… ¿Qué sentido tenía seguir con lo mismo? Podrían, como cualquier banda que saca una obra maestra, intentar replicar exactamente el álbum anterior, pero Soda fue lo suficientemente inteligente para darse cuenta de que eso era casi imposible, y movió para adelante. Claro que habría que tragarse todos estos elogios si el resultado artístico hubiera sido malo. Sin embargo Doble Vida demuestra con éxito que Soda podía ser versátil, podía ser experimental y abordar diferentes géneros sin perder en el camino la capacidad de hacer buenas canciones y crear buenos arreglos.

Y eso viene le obra y gracias del productor boricua Carlos Alomar (Guitarrista que tocó con artistas de renombre internacional como Iggy Pop, Mick Jagger, David Bowie que le dió el toque mágico a este disco.

Hay quienes desechan esta experimentación argumentando que Doble Vida demuestra que Soda era una banda creativamente estrecha que no podía salirse de la fórmula sin hacer desastres. No veo por qué. Aqui la banda intenta con melodías acústicas (Picnic en el 4ºB), funk al estilo de Prince (En El Borde, Los Languis, Día Común/Doble Vida), ska rock de sus inicios (La Cúpula). CUALQUIER COSA menos new wave, y sale airosa. De hecho, es el último álbum de Soda que suena verdaderamente fresco, contribuyendo un entretenimiento liviano y melódico, la perfecta y necesaria antítesis para el sonido pesado y épico del álbum previo. Así que desconfíen de todos aquellos que critican a Doble Vida como un fracaso artístico y oigan por ustedes mismos. De nueve temas, cuatro son brillantes, otros dos son aceptables y solo dos son medianamente olvidables y las canciones brillantes rankean junto con lo mejor que jamás haya hecho Soda Stereo.

Para empezar tenemos a Picnic en el 4º, una especie de sátira hippie con su letra sumamente idiota (Picnic en el 4ºb/es una cuestion de voltaje/picnic en el 4ºb/ya me acostumbraste). la estructura inexistente de la canción no sobreviven a su título tan pretencioso y grandilocuente. Cuando escuché el álbum por primera vez esperaba algo un poco más sustancial. Pero si tomamos el tema como lo que es, un experimento inocuo y divertido. Ocurren tantas cositas en sus tres minutos y medio que cada nueva escucha nos depara un descubrimiento nuevo. Es un viaje increíble repleto de punteos, solos furiosos, riffs enérgicos y trucos varios rellenando los espacios, es evidente que Gustavo Cerati por primera vez se está divirtiendo a lo grande, mandando al diablo cualquier tipo de restricción estructural y norma compositiva. Sana elección: lejos de ser un aburrimiento autoindulgente, es una valiosa e inimitable pieza musical. Contrastando con eso aparece el highlight de En la Cuidad de la Furia una canción que al principio no me llamaba mucho la atención pero que después de unas cuantas escuchas pude apreciar lo intensa que es. Las melódicas líneas de guitarra eléctrica son poderosamente evocativas y atmosféricas, estableciendo un maravilloso tono otoñal muy siniestro. Cerati canta una melodía suave y sutil mientras los arreglos de teclados y la guitarra de fondo (Cortesía de Carlos Alomar) realzan aún más la tristeza del tema. El largo y acogedor break instrumental del medio y el final con el delicioso, sutil, sublime punteo de guitarra (Cerati era una especie de genio, admitámoslo) son mis momentos favoritos, hay un nuevo arreglo en el desenchufado de MTV en que participa la vocalista del grupo colombiano Aterciopelados Andrea Echeverrí haciendo dueto con Cerati. El álbum continúa con un fluir extraordinario con la gema pop-rock de Lo Que Sangra (La Cúpula) que comienza con una perfecta reescritura de …El Temblor hasta que, en un golpe de efecto glorioso, una orgía de metales entra en acción pronto transformando la canción en un pop alegre y fiestero, uno de los más alegres y. Hasta aquí un inicio sin fallas.

En el Borde es para muchos el primer error grave del álbum. Para mí, sin embargo, la canción está bien. Verán, no hay que tomarsela en serio; es una parodia completamente descerebrada, exagerada e inocua de Prince. Una PARODIA, nunca intentaron crear un tema soul en serio; no es más que un divertimento. Y como tal funciona bastante bien. Es más, el groove de prominente bajo, guitarra eléctrica y sintetizador es gracioso, funky y tremendamente adictivo; la letra es una cagada total. No es un clásico, pero condenarla como una porquería es no advertir que se trata de un número de comedia y repleto de genuino humor, me gusta la voz rapeada de fondo que parece en el medio del tema (Cortesía también de Carlos Alomar). Los Languis sigue la misma tónica funk, aunque es algo mas seria su letra. Día Común/Doble Vida la ccomienza con una retumbante batería y un saxo cuya letra parecería lo que es la continuación de …El Temblor terminando la trilogía funk.

Para contrastar con lo movido de estos tenemos la mágnifica, sublime, majestuosa Corazón Delator una atmósferica y oscurísima pieza de rock-pop cuasi-sinfónico. El Ritmo de tus Ojos comienza con una guitarra punteando de manera sublime para dar paso a un funk-rock muy INXS. Otra joya infravalorada y majestuosa es Terapia de Amor Intensiva con un siniestro piano a lo Imagine de John Lennon.

Bueno, este es el cuarto álbum de Soda Stereo. En un esfuerzo mental descomunal lograron salir con un nombre verdadero para el mismo. Un buen nombre, y una gran cubierta también. No es que me exciten verlos a los tres integrantes rodeados bajo el aura de misticismo en la portada del disco caminando en una calle cualquiera de Buenos Aires en una de esas tardes de ahí en la portada del disco, pero la idea de que se arrastren por la Gran Avenida de Plaza venezuela como seres que recién comienzan a vivir y a explorar su entorno, y con esos colores tan raros… me encanta. También me encanta el álbum, que para mí consituye un exitoso cambio de aires, así como el último vestigio de juventud, chispa y frescura en Soda Stereo en los fehacientes 80. A partir de aquí comienzan los problemas de dinosaurismo que causaran su tan mediatizada separación.

CANCIÓN ANIMAL – 1990

“Cuando el cuerpo no espera lo que llaman amor…”

1) (En) el séptimo día, 2) Un millón de años luz, 3) Canción Animal, 4) 1990, 6) Sueles dejarme solo, 7) de Música ligera, 8 ) Hombre al agua, 9)Entre caníbales, 10) Té para tres, 11) Cae el sol

Mejor Tema: Canción Animal

En general no suelo empezar mis revisiones con manifiestos contundentes y totalizantes, pero Canción Animal es la obra maestra de los 90. Aclaro esto desde un principio, así saben sin temor a equivocarse que esta vez estoy completamente del lado lo que dicen las masas, de la opinión popular. Seré sincero: no escuché todos y cada uno de los álbumes de rock producidos en los noventa y dudo muchísimo que lo haga en un futuro cercano, pero apostaría unos mil o dos Bolívares Fuertes a que NADA que se haya publicado en la última década pueda superar a Canción Animal (Tan explícita es su portada que, como podemos ver, aparece un león en pleno acto sexual con una leona, que fue censurada cambiada por una azul en donde salen los tres integrantes) . Olvídenlo, el mejor álbum de rock de los noventa está aquí. Y eso es una verdad objetiva y universal (He dicho!)…

Bromas aparte, debo empezar a hablar cuanto antes del contenido de Canción Animal para justificar mi pensamiento, tan déspoticamente anunciado en el párrafo anterior. Con este álbum, ya no podemos encuadrar a Soda bajo el género de new wave. No es realmente TAN diferente a Doble Vida (Ni tampoco TAN superior) pero al mismo tiempo ostenta un avance musical considerable hacia nuevos territorios donde la ecuación pareciera ser bastante clara: mas rock, menos atmósfera, sublimada en un sonido con tendencia a el hard rock, muy rico en matices, moderno pero que eventualmente agradará a los fans del rock clásico. En efecto, Canción Animal se destaca por rockear, o patear culos (Recuperando la vena rockera que se perdió en Doble Vida). De once temas los únicos momentos de atmósfera y tristeza están en Te para 3 y Un Millón de Años Luz. El resto… Puro hard-rock pateaculos a la sureña.

Suficientes mariqueras, vamos a las canciones. (En) el séptimo día abre con una batería acústica en directo y un riff contundente por parte del Dios Cerati que empieza a cantar que odia los Domingos con un coro bastante contundente aludiendo a versículos de la Biblia Solo Dios sabe que es el séptimo día/el abismo y la luna en el séptimo día/no descansaré…/En este tiempo anfibio temo perderte/por volar, por volar… Un Millón de Años Luz comienza atmosférica con una cascada de teclado y una letra aludiendo a un Diluvio Universal Del fuego vino el diluvio/la nave vuelve a partir/y mi alimento son las cenizas de una noche larga.

Aquí tenemos mi canción preferida: La Canción Animal. La pista titular del disco, comienza con una línea de bajo y batería muy ondulantes y una guitarra punteando sutilmente. Gustavo empieza a cantar de manera muy sensual Hipnotismo de un flagelo/dulce, tan dulce/cuero, piel y metal/carmín y charol como aludiendo al acto sexual llegando a su máximo clímax con Cuando el cuerpo no espera lo que llaman AMOR… como consumando el rito carnal y así hasta llegar al coro Se pide y se vive/canción animal/canción animal… Hacia el final se oye un solo de guitarra tan inhumano por parte de Cerati que parecería teclado y la canción se hace mas y mas escalofriante hacia su apocalíptico final.

1990 es una melodía semi-country. Sueles Dejarme Solo comienza con una solo crujiente de guitarra que se va haciendo mas y mas infernal.

De Música Ligera es la canción rockera por excelencia de Soda y del Rock en Español en general (tan rayada en bodas y fiestas de graduación) Gustavo nos manda el solo mas exquisito y sublime mientras canta acerca una muchacha que duerme al calor de las masas y el (Gustavo) despierta para soñarla sin saber que se está enamorando mientras nos intimida con el inmortal coro de Ya que el amor/de música ligera/nada nos libra/nada mas queda con un solo disparante hacia el final terminando con un pomposos solo de tambores de Alberty y un guitarrazo final dejando una sutil cascada de teclados. Hay una versión lenta/rápida que se interpretó en el Ultimo Concierto en el disco B.

Entre Caníbales se oyen al principio unos platillos al revés para dar paso a una melodía rock-pop y una letra muy curiosa y mas explícita sexualmente de lo que era Canción Animal que se resume en el coro Ah… come de mi, come de mi carne/ah… entre caníbales/ah… tomate el tiempo en desmenuzarme/ah… entre caníbales . Te para 3 es una balada melancólica y acústica en que Gustavo canta de manera muy quejumbrosa. Cae el Sol comienza con un sonido de cuerdas sintetizadas para convertirse en una melodía enérgica como haciendo que amanezca.

Como sea, Canción Animal es, desde 199o y para siempre, una obra clásica. Una obra maestra del hard-rock sureño, y de la ingeniería musical. Las excesivas y torpes palabras de esta revision ni sueñan con hacerle justicia, por lo tanto recomiendo que vayas YA MISMO a comprarlo y te sientes a escucharlo en la oscuridad. No hay vueltas: si te gusta el rock clásico no veo forma de que Canción Animal te defraude. Sin necesariamente abrir nuevos territorios ni cortar nuevos patrones, Soda ha hecho la obra cumbre del rock en español de los 90. Cierren los ojos y disfruten.

“Fluorescente azul, luz que baña mis sentidos, donde todo empieza a ser real…”

DYNAMO – 1992

1) Secuencia inicial, 2) Toma la ruta, 3) En remolinos, 4) Primavera 0, 5) Camaleón, 6) Luna roja, 7) Sweet sahumerio, 8 ) Ameba, 9) Nuestra fé, 10) Claroscuro, 11) Fue, 12) Texturas

Mejores Temas: Primavera 0 y Luna Roja

Uy! ¡Un nuevo albúm de Soda Stereo! (Uno de los primeros que tuve de esta banda como lo mencioné en mi sección Sobre el Blog y Su Autor) Esto sí que tiene que ser pesado, mastodóntico y graaaande. Casi que no se cómo empezar a analizar esta compleja obra. Luego de los sonidos viscerales de Canción Animal Soda Stereo se tomó una carrera de dos años para dar su último gran salto con Dynamo, un album repleto de canciones nuevas y que de alguna manera resume globalmente todo lo que habían hecho antes. Por su contenido parece una continuación más de Signos que de Canción Animal. Está claro: el álbum anterior había sido solo un catarsis demoledora; hechos todos los pesados riffs y distorsiones necesarias la banda decide volver con todo a su esencia: atmósferas de teclado, sonidos oníricos, bombástica pura y justa medida de experimentación ¿Buenas noticias?

En parte. Soda Stereo vuelve a su esencia, pero está claro que ALGO se ha perdido en el camino. Soda Stereo era un grupo, con aura, con mística, con frescura. Eso es lo que se ha perdido en el camino ¿Cómo explicarlo? Verán, yo no soy (para nada!) de los que siente que Dynamo es un álbum de insulso rock-pop-en-español genérico, como dicen sus principales detractores. Después de todo sigo creyendo en cierto GENIO de parte de Soda y no importa cuán peligrosamente se acerquen al paradigma gris y aburrido del rock en español de los 90 (aquí lo hacen por momentos), siempre tendrán un plus, un empuje adicional que hace que aún sus números más planos y genéricos suenen interesantes. Sin contar que Dynamo es en realidad un álbum variadísimo que, además de rock-pop bombástico, incluye baladas, números pop, tecno, acústica, funk, house, rock and roll. Es, en efecto, el álbum más diverso de la carrera del grupo y eso parece escapársele a mucha gente. Ahí tienen: en general Dynamo sigue demostrando un Soda dinámico capaz de abarcar con éxito y energía disintos géneros, o sea… que se trata de otra obra maestra.

Sin embargo hay síntomas, solo síntomas, de que la banda empieza a perder el toque. El álbum está compuesto en parte por temas nuevos y en parte por descartes del proyecto solista de Gustavo Cerati y de los dos discos anteriores de Soda que Cerati y Bosio agregaron para lograr este disco conceptual. Esos descartes son los que, a la larga, salvan al trabajo. Porque si juntáramos todos los temas nuevos e hicierámos un álbum aparte encontraríamos que la banda ha perdido GRAN parte de su frescura y su versatilidad. La voz de Cerati está en muy mal estado, desafinando, raspando y vacilando como nunca antes y el tono de la guitarra tiende a ser un poco monótono y a ser más ruidoso que melódico. El ensemble en general suena usado, ajado, apolillado, sucio y estos seis temas nuevos suenan peligrosamente similares en estilo, por lo tanto se suele decir que Soda Stereo se parece aquí más bandas de los 90 como Zapato 3, Claroscuro o La Ley que a ellos mismos. Y algo de razón hay. Dynamo empieza a mostrar los primeros indicios de la tremenda caída que sufrirían más adelante. Pero, aún están en la cima. A punto de caer, pero en la cima al fin.

Lo cual quiere decir que a pesar de todos sus avatares estamos hablando de un álbum bueno, interesante, repleto de sorpresas y que se puede escuchar entero sin que canse demasiado. De hecho, lo considero una experiencia mucho más interesante y variada que Infecto de Afecto el disco de Sentimiento Muerto publicado un año antes. No es el mejor álbum de Soda Stereo, pero al mismo tiempo no puedo nombrar una sola canción de aquí que me disguste profundamente; eso es importante: no hay ninguna canción mala y aún las que suenan más pedestres y vencidas tienen algo que las redime.

La mitad del disco son descartes, de las cuales, del disco solista de Cerati Colores Santos (En sociedad con Daniel Melero, que salió en el mismo año que Dynamo) y la otra parte son descartes de Doble Vida y Canción Animal. Es totalmente comprensible la influencia muy rave en este disco que quería plasmar Cerati como Sweet Sahumerio, Claroscuro (cuya secuencia fue usada por Bono con permiso de Cerati para su tema Lemon del disco Zooropa) o Camaleón, o la influencia de temas mas guitarreros del disco Canción Animal como Luna Roja (Escrita en momentos del auge de la Guerra del Golfo Pérsico), En Remolinos, Primavera 0, Texturas que si aparecerían el el consabido disco anaranjado, le quitarían protagonismo a De Música Ligera.

La Secuencia Inicial comienza con sonidos de explosiones para dar paso a un memorable riff y mas sonidos de explosiones. Toma la Ruta es mas explosiva con su riff distorsionado. En Remolinos aparece con su sinuoso acorde de guitarra y su inolvidable batería funky y entre atmósferas melancólicas de teclado aparece… ¡Primavera 0! con su riff pelado de gran potencia y su estructura musical suave/fuerte que recuerdan aquel Smells Like Teen Spirit de Nirvana. Camaleón suaviza la cosa con su extraño sonido inicial de tubo soplando y su estructura tecno y su trompeta cortesía de Flavio Etcheto.

Luna Roja es una de las vedettes del disco con su sonido de tormenta de arena, su riff inicial y una letra en que canta de manera dolorosa y épica/metafórica sobre un soldado que dejo a su casa para ir a la luchar en la Guerra del Golfo ¡Oh!se me eriza la piel cada vez que escucho esas letras y sus potentes power-chords de guitarra que vienen y van en el transcurso de la canción y su base rítmica de bajo y batería.

A partir de aquí la cosa se pone floja. Sweet Sahumerio comienza con una estructura muy house, bongos y panderetas para dar paso a una melodía rock-pop de los tiempos de Doble Vida. Ameba vuelve a dar la nota lo que es distorsión pelada y un sonido extraño de teclados para terminar con un sonido como de cortocircuito . Nuestra Fe destaca con su bajo funky y su estructura también muy house. Claroscuro (Nombre de donde tomaron la banda venezolana, la del hit Mantarraya) destaca por su secuencia que Bono usó para su canción Lemon del disco Zooropa. Fue es la balada del disco que recuerda a los tiempos de Doble Vida y asu tema La Ciudad de la Furia con su atmósfera de melancolía y soledad y guitarras funky-jazzeras y el toque exótico de trompeta cortesía de Flavio Etcheto. Texturas viene con su riff distorsionantes genéricos.

Voila! ¡No dije nada malo de ninguna canción! Y eso es porque no hay nada malo en ninguna canción. En la web encontrarán varios críticos que serán muy duros con este álbum, argumentando la falta de imaginación, que no se puede escuchar entero de una sola vez, que es muy largo, que es puro relleno. Bueno, si quieren seguir mis recomendaciones, no les crean. Todas las canciones son mini joyas y a pesar de que, como dije, los temas compuestos especialmente para el álbum tienen un sonido un tanto opaco, Dynamo es una experiencia realmente interesante, que cansa menos de lo que debería cansar un álbum de estas características y que demuestra que, sencillamente, Soda Stereo es una banda que está por sobre el promedio. Si quieren escuchar cómo suena REALMENTE una banda vencida y acabada y lo MALO que puede llegar a ser el rock-en-español genérico de los 90, no tienen más que pasar al siguiente álbum.

“Pasa el tiempo y ahora veo que el vacío es un lugar normal…”

SUEÑO STEREO – 1995

1) Ella usó mi cabeza como un revolver, 2) Disco eterno, 3) Zoom, 4) Ojo de la tormenta, 5) Efecto Doppler, 6) Paseando por Roma, 7) Pasos, 8 ) Angel eléctrico, 9) Crema de estrellas, 10) Planta, 11) X-Playó, 12) Moirè

Mejor Tema:Ella Usó mi Cabeza Como un Revólver

Entre 1992 y 1995 han sucedido desgracias a los integrantes de Soda: Gustavo se separa de su esposa, Zeta pierde a su hijo de 5 años a casa de un derrame cerebral y Charly tiene un accidente que casi le cuesta la vida (Podría ser a causa de su eterna devoción por el ocultismo y la magia negra que tenían estos porteños ¿Pero que carajo importa?) esto es el resultado de este catastrófico albúm. Con mucha sopresa he percibido que la actitud general del público con respecto a este álbum es de bastante tolerancia e indulgencia. En su momento Sueño Stereo estuvo en el primer puesto de ventas y aún hoy es muy común considerar a Dynamo como los momentos mas críticos de Stereo mientras que este queda más o menos bien parado a consideración popular. ¿Soy el único que considera a esta la peor chatarra jamás hecha por Soda Stereo? Es posible que no, pero aseguro que le encontré a este álbum más amantes de los que se merece. Según mi opinión esta cosa es peor que Dynamo. No hay acá ni siquiera un Primavero 0 como para salvar un poco el pellejo, no hay energía, no hay melodías, no hay atmósferas. Nada. Nada. NADA. Si en Dynamo Soda Stereo era un dinosaurio, ahora es directamente un muerto vivo. La banda como entidad creativa pareciera estar en coma: las funciones vitales, hacer música, siguen vigentes; pero el cerebro, la razón y la creatividad están totalmente dormidas, desmayadas, MUERTAS.

Si algo hay que reconocerles es que, aún con los últimos y pobres alientos creativos, tuvieron el tino de descartar la fórmula apolillada de Dynamo e intentaron hacer algo realmente nuevo, cosas que previamente no habían explorado. Y esto para una banda del status de Stereo, que además ya estaba muy lejos de su mejor momento, es algo poco común. ¡Imagínenese a grupos mas viejos que Soda como Aditus hoy en día tratando de hacer algo distinto de lo que hacen desde hace veinte años! En este caso Soda Stereo (para evitar problemas de dinosaurismo) quiso estar a la vanguardia de la nueva generación de grupos de rock en español del momento (Café Tacvba, Aterciopelados, La Ley, Los Pericos, Los Fabulosos Cadillcs) y por lo tanto encontraremos… ¡Rock Progresivo! ¡Violines! ¡Complejas Suites bárrocas! ¡Pianos Rhodes! ¡Soda Stereo! Y la verdad es que no tengo ningún inconveniente con eso: en álbumes anteriores el grupo se había probado competente al abordar géneros extraños y en todo caso, Sueño Stereo es relativamente más versátil y cambiante que su pomposo antecesor Dynamo. O sea, el problema de Sueño Stereo NO ES que Soda Stereo toca géneros con los que nunca debería haberse metido, NO ES que no rockean lo suficiente. El problema es que no logran hacer nada productivo con esos géneros, no logran componer grandes canciones, no logran los arreglos y los toques inteligentes y geniales que habían caracterizado sus épocas doradas. No le demos más vueltas: Soda Stereo está creativamente agotado. Completa, absoluta y totalmente agotado; ya no pueden ni siquiera sacar cosas de la galera como Luna Roja y las canciones de Sueño Stereo, sin importar si son progresivo o música bárroca, son malas, malas, MALAS… no hay ningún tipo de atenuante en ese aspecto. Son malas. Solo hay que comparar este álbum con Doble Vida (donde también exploraron notoriamente con géneros atípicos) para darse cuenta de la abismal falta de calidad. Cerati ya no canta, solo hace gemidos molestos y no es capaz de proporcionar UN SOLO gancho con su guitarra, solo aburridos y rutinarios aporreos; las melodías definitivamente no existen; no hay un solo riff que se haga notar, que nos haga decir ¡Oh! Ahí hay un riff y las atmósferas místicas y fascinantes de antaño brillan por su ausencia. Al parecer Bosio era él único que se hallaba más o menos inspirado y por lo tanto sus arreglos de cuerdas son los verdaderos protagonistas, los que hacen al álbum, pero eso no alcanza para salvar las papas: a decir verdad solo hay un par de momentos memorables logrados por las cuerdas (resumidos en la canción Ella Usó Mi Cabeza Como Un Revolver) Perdón Bosio, sé que te esforzaste, pero no alcanzó para realzar tan mediocre material. La excitación y la energía gloriosa de antaño son solo un grato recuerdo. Soda Stereo se ha convertido en una banda músicos mediocres, grises, viejos y cansados que uno imagina tocando en un rincón oscuro de un estudio abandonado (el estudio de grabación que aparece en las páginas centrales del librito del CD ¿Por qué no?) sin que nadie les preste demasiada atención.

Hay solo tres canciones que más o menos me gustan. Una es Ella Usó mi Cabeza Como Un Revolver, uno de los dos hits del álbum. En esta canción se notan los últimos esfuerzos de Soda Stereo por sonar más a menos coherentes. Se trata de un numero pop un tanto melifluo, y muy atípico de Stereo, pero que cuenta con suficientes elementos como para entretener, la mayoría de ellos aportada por las cuerdas. La secuencia de acordes iniciales, tocadas por Cerati, son simplemente clásicas y la melodía es lo suficientemente placentera. Pero lo mejor de todo es el extraño y divertidísimo solo de violines del medio; un pequeño toque de genio loco (Bosio otra vez) para hacer que un común tema pop suene un poco menos común (Hay un arreglo extraño de guitarras distorsionadas en el Unplugged-plugged de MTV de 1996). También está Zoom, una pequeña viñeta de country/tecno/rockabilly que tolero porque tiene un estribillo muy muy pegadizo con elementos como armónicas y pianos rhodes y la última es Paseando por Roma, un rockpop muy fresco con una intro de violines (De nuevo Bosio) y una trompeta cortesía de Flavio Etcheto.

¿El resto? Simplemente me pasa desapercibido, no existe…y en algunos casos hasta me hace doler la cabeza. Está Crema de Estrellas, otro pequeño hit, que se me antoja como una segunda parte de En la Ciudad de la Furia solo que con resultados aún más desastrozos. La melodía acústica de Cerati es atractiva e inspirada, no voy a negarlo, pero eso no justifica que se lo repita aproximandamente setentaisiete veces y mucho menos que después empieza darme sueño esa monótona melodía acústica Uff, horrendo. Pero aún más horrenda es el pobre intento de Radiohead de Pasos, una cosa infumable, un pasticho de sintetizadores, guitarras acústicas horribles y sonidos de mar durante tres minutos. Esta idea pésima no les habría salido bien ni siquiera en su mejor momento. Creo que soporté la canción entera una sola vez y creánme que NO ME URGE escucharla de nuevo. Angél Eléctrico destaca un poco por su intro de sintetizadores, su trabajo de batería (Alberty por fin hace algo bueno con el instrumento) sus violines (De nuevo gracias Bosio) y la guitarra melancólica de Cerati.

Lo que queda no es TAN ofensivo pero sigue siendo malo y no hace mucho para que ame más este CD: Efecto Doppler empieza con un enérgico aporreo de batería. Nos ilusionamos, pero vemos que deriva enseguida en un rockpopsito repetitvo, rancio y olvidable. Disco Eterno, pretende ser misterioso y místico pero es solo una repetición estúpida del mismo riff gris. El riff gris, una y otra vez, y otra vez. ¡Otra vez! No más que eso. ¡Ah, sí! . Feeeeeo, Aburriiiido. Estúpidaestúpidaestúpida canción. Ojo de la Tormenta no es mucho mejor. Es un tema que recuerda la época de Doble Vida y pretende revivir la gloria de viejas joyas como En La Ciudad de la Furia con un solo de guitarra claramente derivativo de aquel… no lo logra. Es incluso más aburrido e insulso que Fue. Mientras La Ciudad de la Furia tenía un vibrante aire de tragedia, de angustia desesperada y Fue lograba una agradable atmósfera de derrota y soledad,. Ojo de la Tormenta lo único que hace es atormentar, tal como su título lo indica. Atormentar penosamente sin un solo trazo de emoción sincera o gancho apasionate. Buh!

Lo único verdaderamente interesante es una especie de suite que confirman las 3 ultimas canciones de disco: Planta, X-Playo y Moirè. Como si de un track progresivo se tratase, Gustavo narra de manera muy pinkfloydiana el nacimiento, desarrollo y muerte de una planta.

Y aquí tenemos. Un álbum feo y cansado por donde se lo mire que lo único que al escucharlo, lo que da es sueño (En honor a su título) . Me da lástima pensar que los tipos, sobre todo Bosio, realmente se esforzaron para hacer algo decente y les salió esta porquería. Es evidente que las diferencias creativas les impidieran seguir y separarse 2 años después… vaya uno a saber qué clase de basura nos hubieran vendido de haber seguido. El álbum no es proverbialmente malo, pero no se lo puedo tolerar a un grupo que poco tiempo antes podía hacer cosas como Luna Roja, Primavera 0 o Claroscuro. No alcanzo a creer que un álbum de Soda Stereo transcurra de cabo a rabo sin que se me mueva un solo pelo de emoción ni de entusiasmo. No puedo, no alcanzo.

“Gira el disco lentamente por la habitación soy piloto de juguetes entre nubes voy…”

CONFORT Y MÚSICA PARA VOLAR (MTV UNPLUGGED) 1996

1) En la ciudad de la furia, 2) Un misíl en mi placard, 3) Pasos, 4) Entre caníbales, 5) Té para tres, 4) Angel eléctrico, 5) Ella usó mi cabeza como un revolver, 6) Sonoman, 7) Planeador, 8 ) Coral, 9) Superstar

Mejor Tema: Entre la Ciudad de la Furia, Un Misil en Mi Placard y Ella Usó mi Cabeza como un Revolver.

Suspiro de alivio. Un año después de aquel somnífero Sueño Stereo, Gustavo Cerati y Zeta Bosio se deciden a enmendar aquel error y graban un concierto acústico enchufado que hace total justicia al nombre mítico de Soda Stereo resurgiéndolos como el Ave Fénix de sus cenizas. Lo que tenemos esta vez es un álbum de tomas en vivo grabadas para la aún respetable cadena MTV en 1996 y las rendiciones son absolutamente bestiales. Se trata simplemente de una excelente banda en vivo en su mejor momento, dándolo absolutamente todo a través de performances inolvidables, crudas, excitantes y devastadoras de sus primeros clásicos, el detalle aquí es que graban con instrumentos… ¡eléctricos! desenchufados. por primera vez un una cadena de básicos de MTV se hace eso (antes era con instrumentos acústicos en su totalidad) marcando la vanguardia de lo que en otras bandas latinas de rock se refiere. El otro detalle es que es uno de los pioneros (junto con el disco Vértigo de la Ley, una de sus mas férreas competidoras en lo que a sonido se refiere) de incorpora programas de computadores en un CD de música que tiene videos de como se realizó el concierto.

Yendonos a la carne (o sea, a las canciones) abrimos con excelente arreglo de En la Ciudad de la Furia con sonidos extraños y atmosféricos de guitarra y teclados con Gustavo haciendo una excelente interacción vocal con la rockera colombiana Andrea Echeverri (Aterciopelados), Un Misil en Mi Placard que fue una especie de ska-rock muy a lo Police en su disco debut de 1984 está aquí arreglada como una excelente melodía acústica y acordeones. Pasos que fue un infructuoso intento de Radiohead en Sueño Stereo, aquí es una bella melodía acústica con violines incluidos de la versión original. Entre Caníbales no difiere nada de la melodía original de Canción Animal y Té para 3 va por la misma senda. Angel Eléctrico que era una pobre viñeta de rock progresvo en el nefasto Sueño Stereo, aparece aquí en el unplugged con maravilloso arreglo de guitarra eléctrica (¡EN un acústico de MTV!) y una melodía funky-jazzera. Pero el momento estelar es la pieza que salvó del olvido a Sueño Stereo. Ella Usó Mi Cabeza Como Un Revolver con un extraño arreglo de guitarras eléctricas y los violines que estaban en la versión original , reunidos en una performance que te pone los pelos de punta y te provoca oírla una y otra vez.

Los temas nuevos para este disco son Sonoman, Planeador, Coral y Superstar: Sonoman (Banda de Sonido) es una especie de jamming funky-progresivo que culmina con una especie de jingle radial dando paso a Planeador: un tema que recuerda por ratos a los tiempos de Sueño Stereo con su melancólica guitarra, Coral es el tema rocker por excelencia que nos transporta a la etapa de Dynamo. Superstar podría ser una segunda parte de aquel …De Música Ligera con su guitarra punzante y poderosa.

Debo recalcar que después los chilenos de La Ley (Competidores férreos de Soda en lo que sonido inclasificable y sofisticado se refiere) hicieron una especie de antitésis de unplugged 5 años después con instrumentos puramente acústicos.

Aquí termina una obra maestra que devuelve la dignidad a estos grandes tres maestros del rock en español (Fue reeditada con un DVD incluido en el 2007). Sin embargo les duró muy poco (debido a sus diferencias personales). La Soda como conocemos se le terminó aquí su gas.

” Gracias… Totales!”

EL ÚLTIMO CONCIERTO A & B 1997

Disco A 1) En la ciudad de la furia, 2) El rito, 3) Hombre al agua, 4) (En) el séptimo día, 6) Canción animal, 7) Trátame suavemente, 8 ) Paseando por Roma, 9)Lo que sangra (La cúpula), 10) Zoom, 11) Signos, 12) Ella usó mi cabeza como un revolver

Disco B 1) Disco eterno, 2) Planeador, 3) Luna roja, 4) Té para tres, 5) Cuando pase el temblor, 6) Claroscuro, 7) Persiana americana, 8 ) Un millón de años luz, 9)Primavera 0, 10) Cae el sol, 11) de Música ligera.

Mejor Canción: Puesss… De Musica Ligera?

Y bueno… La declive llegó . En Agosto de 1997 Gustavo, Zeta y Charly anuncian su ruptura arrancado lagrimones de sus mas acérrimos fans que los seguían desde sus inicios (Y especialmente Venezuela, una de sus mejores plazas que los vieron tocar por primera vez ante un público reducido de 300 personas en Mata de Coco allá en 1986) y organizan un fastuoso tour de despedida. Hecho que queda registrado en estos dos discos, denominados A y B.

Modestia aparte debo confesarles que siempre odié los directos. Los sonidos de júbilo del público entre tema y tema me dan ganas de vomitar. Pero esto es una notable excepción. Toda la energía en vida de lo que fué Soda está registrada en esta serie de conciertos que dieron por su natal Argentina. México, Chile y mi patria Venezuela (¡Suspiro!…)

Las canciones aquí no se diferencian de tal cosa de las originales en estudio . Esto no sería mas que una especie de Ruido Blanco en su versión extendida. Salvo extraños arreglos de vibráfono y acordeón en Signos, o las extrañas secuencias electrónicas rave en temas como Claroscuro. Pero el momento estelar es el final con su tema mas conocido (y rayado) De Música Ligera en que Gustavo arenga al público a cantar la primera estrofa iniciando de manera muy lenta hasta explotar de energía en el medio hasta finalizar con un grandilocuente discurso de el Dios Gustavo Cerati: No solo no hubiéramos sido nada sin ustedes, sino con toda la gente que estuvo desde nuestros comienzos. Algunos siguen hasta hoy… Gracias… Totales! Cerrando para siempre la trayectoría de esta banda. Abierto solo 10 años después.

CHAU SODA (COMPILADO DOBLE DE ÉXITOS) 1997

Disco 1 1) Por qué no puedo ser del jet set?, 2) Un misil en mi placard, 3) Dietético, 4) Te hacen faltas vitaminas, 5) Trátame Suavemente, 6) Nada Personal, 7) Cuando pase el temblor, Juego de Seducción, 9) Estoy Azulado, 10) Danza Rota, 11) Persiana Americana, 12) Prófugos, 13) No existes, 14) En camino, 15) Signos, 16) Sobredosis de t.v.

Disco 2 1) En la ciudad de la furia, 2) Corazón delator, 3) Picnic en el 4to B, 4) Lo que sangra (La cúpula), 5) Los languis, 6) Mundo de quimeras, 7) Canción Animal, De música ligera, 9) Un millón de años luz, 10) Hombre al agua, 11) No necesito verte (para saberlo), 12) Luna roja, 13) Primavera O, 14) Zona de Promesas

Mejor tema: Persiana Americana

Cualquier asno sabe que los cuatro álbumes de Soda Stereo comprendidos en el período 1986-92 son ESENCIALES y quien realmente llegue a interesarse por la banda lo suficiente como para adquirir este compilado doble, va a NECESITARLOS DESESPERADAMENTE. Es decir, si Soda Stereo te gusta aunque sea moderadamente, esta compilación no alcanza y no tiene sentido, salvo que más allá de todo realmente te importe un cuerno la música y sinceramente no te de curiosidad Nada Personal después de escuchar la gloria de Cuando Pase el Temblor (lo cual significa que, te quedas en la ignorancia más completa). Y si no te gusta Soda Stereo, tampoco tiene sentido, claro está. La única ventaja que le veo es que permite al admirador de Stereo no completista hacerse con los clásicos importantes de los álbumes más prescindibles de la segunda etapa de la banda, pero aún así todo el primer disco se hará redundante si uno está en sus cabales y decide comprarse los susodichos cuatro álbumes.

Ahora bien, salvado ese detalle la colección en sí es verdaderamente impresionante y esteriliza cualquier intento de hallar paralelos para Soda dentro del rock-pop. El defecto más imperdonable que le encuentro es haber incluido el bodrio insoportable de Zona de Promesas, cuando todo el mundo sabe que es una de las peores cosas que han hecho. También sorprende la inclusión de Corazón Delator, una de los temas más detestados en general, y aunque en mi caso no tengo problema porque me gusta, quizá hubiera venido mejor algo como Terapia de Amor Intensiva. Además, si de repente esto fuera lo único que quedara sobre la faz de la tierra de Soda Stereo, extrañaría mucho cosas como Sin Sobresaltos, Final Caja Negra, Si No Fuera Por…, Sueles Dejarme Solo, El Rito, 1990 pero en todo caso, lo repito, se trata de los primeros cuatro álbumes cuya calidad que desborda las posibilidades de este rejunte. Y me pregunto por qué demonios no incluyeron Claroscuro, quizá en lugar de Primaver 0 hubiera venido bárbaro sabiendo que es una pequeña joya oscura que solo puede conseguirse comprando la discografía completa del grupo que viene en box-set. Maldito Gustavo Cerati, ¿Qué te costaba? Buitre!

Por lo demás, esta compilación es muy recomendable para el oyente casual; el sonido es genial, no hay ninguna omisión verdaderamente alarmante, los clásicos infaltables no faltan y aunque el segundo disco compacto palidece notoriamente frente al primero, la calidad nunca baja de muy buena.

Formación

Dante Spinetta voz y guitarra
Emmanuel Horvilleur voz y bajo

Introducción

Illya Kuryaki & The Valderramas….no son los tipos que hicieron la canción Abarajame?? O los que hicieron ese divertido video de A Mover el coolo? Claro que sí, los IVK fueron una de los binomios más renombrados y reconocidos del rock argentino, hicieron grandes canciones, fueron muy originales, su sonido era accesible, tenían millones de fans, tenían una propuesta variada de música, hicieron unas melodías que es difícil quitar de el cerebro, etc. No tuvieron el renombre de bandas como Soda Stereo, Los Pericos o los Fabulosos Cadillacs porque les faltó ser una banda más seria en sus inicios (MUCHOO más seria), pero a decir verdad, esta banda podría ser una fuerte candidata a una de las mejores propuestas ( de las demasiadas) que ha dado la patria de Carlos Menem en los últimos 30 años, o quizá en toda la historia.

Formada por el dúo dinámico de Dante Spinetta (hijo del no menos renombrado músico Luis Alberto Spinetta) y Emmanuel Horvilleur, y usando la toponimia del nombre del personaje de la serie de los 70 El Agente de CIPOL encarnado por el actor Robert Vaughn: Illya Kuryaki y el apellido del futbolista colombiano Carlos Valderrama (Muy celebre por su tumusa rubia) conforman la eclectitud de esta propuesta musical. seguidores de grupos como Funkadelic, Sly & the family Stone, Stevie Wonder o cosas funk que literalmente se habían extinguido a finales de los 70’s y principios de los 80’s, se pusieron las pilas y trataron de hacerlo resurgir, ¡Pero a su modo! Añadieron a ese funk de aquellos maestros un toque de punk, de hard rock, ese nosequé que ha caracterizado siempre a los porteños y un toque de rap! Ooo, bueno, no exactamente, los IKV en sus inicios eran un poco de todo, una propuesta extraña de sonido, pero a la vez accesible, sin ser parte del mainstream. El primer disco Fabrico Cuero es rap old school muy al estilo de Cypress Hill, Beastie Boys, Public Enemy…o Dios, q mezcla será eso, Horno Para Calentar los Mares, es el disco más rap-metal que alguna banda de rock argentino haya creado jamás. Es cierto que el funk que describí antes era como su base sónica , pero los IVK son una banda con tantas imágenes diferentes, que decir que son únicamente funk rock o rap argentino es un poco tonto.

CHACO – 1995

“Soy cruza de potrillo y de perra…”

1)Chaco, 2)Abarajame, 3)Jaguar house, 4)Hermoza from heaven, 5)Ipanema, 6)Remisero, 7)Abismo, 8)Húmeda, 9)Sirena (Intrumental), 10)No es tu sombra, 11)En el reino (la hija de la esgrima), 12)Hermana sista, 13)Jalea, 14)Mitad de la canción del caballo violeta, 15)Hombre blanco, 16)Nacimiento

Mejor Tema: Jaguar House

Después del fracaso de aquel Horno Para Calentar Los Mares. Ninguna disquera quería dar ni un medio por ellos. Pero no se dejaron agobiar y fundan su propia productora Gigoló Producciones y sacan esta magnífica obra maestra. Desde su inquietante portada Chaco nos lleva a un mundo de acid jazz, rap, funk, hip-hop, artes marciales, plataformas, pantalones acampanados, guayas de 24 kilates, grandes afros, Starsky & Hutch, Chip’s, etc.

El disco abre con Chaco (Aquella reserva indígena que remonta Argentina, Brasil, Bolivia y Paraguay) en mas puro estilo de rap al mas puro estilo Cypress Hill en que Dante y Emmanuel alternan párrafos sobre los abusos y devastaciones que hacen en la región. Abarajame es el tema conocido en que se desata de una épica violenta verborrea callejera Mi nombre es cool ero connor/soy cruza de potrillo y de perra/cuando camino por las calles de mi barrio/me gritan cuidado con las fieras/yo tengo hijos en los ocho continentes/y a todos ellos les saque los dientes/con eso yo construí un gran puente/para pasar pal otro lao e las serpientes… Me gusta mucho el coro de Abarajame la bañera/abarajame la bañera nena… Jaguar House es un acid jazz un poco lento, Hermoza from Heaven es una balada acústica con un simple acompañamiento de guitarra, percusión y flautas. Ipanema es un intento de bossanova para dar paso a lo que es Remisero: un funk-rock bastante pesado. Abismo es la otra balada acústica de este trabajo que sonó mucho en las emisoras. Húmeda es le sigue la misma onda, Sirena es un instrumental con batería jazzistica para dar paso a No Es tu Sombra, un funk old-school muy a lo Stevie Wonder. El el Reino es un funk muy al estilo Prince con menciones a la ambigüedad sexual como mis hijos no comen si no visto polleras (falda) o me pongo las tetas y como contigo o seré un plastic gay. Hermana Sista comienza atmosférica para dar paso a una rítmica suave/fuerte. Jalea es una power ballad con piano…

CONTINUARÁ…

He aquí una verdadera ensalada incoherente y desarticulada, ingeniada por mi perversa mente para confundirte. Básicamente, en esta sección encontrarás revisiones de algunos discos sueltos, aislados y surtidos de grupos y solistas de los 00 para los cuales no tengo una página propia prevista en el corto plazo. Son álbumes que me siento con ganas de revisar sin obligatoriamente conocer los demás del grupo, a veces porque los escuché y me gustaron mucho, otras veces porque son demasiado famosos y legendarios como para que no los tenga contemplados en mi sitio. Con el tiempo, todos estos álbumes irán pasando a las páginas de sus respectivos grupos, de forma que esta sección puede ser considerada como una incubadora donde reposan algunas revisiones prematuras. Pero recuerden, estos grupos irán apareciendo con página propia en el MUY LAAAARGO plazo.

PIXEL – 2001

“Electrones sonriendo, endo…”

1)Me río del mundo, 2)Poco, 3)Quién moriría, 4)La natural, 5)Asfalto, 6)Postal de la tierra,7) Tan cerca, 8)La Y desaparecida, 9)Ojo por ahí, 10)Cavernícola, 11)Efecto secundario, 12)Aquí, 13)La depre, 14)Sigilosamente.

Mejor Tema: Ojo por Ahí

Comenzando un nuevo siglo parece que no nos vamos a encontrar con buena música, los grupos clásicos ya casi se han extinguido y los grupos primordiales de los 90’s estan sellando su tumba. Realmente que yo sepa no ha habido música muy trascendente en este nuevo milenio. Pero aparece el fenómeno de los grandes-combos-formados-por-integrantes-de-otras-grandes-bandas -ya disueltas (Ahí tenemos en el Norte vainas como Audioslave o Velvet Revolver que después de disolverse o separarse de esos grandes grupos [Guns N Roses, Stone Temple Pilots, Rage Against the Machine y Soundgarden] que les dieron fama se reagrupan en otros proyectos que le dan mas fama de lo que tuvieron con sus antiguas bandas).

Formada por ex-miembros de grandes bandas de renombre de la escena rockera venezolana de los 90: Pablo Dagnino (Sentimiento Muerto) en la voz, Norton Perez (La P… Eléctrica) en la guitarra líder, Hectór Tito Fierro (Zapato 3) en la guitarra rítmica , César Masroua (Gladys Cordero) en el bajo e Ismael Baíz (Las Bolas) en la batería complementan desde el 2000 este singular combo.

Es que Dagnino después de fracasar en su intento de solista con aquel Biorritmos se junta con sus panas de la movida underground venezolana y forman este quinteto de post-punk que recordaba la epóca dorada de Sentimiento Muerto sin el cliché de teen-angst que caracterizaba esta ultima triunfando en tiempos del deprimente nu-metal.

Pero todo lo que hace Pixel es in – tras – cen – den – te, es decir, simple y sencillamente esta copiando todo lo que hacen grupos de rock alternativo de nuestros tiempos (guitarras grunge todo el tiempo sin matices u otros instrumentos). Solo que lo que me atrajo de Pixel es su virtud para crear MELODÍAS MEMORABLES. Ajah! de hecho es lo que más hayo resaltable en este disco Pixel, las melodías; debo reconocer que, a pesar de que quizá las melodías calquen esquemas pop ya hechos, la verdad es que son pegadizas y hacen a Pixel una banda superior a, por ejemplo, Candy 66.

Sí, un grupo muy melódico, su música tiene ganchos al por mayor, quizá el problema de Pixel sea que los arreglos son bastante predecibles; lo único que hay de instrumentación es una guitarra distorsionada haciendo power – chords y riffs. Los riffs se hayan en los versos y los power – chords se hayan en los estribillos, jajajajaja ¡Qué predecible! ¡Eso es lo que hacen todas las bandas de rock alternativo si se dan cuenta! ¡Meten los power chords en los estribillos y ya! ¡ Se acabo! Sí, pero a pesar de que Pixel es una banda MÁS en ese sentido, su maldita música FUNCIONA! No se como, pero escuchas su disco autotitulado y te gusta de primera escucha! y recuerdas como es cada una de las canciones! Wow! ESO debo reconocerlo como una virtud. Es que en mi opinión ¡ Son las piches melodías las que hacen a este disco ordinario un record muy bueno! Pero no todo es power – chords, no no no, hay momentos en que esta banda ROCKEA y con mayúsculas, y manda volar tu trasero muuuy lejos.A pesar de que el oyente puede notar inmediatamente si un track de Pixel es una balada o un rocker, todas las canciones son iguales, varias veces el mismísimo tono de guitarra haciendo riffs y power chords, un bajo que NUNCA SE ESCUCHA y una batería bastante sosa. Pero… es que analizo de forma imparcial al álbum y me doy cuenta que tiene dos o tres clásicos del nuevo milenio y… ¡todo lo demas es bueno! por eso, a pesar de lo limitada y predecible que es la música, no puedo negarle un 8 a esta cosa, que, por un motivo desconocido, no suena monótono ( irónico) y tiene unas melodías pegadizas como chicle. Quizá lo que ayuda es la producción, que en ese sentido, el disco merece un hurra de mi parte

¿Por dónde empezar? El tema más conocido, que seguramente habrás escuchado en la radio es Poco, que en mi opinión es un tema sobrevalorado, claro, reconozco que el barrido inicial de guitarra suena contundente y avisa que algo va a pasar, pero el resto del tema es bastante genérico, tan solo una guitarra haciendo power – chords TOOODO EL TIEMPO, lo que salva a la canción, es….la maldita melodía ¡Que buena melodía! Tal vez por eso a la gente le gusta esta canción, por la melodía, porque la los arreglos y las matices son casi nulos. El otro hit es Quien Moriría, que con su sinuoso acorde y su letra relajada tal vez lo que le quita calidad al tema es el aspecto composito, que pudo ser mejor. Y el último tema conocido es Ojo Por Ahí, el mejor de todos los singles, el sonido inicial de batería y guitarra es HERMOSO, un caso notable de el nuevo milenio, y que creen ¡ Aparece un órgano de iglesia para matizar! Todo suena precioso, el tema quizá baje de calidad con la entrada de los coros Ojos Por Ahíii (muuy predecible) pero , todo funciona bien, la melodía también es muy buena, incluyendo el puente musical.

Pero así como esos tres singles son buenos, el resto también es competente, no puedo creerlo, ganchos melódicos por doquier, la mejor canción el disco es Cavernícola, ¿Por qué? Porque cuenta con la melodía MAS MEMORABLE de todo el disco (si no te dan ganas de cantarla eres un gusano inservible), una entrada de un sonido como de tono de telefono y una guitarra pateando traseros y una perfomance vocal de Dagnino MUUUY BUENA, los ganchos estar por doquier, sobretodo al final del estribillo , esa frase se te va a quedar como chicle: Soy un caaaaverniiiicolaaa del siglo XXI… Admiro a esta canción como composición, no se porque no la promocionaron como single, hubiera pegado en la radio. Otro highlight es Tan Cerca, con OTRA melodía memorable y una entrada de guitarra con riff que horadaría los pisos, el estribillo vuelve a sonar predecible….pero Ay! esos ganchos Sube la Marea/Tan Cerca/Tan Rápido/Pedíamos Perdón…. Ah! y el solo de guitarra es ExCELENTE! Entra y…te hace pedazos emocionalmente. Muy bien Pixel!… Postal de la Tierra es una sentimental balada que habla de alguien que va a morir y antes de hacerlo quiere enviar una Postal que viaje por el mundo. Efecto Secundario es una baladita acústica que no se aleja del espíritu de Quien Moriría, La Depre es otro intento de balada con saxo y teclados que podría ser escrita para que la cantara Ricardo Montaner, Sigilosamente tiene un riff de guitarra de esos que no se olvidan jamás y una melodía muy de los 60, Postal de la Tierra es un intento épico deuna postal a un destino indefinido., Asfalto es totalemnte intrascendental con sus coritos lalalalai-lai , la Natural es otro intento intrascendetal de balada levanta-ánimos. Me Río del Mundo es el tema inicial en donde se habla metafóricamente de la definición del bien y el mal personificado por dos muchachas con un ritmo de rock muy de los 50.

Pixel no será una banda que pase a la historia seguro, de hecho, me suena como a una versión moderna y remasterizada de Sentimiento Muerto , y el disco dolorosamente carece de arreglos, todo lo que hay son guitarrazos y guitarrazos. Pero….los riffs y sobretodo las MELODÍAS son excelentes, tanto así que cada canción la recuerdas muy bien y te puede atrapar A PESAR de la carencia de matices. Hay temas que ROCKEAN y hay baladas BELLAS compositivamente. Es un disco muy bueno en general, con tres clásicos de el nuevo milenio y lo demás, disfrutable.

BACALAO MEN- 2001

“Ten cuidao con la cucaracha voladora…”

1) Cucaracha, 2) José, 3) Biología Marina, 4) Vitaminas, 5) San Judas Tadeo, 6) El picó, 7) Los perros, Vacuna, 9) Quemando flux, 10) I wish my fish, 11) Interludio, 12) El vigilante, 13) Construcción, 14) Cucaracha (versión acústica).

Mejor Tema: Biología Marina

He aquí otro de los grandes-combos-formados-por-integrantes-de-otras-grandes-bandas -ya disueltas: Sebastián Araujo (Ex-baterista de Sentimiento Muerto) se junta con los Ex-Quinto Combo: Pablo Estacio (Bajo y Voz) y Aurelio Martinez (Saxo), el ex-Lapamariposa Rafael Gomez (Guitarra y Voz) y Alfonso González (DJ. Hernia) en las mezclas y el ex-Banda Sigilosa, Maroa y Saxomanía Vladimir Rivero en las percusiones, forman en 1998 este combo.

El espíritu de esta ópera prima es la cruza de la salsa trasnochada de Willie Colón y Rubén Blades, el funk de James Brown y el tecno más ácido de Carl Cox.

Debo confesar que aquí los arreglos son bastante impecables que me cuesta diferencial de la salsa mas arrabalera, del funk mas bailable y el tecno mas hipnotizante. Es un disco a ratos oscuro e indigerible y en otras comercial y bailable.

CONTINUARÁ…

BILLY SE FUÉ – TODO NO ES SUFICIENTE – 2006

“No, no, insultes mas mi corazón y marchate de aquí…”

1)No, No; 2)La Despedida G; 3)Ella; 4)Mi Sol; 5)James; 6)Entre Todo ; 7)Ella Es El; 8)Nicky; 9) Bi; 10)Todo No Es Suficiente; 11)Es Mi Piel

Mejor Tema:Ella es ÉL

Así que 2006 era un año de discos malos y mediocres ¿Verdad? Pues entonces ¿Qué se supone que es esto? O bien se trata de una notable excepción, un oasis entre colinas de basura, o bien la prueba definitiva que en la década actual de los 00 también es posible encontrar muy buena música. Se trata de una década errante e incierta, en la cual los grandes grupos consagrados de otrora (Sentimiento Muerto, Zapato 3, Caramelos de Cianuro, Aditus) cayeron en desgracia o se disolvieron; en la cual afloraron géneros como el reggaetón y el neofolklore eclipsando al rock; en la cual surgieron cientos de patéticas banditas nü-metal y neo-punk (Candy 66, Liqüet, Sónica, Malanga); en la cual se fundó una escena de fusiones que se caracterizó por la carencia de un patrón definido y una gran promiscuidad estilística: Cada uno hacía lo que mejor le parecía sin prestar demasiada atención a los demás y los estilos en general disparaban para cualquier lado, manteniendo quizás una sola consigna: el viejo, blusero y apretado blues-rock de antaño ya NADA tenía que hacer . Y aún así, creo que es en este último segmento que emergen el VERDADERO milenio, y las despensas donde cabe encontrar la mejor y más innovadora música que manda esta década. Dentro de esa escena, Billy Se fué son reyes absolutos, y Todo No Es Suficiente constituye su ópera prima reverenciada.

El status de culto que tiene Todo No Es… es realmente llamativo. Para muchos, ésta y solo ésta es la obra cumbre del milenio. Otros lo nombran incluso uno de los mejores discos jamás grabados. Por ende, cuando fui a escucharlo mis expectativas estaban más o menos por las nubes, y si bien de entrada me sentí un tanto decepcionado, con el tiempo y las repetidas escuchas fui encontrando un disco interesante, de melodías insólitas, repleto de ingenio, que muerde y seduce en idéntica proporción. La particularísima voz de Nilz, el cantante y compositor principal, es el factor clave del disco. Puede hacer que lo odies o que lo ames eternamente. Creo que está claro hacia qué lado me inclino yo; la voz de Nilz no tiene nada de malo… De hecho es fantástica. Al menos luego de haber llegado a digerir cantantes de la época como Brian Molko de Placebo y Brett Anderson de Suede, Nilz no resulta para nada chocante. Su tono de voz es siempre seductor, ya sea cuando entona melodías pop perfectas (No no), cuando se arrodilla en histriónicos lamentos desafinados (Ella es él) o cuando simplemente parece dictar un montón de incoherencias habladas (La Despedida G).

El estilo musical en los arreglos y las melodías sigue el patrón típico de los grupos ochentosos: de entrada no parecen gran cosa y después se tornan insoportablemente adictivos. Aquí abundan las guitarras acústicas y eléctricas, pero no se florean con grandes cuotas de virtuosismos obscenos, ni riffs vuela-cerebros, ni ganchos espectaculares. Al principio solo escuchamos lo que parecen sosos acordes aleatorios, pero con las repetidas escuchas se van revelando algunas texturas magistrales, cortesía del violero Jarz, que te causarán peligrosas adicciones. Exactamente lo mismo se aplica para las melodías vocales; al principio parece que Nilz cantara cualquier cosa vaga, y después cuando menos lo esperas tienes todas las melodías enroscadas en tu cabeza como serpientes. Siempre me gustaron esas melodías que de entrada parecen nada y después revelan una intensidad inesperada. Me gusta porque cuando se descubre el encanto oculto se siente muy bien, y como plus, este tipo de melodías te cansan menos que las más obvias a la Beatle. Así que, cerrando, lo llamaré guitar-pop (pop de guitarras) pero con un estilo único en su época, atravesado principalmente por la voz de Nilz y las texturas instrumentales de Jarz. El ambiente que generan es el perfecto balance entre una atmósfera levemente oscura y una accesibilidad satisfactoria.

Modestia aparte me atrae la voz potentemente gay que le dá Nilz a los temas un aire sugestivamente gay (No, no soy de esa calaña, pero me fascinan los rockeros sin testoesterona que cantan con feeling arrecho) al igual que Beto Cuevas (la Ley) lo quieren ver muerto. Pero a mí me fascina (No me pregunten por eso. Por favor). Quizas tenga yo una loca desatada por dentro que me pide que salga.

Canción por canción, Todo No Es… es consistente como una baldosa de concreto. , Temas de calidad hay por doquier, aunque algunos de los supuestos clásicos no me han llegado a impresionar tanto. No, no, por ejemplo, ha sido proclamado en múltiples ocasiones como una eximia y gloriosa gema del pop, como EL highlight del álbum. Es un muy buen tema, claro que lo es, pero tal renombre es demasiado ¿O no? Al principio no me decía nada; pero hoy me encanta, especialmente cuando aparecen esa sutil guitarra luciendo y Nilz cantando No, no/No insultes mas mi corazón/Y marchate de aquí… y, me hunden en una especie de ensueño nocturno único en su tipo. A simple vista me sigue pareciendo un buen tema pop más, pero quizá haya una genialidad ahí abajo; la presiento. Ella es él es el MAGNUS-OPUS del disco, la canción es buena y su magia subrepticia se absorbe solo con el tiempo, pero su único atractivo es la performance vocal lamentosa y atonal de Nilz y su historia de cuando se enamora de un transexual, la cual no siempre resuena conmigo; hay que estar en vena para realmente meterse ahí dentro de esa atmósfera, y personalmente todavía siento que no me metí del todo.

Después están por ahí las olvidadas; aquellas que no suelen obtener los más altos lauros pero que me gustan como cualquier otra. Entre Todo es un claro ejemplo; al principio no hay mucho para entusiasmarse acá, el tema titular del disco solo una melodía pop letárgica que ni siquiera es muy memorable. A los cuarenta segundos de transcurrido el tema, sin embargo, entran unas guitarras sesentosas crujientes que te dan el empujoncito que faltaba, y después de eso la performance vocal de Nilz se va haciendo más y más irresistible y melódica, hasta que uno termina convenciendose que se está ante una excelente canción. Lo mismo va para La Despedida G, con su ritmo altamanente punkoide , y Nicky, con deliciosas lineas de guitarra y bombo. ¡Son grandes canciones! No serán la última revelación, pero se me hace caprichoso que No, no sea considerado clásico y a éstas no se les de ni bola. Lo mismo digo de la bufonesca Es Mi Piel. Para mí no hay mucha distancia entre ésta canción y la pura perfección pop; las líneas de guitarra melosa del comienzo son totalmente irresistibles, gracias a un genial bombo a una producción impecable y a un riff bien construído.

Las otras canciones rebosan genialidad Nicky comienza con una guitarra sinuosa y un bombo para dar paso a un punk-rock acelerado. Bi comienza con una guitarra distorsionada ara dar paso a una melodía muy a lo Oasis con Nilz cantado con efectos de eco. James va por el mismo camino con su guitarra Gallagherosa. Ella va por los mismos derroteros aunque algo mas sutil, me gusta su coro de Ella siempre siempre/siempre está aquí…

Si todas las canciones me pegaran igual que No, no o Ella es El seguro que este disco se llevaría una nota más alta. Así como está me parece una obra sólida y enteramente disfrutable pero que deslumbra solo de a ratos. Igualmente, vale la pena; es un disco para tener y atesorar en cualquier discografía, y el haberlo escuchado solo me incita a adentrarme en el resto de la discografía de este grupo (Si es que sacan material nuevo). Y ahora me doy cuenta de que esta oración tendrá que ser borrada automáticamente cuando la revisión pase a la futura página de BSF. Lástima. Pero bueno, falta un rato para eso.

Formación

• Alejandro Sergi Ale voz, teclados
• Juliana Gattás July segunda voz
• Leandro Fuentes Lolo guitarras
• Nicolas Grimaldi Monoto bajo

Ex-Integrantes

• Bruno De Vicenti Brunix teclados y programación

INTRODUCCIÓN

Cinco chicos ricos de Argentina con mucho tiempo en sus manos para ensayar y eliminar cualquier competencia. Seguramente ya están algo familiarizados con esta banda, una de las más populares y más mimadas por la crítica de hoy en día. Para mi gusto, sin embargo, Miranda! no están tan emparentados con el sonido arrabalero, áspero y machista del rock de ese país. No importa, es bueno saber que existe hoy en día una banda como Miranda!, capaz de captar la unánime ADORACION de la crítica y de las masas consumidoras sin tocar nu-metal, rap-mierda, latin-dance ni nada parecido. Tal como sucedió con tantos grupos de la actualidad o del pasado reciente, los Miranda! han sido llamados Los Salvadores del Buen Pop del nuevo milenio.

Paradójicamente, a pesar de ser un conjunto del nuevo milenio, la música de Miranda! no suena para nada moderna: es música RETRO. No voy a decir retrógrada porque tiene una connotación muy negativa que sinceramente no comparto, pero sí retrospectiva. La idea de esta banda no es presentar esquemas musicales inéditos ni explorar nuevos territorios de sonido; en lugar de eso, Miranda! se conforma con ser la última expresión de pop directo, tradicional, bien casero, basado en sintetizadores y canciones pegajosas de dos minutos y medio. Nada novedoso digamos, pero su música transmite a veces una frescura y una energía jovial que pocas bandas de la actualidad pueden ofrecer, y eso en definitiva les otorga su enorme status. El espíritu de Miranda! tiene que ver con un revival de la escena tecno-pop y new wave ambiguamente sexual de comienzos de los 80, y para ello no escatiman en influencias de Human League, Mecano, The Sacados y, en menor medida de los Pimpinela y Madonna. El resultado de semejante cocktail suena bastante derivativo, por supuesto, pero al mismo tiempo su sonido es único, fresco y distinto. Elemental Watson; mezclar cosas preexistentes implica parecerse a ellas, pero al mismo tiempo la fusión de elementos nunca antes intentada da un resultado novedoso. Linda paradoja.

Si hay que señalar un defecto, ese sería que su sonido es abrumadoramente limitado y formulaico. Por momentos pareciera que solo han hecho una canción en toda su carrera; claro que es un sonido entretenido y agradable, pero cuando uno se dedica a repetirlo automáticamente, cansa un poco. Ya saben, la vieja historia… no hay guitarras acústicas, no hay pianos… solo simple tecno-pop, directo y unidimensional, actualizado para el tercer milenio. Esto en definitiva hace que los Miranda! estén un poco sobrevalorados, ya que sinceramente NO SUENAN como una GRAN banda: sí como una buena y entretenida banda de pop que vale la pena una oída. Además vamos a ser realistas: la monotonía de Miranda! no es tan terrible como la monotonía de, por ejemplo, Caramelos de Cianuro, ya que si bien todos los temas se parecen, dentro de cada uno los instrumentos hacen cosas verdaderamente sorprendentes, frescas y entretenidas. Sin contar también que es parte del espíritu de la banda… ¿Para qué quiere diversidad un conjunto de electro-pop? Si uno escucha a Mecano o The Sacados, quizá las principales influencias de Miranda!, también tendrá que escuchar una monotonía semejante. Vanguardía y comercialidad al mismo precio.

No, no están nada mal. Simplemente esperen un grupo fuera de su tiempo, bien retro, bien ochentero, sencillo y sin ninguna pretensión. Nunca esperen la gran revelación o la gran cosa, no lleven el apunte a los permanentes fellatios que la prensa porteña les ha proporcionado. Entonces les gustarán moderadamente. Quizá hasta se vuelvan fans, aunque eso aún no ocurrió para mí.

ES MENTIRA – 2002

“Me acosté pensando en tus ojos, soñé lo más bello que pude soñar…”

1)Bailarina, 2)Horóscopo, 3)Romix, 4)Imán, 5)Tu juego, 6)Agua, 7)Ven, 8)Mentira, 8)Tiempo, 9)Casualidad

Mejor Tema: Bailarina

Este disco salió con una campaña enigmática en el canal Locomotion con los videos rotando regularmente de este trabajo en el susodicho canal.

Vayamos al grano: el grupo aquí ya ostenta todos los aspectos de su sonido retro bien aceitados y ajustados; llamar pop a esta música sería simplificar demasiado la cosa. Hay elementos del pop (si los acordes de Bailarina no son pop yo me llamo Simón Bolívar), pero también hay cosas de tecno-pop, euro-pop, house-music, mucha guitarra, instrumento que está más que cómodo en las manos de Leandro Fuentes, mejor conocido como Lolo, quien evidentemente sabe como componer algunas buenas y creativas líneas de pop. Junto a la apretada sección rítmica de Bruno, Nicolas y Alejandro, se dedican a diseñar todo tipo de insistentes, ajustados y saltarines grooves bailables. Sobre ellos, la voces marcadamentes engoladas de Alejandro Sergi y Juliana Attás cantando frases bastante accesibles, pegadizas , bien en la antigua moda, imitando a Pimpinela casi con desesperación. Y ahí está el sonido de Miranda!; creativo, fresco, entretenido. Un poco derivativo y un poco formulaico también. Simple, pero no tan simple; las interactuantes líneas de sintetizador con frecuencia bordean lo complejo y exquisito, más cerca de Human League que de The Sacados, no se si me entienden.

De buenas a primeras es posible que el álbum suene insoportablemente monótono; es comprensible, debido a que es el mismo sonido repitiéndose sin excepción en todas las canciones. Es lo que me pasó a mí. ¿Es Mentira que los temas sean tan buenos? Me preguntaba pasmado ante la aparente insustancialidad y monotonía de los temas ¿Es Mentira? (referencia semi-graciosa al título del álbum intencional, gracias por las carcajadas). Sin embargo, tras unas cuantas oídas, Es Mentira se vuelve TERRIBLEMENTE adictivo, al punto que el sonido, todo lo insustancial y monótono que quieran, se enrosca en tu / mi cabeza con una facilidad sorprendente. De pronto las líneas de guitarra empiezan a revelar sutiles cualidades melódicas e hipnóticas capacidades rockeras. Las melodías de Sergi y Juliana se empiezan a pegotear en tus oídos como mermelada de frambuesa… En rigor, siegue siendo una música pequeña e históricamente irrelevante, pero se revela totalmente IDEAL como soundtrack para fiestas con amigos, salidas nocturnas por la ciudad y todo ese tipo de cosas. Es una música joven, despreocupada, alegre y fiestera, de esas que pueden alegrar el alma.

Una cualidad sobresaliente de Es Mentira es su consistencia. Diez tracks, ninguno de ellos demasiado malo, ninguno de ellos demasiado fantástico, todos buenos, todos sólidos, todos enteramente disfrutables individualmente y repletos de ganchos. No existe el concepto de relleno. O bien son todos relleno o bien son todas gemas, depende del punto de vista que uno adopte. Para mí son todas gemas, aunque claro está, ninguno me vuela completamente la cabeza. Para eso hay que esperar al álbum siguiente. : si eso no se parece a The Sacados yo me llamo Hugo Chávez.

Bailarina abre el disco con su adictivo groove discotequero y la voz engolada de Sergi cantando sobre una bailarina que conoció en un baile y no ha dejado de pensar en ella, el tema algo monótono solo adornado con unas lineas de teclado y un puente de guitarras eléctricas. Romix suena algo lenta con arreglos de reggae-synth. Tu Juego es una melodía 100% changosa con el dueto pimpinelesco de Sergi y Juliana. Ven es algo lenta y con una lírica muy despechona con una línea de guitarra muy marcada. Tiempo es una melodía muy disco-music. Horóscopo es un tema muy tecno-house. Imán es muy lenta con toques de piano. Agua suena como un tema de meditación tipo Enigma que se convierte muy house. Mentira es el trabajo mas rockero de este disco con sus guitarras procesadas y cerramos con Casualidad el propio tema tecno de los 90.

Pues bien: este es el álbum que inició la masiva popularidad de Miranda!. A la luz de esta música, coincido con algunos de que se ha exagerado un poco, pero uno tiene que agradecer que en tiempos de Daddy Yankees, Yasuri Yamileths y demás mierdas aparezca algo REALMENTE fresco, enérgico y juvenil para neutralizar la escena musical. No serán revolucionarios ni innovadores. Serán un grupo retro que se dedica a repetir cómodamente lo que otros hicieron veinticinco años atrás. Pero no son ningunos pelmazos, saben hacer lo que hacen y son moderadamente talentosos, y eso me basta.

“Es un sooooolo… ¡ES LA GUITARRA DE DE LOLO!…”

SIN RESTRICCIONES – 2004

1)Yo te diré, 2)Don, 3)Quiero, 4)Vuelve a ti, 5)El profe, 6)Otra vez, 7)Tu gurú, 8)Hoy, 9)El agente, 10)Navidad, 11)Traición, 12)Uno los dos

Mejor Tema: Don

Para algunos, Sin Restricciones es el mejor álbum de 2004 – 05 que . No estoy en posición de juzgar tal cosa, pero lo que sí puedo decir es que se trata del mejor álbum de este año que escuché HASTA AHORA. Y no escuché muchos sinceramente: No hay mucha diferencia con respecto al debut: es la misma banda con el mismo sonido, los mismos vicios y las mismas canciones. El oyente perspicaz advertirá quizá algunas innovaciones sutiles en el sonido, como el uso de los sintetizadores, hay mas guitarras grabadas aquí pero nada mas irrelevante.

Lo único que para mí ha mejorado ostensiblemente es el nivel compositivo. Habrán notado por mi revisión de Es Mentira que más allá de las bondades de aquel LP, ninguna de sus canciones realmente me volaba la cabeza. Eran agradables, aceptables, interesantes… sí, pero no mucho más. Aquí la cosa, al menos desde mi perspectiva, cambia para mejor: muchas de estas canciones comienzan a ser VERDADERAMENTE buenas. Ahora sí, buenas, excelentes. Al menos cuatro o cinco de estos temas de Sin Restricciones me entusiasman más que Bailarina, que es mi favorita del álbum anterior. Y sabrán que para que algo sea mejor que Bailarina, tiene que ser BASTANTE bueno, no hay dudas. Las melodías de guitarras símil sintetizadores que antes mencionaba sin duda constituyen un flor de gancho, pero éstas solo constituyen un aspecto del cambio: las melodías vocales han mejorado notablemente, y los sintetizadores siguen tan entretenidos como siempre. Además, el álbum se beneficia de una estructura compositiva que ensaya un nuevo modus-operandi bastante efectivo, mediante el cual las canciones empiezan un tanto ordinarias, toscas, sin arrojar su gancho principal pasados recién unos cuantos segundos… cuando finalmente arrojan el gancho principal, AH! ahí sí la cosa pega, y pega duro. Es inteligente; uno está escuchando algo que no parece gran cosa y de repente… ¡WAW! ¿De dónde sacan ese acorde / melodía / tono? No sé, pero el cuerpo empieza a moverse solo. Contrasta con cosas como Bailarina, en las que el gancho más atractivo del tema aparecía desde el minuto cero.

El disco abre con Yo Te Diré, que parece un poco chabacana con ese organo Hammond metido. Don el tema mas conocido aquí que tuvo un videoclip en el despreciable MTV (ese el de las enfermeras) con su juguetona linea de sintetizadores y sus guitarras procesadas con la engolada voz de Sergi cantando acerca de una muchacha que lo tiene enfermo y necesita un remedio para que lo cure de este mal, es memorable la aparición de un solo de guitarra al final tras Sergi decir ¡Es la guitarra de Lolo!… (se refiere al guitarra del grupo Leandro fuentes mas conocido como Lolo) muy gracioso- Quiero es una pieza medio Depeche Mode. Vuelve a Tí es medio balada. El Profe es otro MAGNUS-OPUS de este trabajo con su inolvidable estructura rítmica de sintetizador con apenas alguna melodía de teclado y guitarras acústicas procesadas. Otra Vez tiene un inconfundible teclado 80tero. Tu Gurú tiene una guitarra eléctrica rugiendo en la canción. Tu Agente es otro tema en la línea de el Profe. Traición es un tema muy en la onda Human League. Uno Los Dos es medio acústica y Navidad tiene un sonido de teclado Casio muy análogo exaltando los sentimientos (positivos y negativos) que conlleva esa celebración con Sergi cantando de manera muy melancólica (Yo me siento muy identificado con la canción) .

No es la gran maravilla, pero funciona un poco mejor que Es Mentira y contribuye algunas canciones que sin duda querrás tener en tu I-Pod la próxima vez que salgas en el carro con tus amigos (si es que tienes carro, si es que tienes amigos). Yo Te Diré ya cuenta como una de mis canciones favoritas de la actualidad. Recomendado.

He aquí una verdadera ensalada incoherente y desarticulada, ingeniada por mi perversa mente para confundirte. Básicamente, en esta sección encontrarás revisiones de algunos discos sueltos, aislados y surtidos de grupos y solistas de los 90 para los cuales no tengo una página propia prevista en el corto plazo. Son álbumes que me siento con ganas de revisar sin obligatoriamente conocer los demás del grupo, a veces porque los escuché y me gustaron mucho, otras veces porque son demasiado famosos y legendarios como para que no los tenga contemplados en mi sitio. Con el tiempo, todos estos álbumes irán pasando a las páginas de sus respectivos grupos, de forma que esta sección puede ser considerada como una incubadora donde reposan algunas revisiones prematuras. Pero recuerden, estos grupos irán apareciendo con página propia en el MUY LAAAARGO plazo.

SEGURIDAD NACIONAL – DOCUMENTO DE ACTITUD – 1991

“Me meto en una casa extraña a donde no se ve el dolor…”

1)El despecho, 2)G.I. Joe, 3)El cumpleaños, 4)El chivo, 5)Me toca, 6)Danza de los demonios.

Mejor Tema: El Chivo

Instrucciones para escuchar Documento de Actitud por primera vez: a) en primer lugar, echa a tu padre, a tu madre, a tu abuela, a tu hermana y al gatito de la casa, si es que la salud de todos ellos te preocupa en cierta medida; b) abre todas las ventanas y las puertas (esto para evitar niveles extremos de compresión y posterior voladura del hogar); c) enciende el equipo de música; d) coloca el CD; e) aumenta el volumen hasta un nivel de potencia respetable (pero no te pases porque lo vas a lamentar mucho, muchísimo). Entonces sí, respira profundo y f) presiona play.

SSSSSCCCCCRRRRRRAAAAAAAWWWWWWWCCCCCHHHHHHHHH!!

POR EL AMOR DE JESUCRISTO Y DIOS TODO PODEROSO!!! Voy a hacer una declaración de principios bastante grandilocuente ahora mismo. Tomen nota: NUNCA NADA pateó tanto mi sucio culo como los primeros acordes de El Despecho. Jamás. Ni Pantaletas Negras, ni Manos Frías, ni Tu Mamá Te Va Pegar NADA. De dónde sacaron estos enfermos esa espiral sonora de MASIVA DESTRUCCIÓN TERMINAL, no lo se. Lo único que sé es que para 1991 esta cosa suena JODIDAMENTE PESADA. Para 1991 y para el día de hoy también, porque cualquier cosa que hoy en día se quiera llamar pesada termina más o menos como un canario asustado en comparación con este INFERNAL disco de rock. Imagino el shock por aquel entonces, sobre todo porque además de pesada esta música es más rústica que la choza de Robinson Crusoe. La reacción generalizada de su momento fue esto lo puede tocar mi hijo de 5 años, y así es como esta esta bandita no logró jamás salir del underground. Demasiado peligrosa. Hoy en día, claro está, este disco es poco menos que una obra de culto y referencia irreemplazable.

No jodamos con medias tintas y eufemismos: esto es ruido. Ruido salvaje, sangriento y destructivo que simplemente no da respiro alguno. Esto se lo pones a todo volumen a unos cachorritos recién nacidos y se mueren todos retorcidos de dolor en menos de un minuto. Cuando lo escuchas, ves que las barritas danzantes del equipo de música están TODAS arriba TODO el tiempo y evidentemente no es un álbum para disfrutar todos los días de tu vida si quieres llegar a viejo. Es solo para ocasionales momentos en el cual, por algún motivo, te sientas completamente destructivo, asesino, sediento de sangre y violencia extrema; en vez de salir a matar gente y animalitos, pones Documento de Actitud y todo se canaliza de una forma sublime. Al diablo Arkangel, al diablo Sentimiento Muerto, al diablo el punk, al diablo todos; NADA te hará hervir la sangre como esta cosa puesta a buen volumen. Los que ya me conocen saben que suelo ser bastante crítico con respecto a las bandas que se dedican a sonar ruidosas en extremo, pero el caso de los Seguridad es especial: siento que esa rabia, ese primitivismo urgente y esa agonía de vivir al filo de todo es CREIBLE y se canaliza de forma totalmente perfecta a través de esos acordes crudos como un ternero recién sacrificado, acordes con polenta, con garra, con huevo. Todo esto es más que simple ruido; hay algo VIBRANDO detrás de él.

Y entonces me pregunto… ¿Por qué tanta alharaca con Sentimiento Muerto en 1987 cuando en realidad Seguridad Nacional ya había llevado la agresividad, el primitivismo y la pulsión de autodestrucción a su absoluta cumbre en aquellos tempranos 80 en pleno cenit de artistas como Melissa y Guillermo Dávíla resumidos en este ep de 6 canciones sacado en 1991? Es decir, no veo ningún motivo para no llamar punk a esta música; los elementos están, solo que doblando o triplicando la potencia y la rabia de las bandas más duras de la ulterior generación punk. Algo está claro; los Sentimiento Muerto, años después, suenan como tiernos huerfanitos al lado de Yatú y su pandilla degenerada. Esto permite concluir que Documento de Actitud, sin lugar a dudas, es uno de los álbumes más adelantados y visionarios de toda la historia del rock nacional. O eso, o bien todos los álbumes de punk estuvieron atrasadísimos. La cuestión es que si te consideras un punker NO PUEDES salir bien parado sin haber escuchado este disco; no se puede entender completamente a Sentimiento , a Zapato 3, a Caramelos de Cianuro, a NADA, a la Puta, a Dermis Tatú, etc. sin saber de qué se trata Seguridad Nacional. Es muy anterior, es más excitante, es más violento. Es, a mi jucio, lo más extremo que el GENUINO rock and roll ha alcanzado en su historia, una soberana escupida en la cara de todos como nunca antes se había visto. Pensar que en esta misma época en que estos secuaces eran populares entre la juventud underground de los 80, el vulgo o la gente común seguía a artistas cool como Melissa o Guillermo Dávila, o se deleitaba con Soda Stereo o escuchaba las canciones reflexivas de Yordano o los mas heavies tripeaban con Gillman. Discurriendo por debajo, aparecía la total antítesis en forma de torbellino de fuego y sangre de la mano de los este grupo con un nombre tomado del famoso cuerpo policial represivo que existió en la época del dictador Marcos Pérez Jiménez y fue comandado por Pedro Estrada. Solamente los conciudadanos de PP’S estaban más o menos transitando los mismos derroteros con estilo mas pop y digerible. Legendario es decir poco.

Ahora bien, así como escuchar Documento de Actitud puede ser una de las experiencias más fascinantes que otorga la música, también puede ser muy agotadora. Hay que tener muchísimo estómago para someterse de un tirón a esta seguidilla de PERMANENTE bombardeo sonoro sin tregua. Con Yatú lanzando un alarido bestial detrás de otro, con la sección rítmica haciendo saltar todos los tornillos de la forma menos profesional posible, con esas guitarras que, por un lado, machacan con unos pesadísimos retumbes de distorsión indómita y por el otro lanzan solos perforadores como si alambres de púa sonoros se tratara la cosa. ¡¡¡Una completa bestialidad que no da ningún respiro en ningún momento!!! Demás está decir que el título del álbum lo dice absolutamente todo, y poco puedo agregar yo con todas estas palabras: esto es DOCUMENTO DE ACTITUD Y PODER, sin horno, ni anestesia, ni posturas fingidas, y te va a hacer saltar el cerebro en fragmentos que se estrellarán contra las paredes.

Claro, si alguno está tentado en pensar que esto es una pesadilla de ruido insoportable que uno está obligado a disfrutar solo por su valor vanguardista e histórico, yo digo… ALTO AHI. Después de todo se escuchan algunos tremendos RIFFS por aquí. Es decir, con forma, con coherencia, no es como si yo agarrara una guitarra distorsionada y me pusiera a tocar cualquier cosa. Para su extrema pesadez, Documento de… tiene también sus relieves bluseros y sutiles. ¡Si hasta hay guitarras acústicas en los arreglos! Por momentos la cosa parece R&B extrapolado a sus más terribles extremos de locura, como un disco temprano de los Stones al que le han inyectado sobredosis de todas las drogas y lo han violado por todos los poros. La cuestión es que a pesar de lo ruidoso, rara vez la música pierde su forma. Nunca deja de ser, básicamente, ROCK AND ROLL.

¿Y qué mejor ejemplo para demostrarlo que El Despecho? Les decía, el riff de entrada atronador, perforador, monstruoso, ya es toda una institución en el arte de demolición por sonido, pero lo increíble de todo esto es que enseguida se agrega OTRA GUITARRA el DOBLE de distorsionada. Digamos, los tipos metían más ruido donde era IMPOSIBLE seguir metiendo ruido. Y entonces llega Juan Bautista Lopez (a.k.a. Yatú) cantando con esa voz salvaje y destructiva frases como No puedo seguir así/Todo a mi alrededor es un lamento/Vivir sin tí es un solo tormento. La experiencia es brutal, devastadora, esas guitarras parecen crujir como bestias debajo de un volcán a punto de estallar en pedazos. No conformes, los enfermos SN nos tienen preparado más y más furia para el resto del álbum. Y al menos dos o tres de estas monstruosidades son verdaderos clásicos: por ejemplo, el segundo tema G. I. Joe que arranca con una marcha de soldados para luego convertise en una infernal estridencia con que va convirtiendo la canción en una verdadera orgía de pesadez y ruido descerebrado, con Yatú lanzando un Padrenuestro y sonidos sacados del mismísimo hogar de Belcebú. A media máquina en cuanto al ritmo, pero a todo motor en cuanto a la distorsión rockera. A todo esto súmenele un filo durísimo de peligro, de oscuridad, de insurrecta destrucción. ¿Qué queda? Un clásico.

Es muy interesante comprobar como ya desde los títulos de las canciones queda obviamente revelada la actitud FUCK THE WORLD del disco. Cumpleaños. Sugiero que envíes este tema a quien odies mas que todo este mundo cuando le celebres su aniversario. Comienza con una retumbante batería y una sinuosa guitarra con Yatú cantando versos a Hare Krishna. El Chivo, la MAGNUS OPUS de este disco. Se trata además, de la canción más pesada de todo el disco, y tratándose de ESTE DISCO, no es decir poco. Comienza con una sinuosa entrada y enseguida atacan como aguijones esas guitarras mortales… y nunca dan respiro. Yatú vocifera con una voz totalmente sacada que hay que escuchar para poder creer. Es un tema que me encanta, realmente; a pesar de que se pasa demasiado de la raya sin entregar ningún riff o melodía concreta como las dos anteriores. Es solo rabia en estado puro, adecuada para momentos en los cuales chiquillas con caritas lindas se ponen demasiado histéricas y rompebolas. El groove machaca, machaca y machaca, Yatú se hamaca sobre él con unos juramentos totalmente intimidantes Adonde Estáaas?/Cuando Moriráaaas/A Quien Serviráaaas?. Se trata de un ejemplo de cómo hacer un gran manifiesto rockero con lo mínimo. Contrastando aparece Me Toca, muy tranquila y acústica y Yatú canta muy calmadamente, en contradicción con el anterior track en que vociferaba a todo pulmón. Danza de los Demonios comienza con una batería juguetona y teclados 80teros para dar paso a un groove muy siniestro y pegajoso. Cerramos con del Campo A La Ciudad muy españolizada con arreglos muy funk y Yatú canta como rapeando aquí de manera muy satírica sobre la aburrida vida del campo y querer vivir en la ciudad con sus peligros y todo culminando con un grandilocuente ME VOY A ESPAÑA OOOLLEÉEEE…

Documento de Actitud es en definitiva un álbum que triunfa en varios aspectos: por un lado reflota y plasma lo más oscuro, lo más pervertido, lo más primario, lo más sexual, lo más destructivo del rock, por otro lado se puede jactar de aportar dos o tres clásicos absolutos del género como lo son El Despecho, G.I.Joe o EL Chivo. Si te gusta el punk, el rock pesado o el rock en general, simplemente no se puede pasar por alto. Eso sí, no es algo que resista cualquier estómago y definitivamente no es para toda la familia. No digan que no lo advertí.

Nota: Este el único trabajo de estudio de estos. Pero apareció después un compilado de 2005 llamado 1983-1993 en donde aparecen sus famosos temas Uñas Asesinas y Vampiro interpretados por Zapato 3 y cuatro temas de este ep mas otros temas nuevos de su etapa cuando tocaban el bares de mala muerte.

CARAMELOS DE CIANURO – CUENTOS PARA ADULTOS – 1993

“Su pureza regada en un coclchón…”

1)Caperucita, 2)Intro, 3)El Festín De La Carne Humana, 4)Pistolero, 5)Tu Mamá Te Va a Pegar, 6)En Tu Intestino, 7La Bruja, 8)El Baile Del Fin de Semana, 9)Chan Chaca Chan, 10)Nadando a Través de La Galaxia

Mejor Tema:Tu Mamá Te Va a Pegar

Estamos claros que Asier y sus secuaces son ahora pavitos cool que intentan levantarse a niñas fresas con sus canciones a lo Hombres G, para llevárselas a la cama. Sin embargo por sus primeros años eran una de rock DE VERDAD, una vez que compartieron tarima con Zapato 3 en el desaparecido Mata de Coco, lanzaron unas gallinas vivas al público. Estos días están reflejados en este gran debut.

Lo que se oye aquí es una cruza del Nirvana de Nevermind y unos Red Hot Chilli Peppers noveles: es un disco de abrasivas crujientes y funkies y letras bastante ácidas criticando a la sociedad de ese entonces. No encuentres nada parecido como Las Estrellas o Sanitarios aquí.

Comenzamos con extracto de los cuenta-cuentos de Caperucita Roja en donde un engolado narrador pregunta a unos niños si saben el conocidísmo cuento y todos dicen que sí hasta que una niña dice que no y aparece un tema Intro con un a jamming de guitarras muy punk. El Enano si sabía darle duro a ellas cuando era rocker de verdad -ahora solo saca un acorde de cuando en cuando- que cierra con un majestuoso final digno de un Jimi Hendrix . El Festín de La Carne Humana comienza con una orgía de descerebrados riffs muy pesadillesca y Asier gritando a todo gañote sobre una metáfora de las relaciones sexuales adolescentes. El Pistolero comienza con unas guitarras muy Red Hot Chilli Peppers siguiendo la tónica sexual de el Festín… con un ahombre que posee una pitola grande (miembro viril) con una estrofas memorables Grita/Salta/Y Chupate este caramelo que te tengo guardado… Y Al que no les guste/Les pasamos por encima/Y almorzamos periodistas en carne de gallina…de repente el ritmo cambia a un riff bastante lento y recupera su fase inicial, muy irónica.

Tu Mamá Te Va A Pegar es una MAGNUS-OPUS de este disco con su intro bastante oscura y su guitarra inmemorablemente funky y su estribillo Tu mamá te va a pegar/por drogarte viendo la televisión/tu mama te va a pegar/por ir a la iglesia por creer en Dios/tu mama te va a pegar/por querer vivir sin querer sufrir/tu mama te va a pegar/por pisar la cruz del que por ti murio como una directa ironía sobre nuestras madres tan sobreprotectoras.

En Tu Intestino suena algo genérica y monótona con Asier cantando como si fuera berrear. La Bruja es medio skasosa en donde Asier narra en forma muy graciosa sobre una bruja le precedía su futuro con pasajes instrumentales. El Baile del Fin de Semana comienza con una orgía de guitarras pesadas narrando de la vida de una colegiala nerd que esta solo pendiente de sus estudios pero los fines de semana se desata y es una locuaz desenfrenada. Chaca chan es una canción con una letra desquiciada en que Asier lo haría todo por su novia como meterse la lengua en un tomacorriente con una orgía de guitarras desquiciadas y efectos de eco y megáfonos.

Nadando A Través de la Galaxia es una pesadilla Morrisonesca-Floydiana en que Asier inicia un viaje psicodélico a través de una galaxia imaginaria con muchos cambios de ritmo en la mas pura esencia sesentosa terminando con una marcha militar anticipando a lo que sería Harakiri City.

Si quieres saber como era el rock en Venezuela en los 90. Tienes que conseguir este disco. La verdadera esencia de los Caramelos antes de su horrenda mutación.

DERMIS TATÚ – LA VIOLÓ, LA MATÓ Y LA PICÓ – 1995

“Una fábula muy trillada ha sido franca en sus palabras…”

1)El Chillido De Los Taxistas, 2)Zorra, 3)El Hoyo, 4)Sordera, 5)Error Por Cometer, 6)Asco, 7)Corazón Gris, 8)Ausencia, 9)Terrenal, 10)H

Mejor Tema: Zorra

Esto, en definitiva es la cara mas pura y sin destilar del Rock Hecho en Venezuela. Este es el disco con el que podríamos llevar a la China para dar a conocer sobre nuestro rock.

Después que se terminase para siempre ese sueño de lo que fué Sentimiento Muerto Cayayo Troconis junto con Héctor Castillo y Sebastián Araujo (integrantes del ultimo lineup de Sentimiento Muerto) forman Dermis Tatú (Una especie de Velvet Revolver de aquellos 90) en la mas pura esencia de rock crudo y callejero y editan esta única Ópera Prima La Violó, La Mató y la Picó.

Pero lo curioso, lo curioso de Dermis Tatú es que no es una banda de rock callejero ordinario como lo fué Sentimiento u otro tipo de bandas de por aquel entonces. Esto es más que señores, esto es ROCK , además de callejera la tendencia de Dermis fue tomar influencias de Led Zeppelín, de los Who y hasta de los Beatles, para hacer algunas melodías pegajosas y perfectas, riffs inhumanos y un hard rock pateatraseros. Con lo último que acaba de decir notarán lo evidente, Dermis Tatú es una banda superior a Sentimiento, mientras que SM nos ofrecía una y otra vez los rockers ruidosos de El Amor… . La Violó es un disco hasta cierto punto variado, en donde los rockers son de buena calidad y hasta mejores compositivamente hablando que SM. Así es, puede que Dermis no pueda figurar entre las grandes bandas ( basándome en este único disco que sacaron) , pero dentro del contexto de los noventas es de las mejores. Ojo! Que este disco no es tan accesible, aunque tenga éxitos, es monótono, y las guitarras pueden por momento saturar , pero entre más escuchas le des al disco, notarás que no hay ninguna canción mala, y que la primera parte del disco, esta llena de buenas canciones, notaremos el timbre inconfundible de Cayayo, y el estilo de su guitarra que son los que hacen único al disco, pasemos a ellas.

El Chillido De Los Taxistas comienza con un siniestro acorde par dar paso a una feroz melodía hard rock con muchas texturas funkies muy a lo Faith No More y Cayayo empieza desgarrar su voz con una historia de lo que sucedería a un transeúnte en una calle cualquiera de Caracas a las 3 de la mañana con menciones a bares de mala muerte, putas y locales comerciales que quieren ofrecer algo nuevo (vendedores de droga). Zorra es medio punkoide con estribillos muy comerciales Una fábula muy trillada/Ha sido franca en sus palabras/y desegañadas/No han sido contadas muy bien en donde Cayayo exhalta los atributos en una mujer de mal vivir Zorra/ cuentame una historia/que haga todos reír/reírnos todos de tí/Zorra/eres toda una loba/capaz de hacer a todos perder/Y tan furiosa te ves. El Hoyo comienza con un texto hablado de un argentino que tenía unas minas (muchachas) trabajando por Lexington y así hasta que aparece una melodía semi-country. Sordera es un tema con muchas disonancias y feed-backs desagradables y Cayayo cantando cantando con una voz limpia. Error Por Cometer empieza con punteos muy siniestros para dar paso a una melodía muy funky. Asco comienza con un buen trabajo en el bajo hasta que Cayayo empieza a cantar sobre una chica arweglada para impresionar a su noviete hasta que este le grita ¡ASCO!/¡NO ME TOQUES MÁS en el explosivo coro de la canción mencionando cosas como axilas mal afeitadas, menopausia y otras cosas que un hombre le desagrada a una mujer; excelente para tu novia cuando la quieras mandar a la mierda, un saxo empieza a parecer en el surco. Corazón gris es el rock-pop por excelencia con Cayayo cantando con voz limpia y toques de piano de los 50. Ausencia comienza con una guitarra punteando discretamente para dar apaso a un hard rock digno de Led Zeppelin. Terrenal comienza con sonidos muy extraños como de disonancias para dar paso a un punk rock visceral que comerá todas tus entrañas. H es tiene un siniestro acorde de guitarra y una aplastante batería.

Así termina uno de los discos más esenciales de la década de los noventas, una unica obra que resume el rock venezolano en todo su esplendor.

CLAROSCURO – EL VIAJE DE UNA VIDA 1995

“Raya, mantarraya, nada sobre mí…”

1) Mudo, 2) El viaje de una vida, 3) Imágenes falsas, 4)Mantarraya, 6) Galería hostil, 7) Sensaciones, 8 ) Ambiguo, 9) La ceniza, 10) La flor, 11) Vigilia

Mejor tema: Mantarraya (Es en serio)

Qué ? qué? Quién es esta banda? Una banda mas de los terribles años 90?? Y yo me atrevo a ponerla aquí?¿? Wow! Sí, yo también estoy bastante sorprendido, no tenía idea de que esta banda desconocida me apasionara y me impresionara con este disco. ¿Quién es Claroscuro? Pues no es una banda desconocida en realidad, de hecho en 1997 tuvo un éxito que incluso  su video tuvo rotación en canales como el desaparecido Puma TV y el ahora devaluado MTV, Y sí, yo ví Mantarraya y francamente me sorprendió, toda una canción impactante que eleva las esperanzas de el horrible panorama de esos tiempos. El grupo me interesó tanto que compré el disco a unos buhoneros artesanales que están cerca de la Plaza de los Museos. Lo escuche y Wow, esta música es EXTRAORDINARIA.

Claroscuro es una banda venezolana, su estilo es impresionante, es como una mezcla de Radiohead,  SOda Stereo en su etapa de Dynamo, Nirvana, The Cure, Depeche Mode, Talk Talk, U2 y The Police. Ósea, algo así como una mezcla de New Wave Rock progresivo y Brit – pop, todo muy bien logrado, resultado = Toda un arcoiris placentero al oido. Hay que ponerle atención a todas las texturas musicales que el sonido otorga al oyente: atmósferas floydianas, pianos fantasiosos, teclados alucinantes, sintetizadores bien programados, guitarras rockeras, ritmos inusuales y unas melodías PRECIOSAS Y FANTÁSTICAS. Este disco pudo salir en los 70’s, pero no, salió en los 00’s y es algo inusual. El Viaje de Una Vida es algo así como el nuevo Ok Computer, el nuevo Dark side of the moon, el nuevo Sgt. Pepper’s. Lo cual me sorprende, porque en el año 1997 o bien viví en un hoyo oscuro en lo más profundo de la Tierra con un topo, o no hubo por ahí publicidad promocionando al disco; sí, el álbum tuvo 1-Hit Wonder, pero nunca oí rumores o anuncios que dijeran que esto es un disco recomendado o un resurgimiento increíble de toda la mierda de música actual, me parece ridículo el hecho de que en ningún lado este disco sea recomendado, porque  esto es toda una OBRA MAESTRA,  con mayúsculas UNA OBRA MAESTRA de el New Wave, del Rock progresivo y hasta de la Composición.

Es que hay que ver que a cada segundo El Viaje… otorga placer al oido: TEXTURAS, TEXTURAS con imaginación hay a cada rato, toda esta música esta BASTANTE trabajada, como si los tipos por cada canción se hayan tomado MESES de trabajo, cada segundo pasan tantas cosas: un teclado matizando, una guitarra haciendo algo especial, un fondo de sintetizador inusual, cambios de ritmo, melodías originales, etc, etc, etc. Me atrevería a decir que esta música llega al mismo nivel que un disco de Pink Floyd; sí, a esos niveles de creatividad e imaginación llega esta cosa, créanme. Toda esta música con tanta textura y tanta cosa pasando en una sola canción inunda tu mente de toda clase de imágenes fantasiosas y te transporta a otro mundo irreal. Pon El Viaje… en tu stereo, ponte unos audífonos, cierra los ojos, y comienza a volaaaar.

Y no es un disco monótono, para nada, es variado. Bueno, la atmósfera general que se percibe del disco es de oscuridad, una oscuridad impresionante tanto en el aspecto de el lirismo como en la música; pero ninguna canción se parece a otra, todas siguen un diferente patrón. Ya sea que haya rocker (Sí! el álbum también rockea), una balada, un pop, un himno progresivo, etc. Esto es variedad, esto es creativo, esto es imaginativo, esto es una colección de clásicos. Eso sí, necesitarás darle MUUUCHAS escuchas, porque es un disco algo largo y tanta progresión es difícil de digerir, pero cuando lo hagas, lo amarás por el resto de tu vida, acuerdate de estas palabras lo amaras por el resto de tu vida.

Lo mejor de el disco se haya en las primeras 5 canciones, es una de las seguidillas más impresionantes que haya dado el rock. Mudo arranca con el arpegio inicial con su guitarra, teclados y batería, es como si Nirvana y Pink Floyd se dieran la mano (influencias señores, influencias), para luego presenciar la MEJOR melodía que haya escuchado de el nuevo milenio, que bah! ni Zapato 3  ni Soda Stereo pudieron hacer una melodía tan pero tan memorable. La pista titular comienza con la guitarra, a voz de Carlos Eduardo Reyes y la batería grabada a un solo canal en un post-punk levemente oscuro. Imagenes Falsas empieza con un discurso de esos baratos que daría nuestro presidente en una de sus cadenas televisivas para dar paso a una melodía cuasi-progresiva acustica-eléctrica.

Llegamos a la MAGNUS-OPUS y la canción mas conocida de este disco: Mantarraya, comienza con una melodía atmosférica de teclados con sonidos como imagenes de flasback para ceder a una feroz hard rock con un innovador acorde como un sonido de una camara fotográfica.

CONTINUARÁ…

KING CHANGÓ – 1996

“Prendo una vela y le pido a los santos…”

1)Don’t Drop Your Pants, 2)Confesion, 3)God Damn Killers, 4)So Sweet, 5)Empty Hands Are My Weapon (Wicked Dub), 6)Melting Pot (Intro), 7)Melting Pot, 8)Revolution/Cumbia Reggae, 9)African Fever, 10)Pisando La Serpiente, 11)Latin Ska, 12)Torero, 13)French Lady

Mejor Tema: Meting Pot

Un disco fusión extraordinario, empalagoso, sorprendente, irritante. King Changó, por si no oíste hablar de ellos, es un grupo de venezolanos radicados en Nueva York liderado por los hermanos José Blanco Blanquito Man (Voz y compositor principal) y Luis Eduardo Blanco Negrito Man (teclados). El tipo de música que hacían en sus comienzos, ampulosa y pachangosa, nunca fue muy del gusto rockero venezolano y por lo tanto, ante la escasa respuesta del público, tuvieron que emigrar al Norte, a Nueva York más precisamente, donde al final (Auspiciados por al disquera de David Byrne: Luaka Bop. La misma de los Amigos Invisibles) alcanzaron la popularidad que merecían. King Changó 96 es el fastuoso debut, y un solo vistazo a su cubierta alcanza para reconocer que esto no es música seria, ni mucho menos. Por el contrario, se trata de lo más bufonesco y paródico que puedes escuchar en los 90’s. Algo así como Molotov, ¿Vieron? Con la diferencia de que King Changó es bastante bueno y Molotov es bastante malo.

Pero basta de tecnicismos y comparaciones confusas, por favor. En realidad esta música no tiene mucho que ver con Molotov, y para el caso, no tiene mucho que ver con casi ninguna banda de rock de la década. A excepción quizás de Desorden Público. Sí, DP. Muchos, incluido yo, suelen sostener que Desorden es muuuuy original y muuuuy distintivo, pero es inevitable pensarlo dos veces al escuchar King Chango 96, que presenta algunos elementos en común con cierta música de Horacio Blanco y compañía: arreglos sencillos, voces raggamuffin, fusiones de ritmos, letras chifladas y paranoicas. No digo que Changó haya copiado a Desorden. Pero alguna influencia de Canto Popular de la Vida…en su King Changó TIENE que haber habido. ¿Recuerdan temas como Sapo, Culebra o Hay Cosquillas Que no Dan Risa? Pues no están muy alejados del espíritu de este disco, aunque en el caso de King Changó la producción sea incluso MÁS abigarrada aún, con capas y más capas de instrumentos apiladas unas sobre otras sin hueco alguno. Además de que las letras de King son muchísimo más inteligentes (y graciosas) que los bochornos de Desorden Público, aunque hay que reconocer que los discos de esta última banda son más variados. Y basta, se acabó Desorden.

Si una fortaleza tiene King Changó, esa es que la mayoría de las canciones son muy entretenidas, gracias a un puñado de fusiones rítmicas INCREÍBLES que, apuesto, te dejarán la cabezota girando como un jodido trompo.  Además de la imagen icónica de Blanquito Man ataviado con un traje de arlequín. Les otorga un matiz de fusión infladísimo, paródico, que invariablemente te hará sonreír. El problema grave, al menos en mi caso, es que más allá de cierta exposición, lo que empieza siendo entretenido y alegre se torna insidioso como un enjambre de moscas. Lo advierto: hay que estar EN VENA para escuchar este disco hasta el final y disfrutarlo todo, especialmente si eres de esas personas que no tienen mucho estómago para lo inflado, lo exagerado y lo poco sutil. La cruda verdad es que King Changó, pasadas las primeras canciones, se hace un plomazo, cansa mucho, empalaga: todas suenan muy, muy, muy similares, todas están saturadas al mango de trompetas, percusiones, teclados y más trompetas y más percusiones y más trompetas… A eso se le suman las melodías mencionadas que de tan pegadizas te liman la cabeza y para colmo están hechas con la mayor dosis posible de teatralidad. Es por este motivo crucial que el disco no termina de convencerme al 100%. Si bien la mayoría de las canciones merecen ser calificadas de forma individual como joyas, así juntas se vuelven excesivas. Tengo que limitar las dosis de esta música si quiero disfrutarla; pasado cierto límite crítico, me empieza a irritar soberanamente y me asaltan unas ganas terribles de mandar esto al infierno y escuchar lo opuesto, algo como Dermis Tatú o Sentimiento Muerto o Claroscuro.

El espíritu que transmite este disco es para pasarla en una tarde de esas que vas al Parque de Naciones Unidas a ver uno de esos espectáculos chaborros de lucha libre, con luchadores enmascarados, pero que si te quedas mucho tiempo no podrás soportar al ver tanta coregrafía y trajes coloridos (Es necesario acotar que los integrantes de King Changó son fanáticos de ese deporte y veneran la figura de El Santo, una figura muy respetada en la escena de la lucha libre mexicana, que fue protagonista de muchas películas y revistas de historietas, que le harán un homenaje en su siguiente disco El Retorno del Santo)

Las mejores canciones se agrupan llamativamente al comienzo del disco, aunque no estoy seguro de que sean efectivamente superiores o si, en realidad, me dé esa impresión porque para la segunda mitad ya estoy saturado y todo se hace más de lo mismo. La cuestión es que algunas de estas melodías están entre las más increíbles que se hayan concebido en nuestro mundo. La apertura Don’t Drop You Pants es una forma DEVASTADORA se trata de una especie de latin-ska-reggae que no solo rockea durísimo, sino que desglosa una melodía  impecable, de esas que cuando se escuchan una primera vez, ya se sabe que nunca más se olvidarán ¿De dónde la sacaron? No tengo la más remota idea, pero lo cierto es que ni un baldazo de agua fría a las cinco de la mañana podría sobresaltarte más que esta pegajosa sucesión de notas, acompañadas de impiadosas voces raggamuffin y trompetas saltarinas Quiero esta canción para mi próxima fiesta. Lo bueno es que a partir de aquí la cosa no se pone peor.  Confesión comienza con un innovador solo de cuatro venezolano (de esos que ahora se escuchan en el infame neo-folklore) para dar paso a una especie de ska con Blanquito Man cantando de manera impecable Soy un traicionero y soy un viajero/en esee mundo de la emoción hasta llegar a el inolvidable estribillo confesión/confesión/prendo una vela y le pido a los santos… y así nombrar a elementos de la santería (Yemayá). No puedo mas con esto. God Damn Killers empieza medio oscura con un sinistro solo de guitarra para dar una especie de reggae lúgubre con Blanquito Man cantando de una manera chiflada sobre de que quería aprender karate y lo llevan con el sensei Oscar que fue su padre y mentor y es asesinado y Blanquito Man jura vengarse de los asesinos. No, no puedo con esto también. So Sweet es otro ska-reggae genérico y Empty Hands are My Weapon comienza con mantra todo extraño y no, no puedo mas con esto. Pagaría por poder desenroscarme estas cosas de la cabeza, pero sé que es irreversible. Obviamente todo esto lo digo con connotación positiva. Nadie puede hacer este tipo de melodías: son melodías que no sirven para emocionarte en el alma, sino para abrirte el cráneo a hachazos y mojarte el todo el cerebro con guarapo de piña.

El ataque irresistible continúa a toda carga con la vedette de este disco Meting Pot que abre con una especie de intro jazzera big-band de 53 segundos, para comenzar con la inolvidable frase un… due… chachachá… y dar paso a una orgía de trompetas de salón y Blanquito cantando a todo gañote Oye niña bella/Ponte a gozar/Oye niña bella/Baila el chachacha/Listen my Baby/Listen to my son/I want to dance the night all long… Hacia la mitad de la canción la cosa se pone suave y Blanquito Man intenta hablar como un galán italiano de los años 40 como queriendo seducir a la chica que habla en su canción, como queriendo seguir con la nota de parodia. Es lo que yo defino como el equivalente perfecto a una eyaculación pop; sientes como la alegría y el deleite te suben desde adentro y explotan en tu cabeza. Inmejorable. A partir de acá el álbum se desinfla un poco (se desinfla en un sentido de calidad, ya que en términos de arreglos inflados, la cosa sigue a todo trapo como siempre). Después de la gloria de Melting Pot se me hace que las melodías ya no son tan memorables y, ante tal deficiencia, la carga exagerada de los arreglos se hace estéril y un poco vacua. Revolution/Cumbia Reggae es un pobre intento de igualar un tema del grupo multi-racial Mano Negra, liderado por el ahora insoportable Manu Chao, African Fever comienza con una melodía disco. Pisando la Serpiente es un ataque personal en contra de Horacio Blanco (Desorden Público) por parte de Blanquito Man, a raíz de la negativa del primero a grabar un tema con el líder de King Changó, que es abigarrada, pegadiza, saltarina, alegre, blah, blah blah… Latin Ska es un tema pegadizo, Torero es un a especie de pasodoble-ska, y French Lady es un poco mas memorable es un poco más memorable, aunque tiene un final increíblemente pasado de la raya que te hará reír mucho o bien rascarte la cabeza, según tu humor.

Las canciones escondidas que ofrece King Changó 96 no son gran cosa. Es lamentable, pero por más que escuché el disco muchas veces no me acuerdo nada de ellas, ignoro si porque son olvidables o si para esas alturas ya estoy hasta el cuello. Es un disco que te va desgastando de a poco. El estilo es creativo y espectacular, pero la verdad es que todas las canciones son lo mismo. El veredicto final es que se trata de un muy buen esfuerzo de composición que machaca demasiado sobre la misma fibra hasta romperla. Pero en general la cosa funciona: hay dos o tres canciones que son tan pegadizas que hasta diría que son insalubres. Procede con cuidado. MUCHO cuidado.

“La policia te esta extorsionando, pero ellos viven de lo que tu estas pagando…”

1) Que No Te Haga Bobo Jacobo, 2) Molotov Cocktail Party, 3) Voto Latino, 4)Chinga Tu Madre, 5) Gimme tha Power, 6) Matate Tete, 7) Mas Vale Cholo, 8 ) Use It Or Lose It, 9) Puto, 10) Por Que No Te Hace Para Alla? … Al Mas Alla!, 11) Cerdo, 12) Quitate Que Ma’sturbas (Perra Arrabalera)

Mejor Tema:Voto Latino

Por cierto período de tiempo estuve dispuesto a destruír este disco con una buena dosis de insultos a riesgo de que muchos fans de Molotov me empezaran a lanzar ladrillazos por la cabeza. Sin embargo mi escepticismo duró muy poco; un par de escuchas a este álbum, a buen volumen, en la soledad de mi cuarto, revelaron una verdad bastante contundente: MOLOTOV ROCKEA, así con mayúsculas y sin ningún tipo de atenuante. ¿Cómo no iba a ser de otra manera? Con ese tono de guitarra fantástico, directo, filoso, sin rodeos, bien ahí en tu cara, devorándote pedazo a pedazo… Es uno de los mejores tonos de guitarra que escuché en mi vida, y la cantidad de culos que patean los riffs de Tito, Randy Huidos y Paco simplemente no cabe en una habitación. Sí, MOLOTOV rockea lindo.

Por otro lado, Molotov es una banda sumamente ESTÚPIDA. Idiota, imbécil son otras dos palabras que también funcionan bien para la ocasión. Si tuviera que darle a un solo grupo de rock el título absoluto de DESCEREBRADO, Molotov se lleva el primer premio POR AFANO. Su música es insustancial, hueca, redundante y grotesca en extremo, tanto a nivel de letras (basura intencionalmente mala, con cavernícola postura machista) como a nivel de performance (vocales exageradas hasta el punto de la parodia; todos los discos son iguales) a nivel de virtuosidad (los integrantes tienen la peculiaridad de intercambiarse los instrumentos en escena), a nivel de imagen (tienen a un norteamericano entre sus filas) . Esto es casi objetivo diría, ningún fan en sus cabales saldría por ahí a decir que Molotov es arte o algo por el estilo. Pero atención gente; al decir esto NO los estoy criticando, pues es bastante evidente que la actitud desarrollada por el grupo es ADREDE, es una pose intencional. A diferencia de muchas bandas de la onda hard n’ heavy, estos tipos no se toman para nada en serio a sí mismos ni tienen ningún tipo de gran pretensión en lo que hacen; su imagen grotesca y retardada viene de fábrica, está totalmente prevista y se supone que tiene que ser así, una música exagerada, bien idiota, primaria, sin ningún tipo de mensaje oculto y motivada exclusivamente por el afán de ponerte de bolas contra la pared en una noche de joda corrida, y NO de cultivar tu intelecto o explorar en tu alma, eso está bien claro. Este tipo de acercamiento al rock que ensaya Molotov, llevándolo a sus extremos de idiotez y sinsentido, es el principal atractivo del grupo. Disfrutando de cosas como Soda Stereo no me pueden molestar demasiado las posturas sexistas ni las letras huecas, más aún cuando el misticismo de, por ejemplo, Voto Latino es totalmente paródico y light. Lo tomo porque cada tanto es bueno dejarse llevar por música que apele estrictamente a las hormonas y deje en mute al cerebro. Y lo cierto es que para los objetivos que se plantean, es decir, juzgando al grupo a partir de sus propios parámetros, Molotov es una empresa admirablemente exitosa y se podría decir que es una de las más únicas, inimitables y fantásticas bandas de la historia. Lo que ellos quieren es rockear ¿Nada más? Nada más. Punto. ¿Rockean? Sí, y mucho. No hay nada más que decir.

Donde Jugarán… (Una indirecta al disco de Maná ¿Donde jugarán los niños?) se merece un elogio de mi parte solo por su EVIDENTE y CERTERA potencia rockera. No voy ni a hacer un intento de negar esto. Su status es mítico; no solo se considera casi con unanimidad el mejor álbum del grupo, sino que también se considera uno de los álbumes esenciales del hard-rock. Eso tampoco voy a negarlo; esto es, lisa y llanamente, rock and roll en su expresión más plebeya, directa, plana y básica; cualquier rocker selecto de los Rolling Stones suena como Beethoven en comparación con Donde Jugarán las Niñas, y eso no lo digo negativamente, es un hecho… cada uno puede tomarlo o dejarlo. El problema más grande de una banda así es la completa falta de diversidad que trae aparejada su música; un riff eléctrico (a veces bueno y original, más veces mediocre), un griterio bien histérico y sin melodía de las gargantas de Randy, Huidos o Tito, un ritmo bien, bien simplón de 4/4 y algún solo que pueda otorgar estos charros más o menos en la mitad. Esa fórmula, repetiva ad infinitum en todas y cada una de las canciones. Mal. O sea, entiendo que el concepto de diversidad no sea prioridad de la banda, pero mis oídos como que no lo aguantan mucho. Escuchando Donde jugarán, cuando empieza una canción nueva casi de me da risa de lo monótono que suena. Es todo lo mismo, e invita cordialmente a utilizar el botón skip muy seguido. Esto no quiere decir que los muchachos no tengan su competencia: cuando atacan con algún buen riff o alguna melodía decente, Molotov logra conquistarme y excitarme 100% bajo los poros, pero cuando no lo hacen, suenan como puro cock-rock genérico que suele tomar un poco de temperatura al principio pero que cansa al minuto de transcurrido el tema. En este y en cualquier otro de sus álbumes. Por eso, Donde Jugarán… es uno de esos discos que puedo disfrutar enormemente tomandolo en pequeñas dosis, pero que se me hace inclemente escuchar completo de una vez.

La fama y prestigio del disco es bien merecida si tenemos en cuenta la cantidad de clásicos del hard-rock que provee. Hasta hace poco detestaba a la banda y no me veía comprando sus álbumes ni a punta de pistola, pero Donde Jugarán… me enseñó que cuando Molotov se ajusta un poco los pantalones y se pone a rockear, ay madrecita, agarrate fuerte porque te vuelan. Esto se nota particularmente en cuatro TEMAZOS. Que No Te Haga Bobo Jacobo abre de forma casi inmejorable, con un solo de bajo y riff enormemente creativo, tan rebosante de buen gusto y competencia melódica que casi no parece de Molotov; la interacción entre las guitarras, una en cada parlante, sencillamente me quitan el aliento, y la forma en que el tema se va construyendo lentamente desde las sombras hasta que entra el ritmo a full y aparece Randy rapeando como degenerado cantando es BRILLANTE. Sin duda uno de los momentos más inspirados del grupo y una excelente forma de arrancar un álbum. De hecho, debería ser mi favorita de Donde Jugarán… de no ser por la fenomenal Voto Latino. Bue, la intro de esta canción es otra cosa DEVASTADORA, que simplemente te volverá SALVAJE. De hecho, es esa típica canción que quizá te importe tres pepinos porque es de Molotov pero que si la escuchas a todo volumen cuando sales con tus panas o estás en un bar, comienza como una especie de guaracha para dar paso una especie de reggae para convertirse en un explosivo hard rock con todos los integrantes cantando de forma satírica sobre los pormenores de la situación de los mexicanos en USA. Nunca antes había escuchado a Molotov intentar este tipo de sutilezas, por eso esta vez sin atenuantes me arrancaron la cabeza; es como si la historia del rock hubiera estado esperando por este momento desde sus comienzos.

Los otros dos clásicos no me conmueven tanto pero son muy buenos igual: Gimme tha Power, un intento de mariachi-rock en donde Randy, Huidos y Tito escupen su manera de ver (con palabrotas incluidas) al gobierno reclamando para sí en poder que este posee y ser verdaderamente un gobierno del pueblo, el tema protesta por excelencia. También tenemos el intento de disco-music Cerdo en donde relatan de manera humorística de un gordo que se come los melones sin quitarle las semillas, no pela una oportunidad para saborear los bocadillos que les ofrecen los promotores de los supermercados, el encantnan los maníes (cacahuetes) y lambucea (pide pizarrín) a sus compañeros pero no brinda (En el puro slang mexicano.

Si esperás algo más que estos cuatro tremendos clásicos quizá te lleves una decepción. El resto suena casi exactamente igual, pero ninguno tiene un riff como el de Que No Te haga Bobo…, o una ranchera-rock como Gimme Tha Power, o una melodía como la de Cerdo. En efecto, la sugerente Quitate Que Ma’sturbas (Perra Arrabalera) , con una letra sorprendentemente elíptica para el común del grupo, es bastante aparatosa, con un estribillo irritantemente exagerado y gritón que lima mis tímpanos de una MALA manera. El power-rocker de Mas Vale Cholo tampoco es mucho mejor; el riff, aunque excitante, es prototípico en extremo y el griterío generalizado en el estribillo es molesto, molesto y nada más que eso. La que sí valen mucho la pena son el intento de Control Machete/Cypress Hill Use It or Lose It , con unos estribillos que engancha irresistiblemente, y también Matate Teté, que luego de un sonido de explosiones, ataca sin piedad con un tremendo solo de bajo red-hot-chilli-pepperiano que rockea con mayúsculas. Me quedan Chinga tu Madre con un sonido de maracas, Molotov Cockatil Party un hard-rock descerebrado, Putio con extraños sonidos hechos con la boca recordando a aquello raperitos que se aparecían en el Merto Vía La Hoyada-Propatria con una letra estúpida y descerebrada en que se descargan en contra los homosexuales (putos), Por Que No Te Hace Para Alla? … Al Mas Alla! con su batería funky y el tema de cierre Quitate Que Ma’sturbas (Perra Arrabalera) que arranca con unos sutiles riffs bluseros esperanzadores, pero la canción en sí es bastante ordinaria como para decir que éstas se vean gratificadas.

La conclusión es que si el hard-rock es una de tus pasiones, no se puede dejar de lado algo como Donde Jugarán…. Pocas bandas han rockeado así en la historia del rock, tanto que en lo que a energía y bolas se refiere, no tiene nada que envidiarle a Soda Stereo. Si los individuos estos hubieran sido agraciados por la naturaleza con alguna ambición de romper un poco los esquemas y diversificar la cosa, podríamos tener entre manos una de las mejores bandas de los 90. Así como están no son más que una curiosidad, una pequeña parodia que, casualmente o no, agregó con Donde Jugarán… una acepción más para la palabra rockear.

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He aquí una verdadera ensalada incoherente y desarticulada, ingeniada por mi perversa mente para confundirte. Básicamente, en esta sección encontrarás revisiones de algunos discos sueltos, aislados y surtidos de grupos y solistas de los 80 para los cuales no tengo una página propia prevista en el corto plazo. Son álbumes que me siento con ganas de revisar sin obligatoriamente conocer los demás del grupo, a veces porque los escuché y me gustaron mucho, otras veces porque son demasiado famosos y legendarios como para que no los tenga contemplados en mi sitio. Con el tiempo, todos estos álbumes irán pasando a las páginas de sus respectivos grupos, de forma que esta sección puede ser considerada como una incubadora donde reposan algunas revisiones prematuras. Pero recuerden, estos grupos irán apareciendo con página propia en el MUY LAAAARGO plazo.

ARKANGEL – 1981

“No soy un robot ni visto a la moda, Ni quiero ser otro mas como todos, Solo quiero ser lo que soy, Un loco por el Rock & Roll…”

1)Vagon De La Muerte, 2)Libertad, 3)Loco Por El Rock & Roll, 4)Barón Rojo, 5)Nada Es Eterno, 6)Hombre Robot, 7)Un Niño Nace, 8)Asesino, 9)Héroes Caídos, 10)Arkangel (instrumental)

Mejor tema: Loco por el Rock & Roll

Aquí estamos ante un monolito de los 80. Grande y majestuoso como él tenía nombre de Angel del Infierno y militaba un joven de nombre Paul Silvestre Gillman. Este disco inició el movimiento Heavy Metal en Venezuela.

Antes que Melissa La Rockera llenara varias veces el Poliedro de Venezuela, antes que Zapato 3 y Sentimiento Muerto fueran referencias en la cultura popular juvenil, este grupo inicio lo que es rock n roll en Venezuela.

Excelente disco de 1981. ! Una de las bandas más populares de Hard & Heavy, no es raro ver a muchachos usar las franelas con el nombre del grupo . Y es que Arkangel, si bien no es un grupo con ideas ambiciosas o música arriesgada (por lo que escuche en este disco), es una banda que hace decentísimo Heavy metal SIN NINGUNA PRETENSIÓN, nada de solos de guitarra ultracomplicados, nada de riffs virtuosos, nada de movimientos de batería extraños, nada de ritmos a destiempo o teclados o sintetizadores. Esto es simple y sencillamente Heavy metal antipretencioso que suena fresco y juvenil para los que aman la esencia del Hard rock . No es un disco que este entregando ideas nuevas al rock o que tenga un SELLO de autenticidad , es un disco de rock pesado MÁS. Entonces ¿ Para qué comprarse este disco?

Porque cada una de estas 10 canciones Hard/heavy son GEMAS, la verdad es que el disco en ningún momento muestra debilidad o relleno, TODAS las canciones se pasan volando, TODAS las canciones son igual de buenas. Son VERDADERAS JOYAS de Rock pesado; Rock pesado simple y normal pero MUY BIEN INTERPRETADO. Eso hace que Arkangel 81, sea un gran disco indispensable para los coleccionistas de Hard rock y Heavy metal (aunque no me considere parte de ellos).

El disco abre con la magistral Vagón de la Muerte, después de oírse un sonido de tren, una guitarra empieza a disparar riff venenosos como loca y Gillman abre con un potente alarido Sientes que no puedes pararlo/Y que no puedes separarte/Todos estamos sin pensarlo
/En el vagón de la muerte y sigue así hasta llegar al coro Todos tienen su rumbo/Lleno de incertidumbre/Sin saber quien/Quien saldrá de él y la canción empieza a volverse mas rápida. Le sigue Libertad muy monótona con esos coros de LIBERTAD! LIBERTAD!. Aparece el clásico Loco Por El Rock N Roll , un verdadero himno de la juventud rebelde de ese entonces con su letra muy grandilocuente Me ves por la calle de la ciudad/Y me miras mal porque será/Será por la pinta o será por el pelo/Que curiosidad/No soy un robot ni visto a la moda/Ni quiero ser otro mas como todos/Solo quiero ser lo que soy/Un loco por el Rock & Roll . Barón Rojo es ultravelocísima y Gillman canta como pez en el agua homenajeando al famoso piloto de la Primera Guerra Mundial, se oye una ametralladora en el medio y al final de la canción. Nada es Eterno comienza medio funky en la batería para darnos una suave melodía hard rock. Hombre Robot comienza tambien funky en la guitarra con un discurso sobre un autómata que repite todo lo que de dicen, demasiado infantil la letra. Un Niño Nace comienza rapida para ser después lentearse y Gillman aparece cantando sobre alguien que no nació reclamando al mundo de su inocencia. Asesino es un clásico con su ritmo rapidísimo. Héroes Caídos es una épica con una declamación del dinosaurio del rock Alfredo Escalante glorificando a los heroes caídos que murieron por el rock n roll. Como a los 2 min. se pone estridente. El disco cierra con el instrumental Arkangel.

Notarán que no me profundice en comentar las canciones del disco…pues es que no hay mucho que decir acerca de ellas (aparte que esto no va con mis gustos), todas son fuertes y rockean, pero no hay nada fuera de lo común en ellas como Heavy metal, aún así hay que ver que la virtud de este disco es tocar Heavy metal sin pretensión alguna, compralo, bajalo o quemalo y no te decepcionarás.

DAIQUIRÍ -1983

“Me monté en mi taxi, lleno de ilusiones, pensando en los millones…”

1)Puro Deseo De Amar, 2)Caso Perdido, 3)Como El Viento, 4)Ven A Mi Lado, 5)Vente Conmigo, 6)Volver A Vivir, 7)Un Día Como Hoy, 8)Un Día En El Beisbol

Mejor Tema: Un Día en el Béisbol

Antes que Guaco comenzará a deslumbrar con su gaita fusionada con ritmos como el jazz,la salsa, la cumbia, etc, antes que Desorden Público apareciese en el mapa con su ska, antes que Gloria Stefan y su Miami Sound Machine capasen las emisoras de radio con su Conga, antes que el reggetón infestara los medios de comunicación con su perreo y sandungeo, antes que los Amigos Invisibles aparecieran en el mapa con su acid-jazz . Aparecieron de la nada unos muchachos amparados por el decreto 1×1, comandados por el judío-venezolano Alberto Slezynger.

Y es que el conocidisomo decreto, arropó a cuanto artista y grupo pasara por él. Estos carajos con grupo por nombre de coctel cubano, me llama la atención como fusionan la música cubana con las tendencias electrónicas ¡Es como si Depeche Mode, Kraftwerk, Bob marley, The Police, La Sonora Matancera y la Fania All Stars se dieran la mano! es increíble que las disqueras y medios de comunicación en ese momento permitieran hacer que sus artistas lo que les diera en gana con la música. Ahora la cosa es al revés ahora las disqueras y medios obligan a los artistas hacer lo que estos primeros quieren (Por eso amo la piratería y variedad musical)

El espíritu de este disco -no es nada serio pero si pretencioso- es de salir a la playa en esos días de mucho sol comprase unas buenas Polar Ice y seducir unas nenas por ahí. Nada antisocialmente político o trascendental.

Ahora yendonos a las canciones. Me doy cuenta que casi todas que integran este disco comienzan con un golpe característico de percusión electrónica dandole cierta sello personal y la vez monotonía.

Abre los surcos la conocidisima Puro Deseo de Amar con su intro de golpe de percusión electrónica y su melodía de son cubano/mambo/reggae con una divertida historia en que un taxista que deseaba ser un aclamado novelista y alardeaba con sus triunfos a los pasajeros que llevaba, hasta que se enamoró de una muchacha que llevaba entre su grupo de pasajeros, pero esta rechaza su declaración de amor, después es un novelista famoso y pide un taxi en que la conductora era la mujer que una vez se enamoró y ahora si es el empate y se casan, las trompetas y tres cubanos adornan el final hasta que la canción se desvanece.

Le sigue Caso Perdido con una estructura musical muy similar a la anterior con muchas guitarras eléctricas y cierta estructura tecno.

El resto de las canciones ni me van, ni me vienen, Soy Como el Viento es calmada con colchones de teclado y percusión latina, Ven a mi Lado es un poco mas rápida, Vente Conmigo deslumbra con sus sintetizadores tecno y sus arreglos de calipso, Un Día Como Hoy suena medio salsosa con su arreglo de percusiones Un día como hay es semi-acústica con teclados simulando flautas peruanas y trompetas de jazz.

Mención aparte quiero describir a un Día en el Béisbol, que podría ser usada como música de fondo para un partido Caracas-Magallanes, comenzando con las aclamaciones de júbilo propias de ese juego y entra la voz de Alberto gritándole al cantinero que le pasara una cerveza mientras le contaba los pormenores de como su esposa se volvió mas fanática que el del susodicho deporte después que la acompañara a un partido.

En fin Daiquirí 83 es un disco con altos y bajos 100% recomendable para recordar buenos tiempos cuando el Dolar estaba aún a 4,30 y además te sabría mejor si te lo podrías acompañar con un buen plato de moros y cristianos jajaja.

COLINA -1984

“¿Quién será el primero entre los dos?…”

1)Quién será, 2)Fuera de control, 3)Si tu te vas, 4)Urupagua, 5)México,6)Ven a mí, 7)Sin salida, 8)Ahora que encontramos el amor, 9)Aquí y ahora.

Mejor tema: México

Que me muerdan los perros, pero francamente este álbum nunca terminó de impresionarme. Yo se que DEBE impresionarme, ya que supuestamente se trata de la obra cumbre de Oscar de Jesús Colina, mejor conocido como COLINA No es precisamente moco de pavo. El tipo es un artista, un pionero, el papá de los helados (y de la tinitas, barquillas y polos también) de la música urbana nacional de los 80. Y bien, sí, todo lo que quieran, pero este álbum no alcanza para hacerle justicia al mito. ¿Por qué? Yo lo veo, a grandes rasgos, como una triada de clásicos absolutos rodeados de pequeñas baratijas para turistas, inofensivas maripositas de música que nada hacen para cambiarme la vida. O sea, es un álbum correcto, aceptable, agradable, escuchable, PAGARÍA por él… pero si quieren que lo considere una obra maestra tendrán que encerrarme en una celda lúgubre, fría y oscura y hacerme pasar hambre durante un mes.

Sí, hay demasiado relleno para mí gusto en este trabajo, pero en líneas generales no hay demasiados motivos para quejarse: la voz de Colina está en su mejor forma y la atmósfera tipo Caracas de noche que vaporiza a través de sus composiciones es ciertamente atractiva. Sorprenden favorablemente los matices de glam rock que otorga el álbum.

Cuando a principios de los 80, nadie en este país apostaba por el sonido tecno (hablo de las disqueras y los medios) llego este Falconiano procedente de Inglaterra a traernos un proyecto musical demasiado adelantado para la época en Venezuela.
El sampler y los sonidos electrónicos complementaban las composiciones de este artista que indudablemente nacía junto a el famoso decreto 1 por 1.

Es así que Colina 84 aparece salpicado por tres tipos diferentes de composiciones: glam-rockers de melodías pegajosas (Quien Será; Fuera de Control; Ven A Mí; Ahora Que Encontramos El Amor, Sin Salida), baladas de lujosas estructuras de música (Si Tu Te Vas;Aquí y Ahora ) y extrañas viñetas de música cabaretera donde aparecen elementos raros (México, Urupagua). Esto lo convierte en un álbum variado, que por momentos rockea lindo, por momentos sabe despuntar una melodía vocal de calidad y por momentos puede sonar underground, peligroso y artístico. Temas relativos al sexo, el sadomasoquismo, el travestismo y la homosexualidad están a la orden del día, y todos estos elementos reunidos consuman, como dije anteriormente, una atmósfera bastante cool, bastante particular, que te hará imaginar oscuras calles, grises lloviznas, pálidas luces de neón y personajes extraños de la noche. Fenomenal ahí; en cuanto a ganchos y atractivos rigurosamente musicales el disco se queda un poco corto. Con EXTRAORDINARIAMENTE buenas para volarme la cabeza (caso Sentimiento Muerto), pero acá muchas canciones se me hacen una onda ok, sí, muy lindo, pasemos a la siguiente.

Esto no debe ser malinterpretado. Realmente hay algunas de primerísimo nivel, como por ejemplo la overtura ¿Quien Será?, un muy buen funk-glam-rocker acerca de amantes sadomasoquistas (se dice que Colina basaba sus composiciones como ésta; acerca de la relación amor-odio que tenía con su ex-esposa Ana María Bertrelli) que hasta estuve a punto de considerar como mejor canción del disco entero. los repiques de matería son inconfundibles. y su sección de coros es tambien Muy excelente con su ¡Wooo! al final en la canción. En la misma tónica bien rockera se encuentran , Fuera de Control y Ven A Mí. Las tres bastante parecidas, las tres bastante pegadizas, especialmente la genial Fuera De Mí, que es totalmente irresistible en su simpleza directa y sus coros. Solo necesitas un tono de guitarra bien crocante, la voz de Colina cantando como él sabe y una secuencia de acordes más o menos interesantes: con eso, ya la cosa suena de bien para arriba. Quizá se puede criticar el hecho de que este tipo de rockers glam suenan un poco derivados de cosas como David Bowie, Queen, Prince o Boy George pero todo no se puede tener en este mundo. No siempre se puede ser totalmente original.

¿Baladas? En el estricto sentido del término hay dos… ¡¡¡Y QUÉ DOS!!! Muchos coinciden en que Si Tu Te Vas y Aquí y Ahora son las dos mejores canciones jamás compuestas por Colina como ninguno, y si bien no podría juzgar en base a lo poco que escuché, alcanzo a entender los motivos. Ambas están basadas en un exquisita dulzura lírica y melodías contemplativas, melancólicas, realmente memorables. Si Tu Te Vas (La mas conocida de estas) tiene un feeling especialmente atractivo, en el que por un lado se palpa el romanticismo glorioso de la letra (Si tu te vas/Que serán de las noches de invierno?/Dime que voy a hacer/Si tu te vas/Con quien miraré la televisión/Con quien tomaré café/Con quien conversaré en las noches/Si tu te vas/El Sol ya no brillará igual/Las aves y su cantar no volverán/Ya nada será igual/), pero por otro lado hay un amargo dejo de nostalgia que da a entender que todas estas cosas lindas que describe la letra son, o bien imaginadas, o bien parte de un pasado muy lejano. Quizá sean solamente ideas mías, basadas en la sensación de que no puede haber nada demasiado alegre viniendo de Colina o en ese coro inquietante Aw aw aaaaw/Que voy a hacer si tú te vas, o en el hecho de que fue versionada por los Amigos Invisibles después , lo cual no puede ser MUY feliz. No importa, en cualquier caso la melodía es deliciosa, con ese estribillo masivo que levanta vuelo como una tormenta de pájaros envuelta en cuerdas y más cuerdas. Pero francamente Aquí y Ahora no es tan buena como Si Tu Te Vas Acá la letra no me dice absolutamente nada, no entiendo qué es lo que trata de establecer Colina al hablar de cosas como amar a los hijos, al país y al presente como en un tema de John Lennon, pero la melodía vocal es de una perfección apabullante y la melodía con pinceladas jazzisticas, le da al tema una brillante resolución que logra con creces estamparlo en mi memoria. Hace poco los Amigos Invisibles hicieron una performance junto a Colina en el consabido Poliedro de Caracas del tema Si Tu Te Vas (!?!?!) , cosa que parece ser el único camino para que hoy en día la gente joven sepa quién es Colina, si es que llegan a interesarse por el autor de la melodía, los malditos ignorantes.

Después quedan esas cosas raras e inclasificables, heredadas de la tradición vanguardista d y que siempre aparecen en los discos de Colina. ¿Qué decirles? En realidad, estos son los momentos más originales del disco, pero también se me hacen los menos atractivos. Sin Salida es una notable excepción, ya que la melodía casi de jingle publicitario de los 80 es ADICTIVA, con su alusión a las vacaciones Semana Santa, a las elecciones de 1983 (donde ganó Lusinchi) en que Colina esta cansado del ocio y busca trabajo con su coro NO WAY OUT!. Igual, al final deja la sensación de una cosa irrelevante, graciosa pero tonta. Urupagua, por el contrario, es aburrimiento en estado de pureza total. La melodía no existe, los arreglos musicales son pedestres, indistinguibles, sin un gramo de imaginación… bah, un desperdicio en que solo al final se oyen como Tambores de Barlovento y sonidos de grillos de eso que cantan de noche es un espacio metido entre dos gemas. Mexico es, en cambio, un clásico de los grandes, la canción más conocida del disco y quizá la más conocida de toda la carrera musical de Colina. Yo no estoy seguro: por momentos me parece una composición sumamente original y por momentos me parece una payasada insoportable. En general suele ganar mi primera inclinación, pero aún así no soy fanático. La voz y forma de cantar de Colina son casi lo único que sostiene a la canción, ya que musicalmente es repetitiva y llana como el piso de mi baño. Mejora con el arreglo de teclados tipo calipso y los metales, pero creo que es más bien una canción para escuchar la letra que otra cosa; la letra de un sujeto que estaba aburrido de la vida gris y fría de su país y quería ir a Mexico para conseguir el amor en una muchacha que conoció allí. Algo así (Preferiría que el tema fuera una ranchera de esas tipo Juan Gabriel o José José). Me quedan los temas Ahora que Encontramos el Amor con sus arreglos de reggae, y el cierre con Ven A Mí . No es nada demasiado brillante, pero sirve para recordar que no solo Melissa coqueteó con estos géneros musicales.

Y bien, conclusiones. Para ser la supuesta obra cumbre de Colina no parece una gran revelación. Reconozco que hay tres o cuatro temazos, pero nada para salir a la a calle a gritar qué bueno que es Colina, qué BARBARO que es. Si Tu Te Vas es un auténtico clásico para las eras, pero aún así podría pasar como tema segundón en un álbum clásico de Franco de Vita o Ilan Chester. No se, no es un disco que me sienta urgido a escuchar con frecuencia, y la verdad fue bastante molesto escribir esta revisión totalmente rutinaria y desapasionada. Es así, el disco me gusta pero no es gran cosa. Un buen disco, con buenos temas pero poco que realmente me llame la atención. Si, podría seguir hasta siempre con lo mismo. Ya basta. Después seguiría Sampler en 1986 que es mucho mejor en el plano musical (Pero eso ya es otra historia.).

PP’S – 3ERA GUERRA MUSICAL

“Yo soy así y que te importa a tí…”

1)Yo Soy Así, 2)Horas Nocturnas, 3)Obsesión, 4)Compañeros de por Vida, 5)Alucinaciones,6) Un Clavel, 7)Suspiros, 8)Tercera Guerra Mundial, 9)Bubu, 10)Plástico Liviano, 11)Robot Desatornillado.

Mejor Tema: Un Clavel

He aquí un monolito de los 80’s, eslabón perdido entre el Heavy Metal de Arkangel y Resistencia y el incipiente Rock Nacional que encabezaría Sentimiento Muerto. causaron una revolución en 1981 en el desaparecido Show de Fantástico cambiando lo que para siempre el rock en Venezuela cuando aún la gente estaba empantanada en la hediondez de lo que significó la Música Disco.

Aquí reseño a PP’S (Pedro Pérez Show) . Mientras Soda Stereo aún giraba en bares. El polémico Pedro Perez (Como el nombre de la banda) y sus compadres ya estaban en su tercer disco titulado 3era Guerra Musical.

Este trabajo ofrece guitarras limpias y sin distorsión con muchísimos efectos tipo Police, sintetizadores análogos y baterías casi robóticas. Esto sin lugar a dudas es un trabajo altamente futurista que nos transporta a su vez al pasado en donde estaban de moda las Vans de cuadritos, los pantalones tubito y el Atari 2600. Este disco no ofrece 12 piezas 100% bailables

La conocida Yo Soy Así (Que después versionaron los Amigos Invisibles) comienza con batería y campanitas para aparecer un guitarra muy funky y Pedro Pérez canta de manera muy humorística que sale a la calle y lo ven mal porque se pone los zapatos en el cuello y hace ejercicios con los pies en la cara. Horas Nocturnas comienza con una guitarra muy sinuosa y aparecen teclados atmosféricos, en los coros se escucha la inconfundible voz de Pedro Castillo y el otro Pedro haciendo sonidos inteligibles con su boca. Obsesión empieza rapidísima con un sonido de sintetizador. Compañeros De Por Vida es un rock-pop bastante convencional con la participación de Pedro Castillo en los coros. Alucinaciones es un pelo psicodélica con esos sonidos raros y un sonido bastante punkoide. Un Clavel parece un jingle publicitario de los 80 hablando de que siempre van a giras y les pagan con un clavel cuando van a hacer una función con la nuevamente participación de Pedro Castillo en los coros. Suspiros es otro rock-pop convencional con coros muy graciosos. Tercera Guerra Mundial es un épico tema en donde se desata una supuesta 3era Guerra Mundial en donde los soldados son Bachilleres en Ciencias en donde Reagan baila el twist Mick Jagger es el Libertador de los oprimidos, se menciona a Picasso como un payaso, y el grupo Arkangel, tiene coros muy doo-woop de los 50. Bubú es muy rápida con colchones de guitarra y Plástico Liviano le sigue la onda. Robot Desatornillado comienza con una galopante guitarra para dar una melodía acid-jazz.

Dos años después de sacar este disco. El líder de la banda es detenido por asuntos de drogas y se desaparece esta promesa del Rock Nacional.

ADITUS – JUEGOS DE AZAR – 1985

“Piensa un poco mas y dame otra oportunidad…”

1)Usted no tiene Swing, 2)Victoria, 3)No se Quita, 4)No te Vayas Ahora, 5)La Chica del Blue Jean, 6)Hay Huelga en la Luna, 7)Crisis, 8)Háblame de Tí, 9)Cinco Años Luz, 10)En la Jungla.

Mejor Tema: Ud No Tiene Swing

Es increíble como el 1×1 benefició a mas de uno. Aquí arropó a unos muchachos que venían de hacer rock progresivo a finales de los 70 para afianzarse en el new wave mas descarado que se emite en este disco.

Y esto en parte es por culpa de Pedro Castillo, un personaje bastante peculiar en el Rock Nacional que hizo sus pasantías en aquel grupo llamado PP’S , este trajo la idea de poner melodías pegajosas a sus aburridos pasajes progresivos. Ahora es la imagen de cuanto comercial de celular venda.

Ahora yendonos al disco, este fue uno de los tantos sortarios que arropó el famoso decreto del Presidente Luis Herrera Campins, dandonos una ensalada de los mas variados temas sin relleno alguno.

Comenzamos con Ud. No Tiene Swing, un divertido tema con una intro de teclados tipo calipso, la letra habla de un modelo que espera ser aceptado en una agencia que no tiene porte de galán pero tiene un no se qué que lo hace atractivo. Aparece el conocido tema Victoria, comienza con el inmortalmente pegajoso coro Eiooooó ooooó Victoriaaaa/Ahahaha regresaaa… y después una guitarra empieza a juguetear en el acto y un repiqueteo de batería electrónica y todo se silencia de repente dando paso a la voz a capella de Pedro cantando sobre una una chica muy bonita que conoció en si vecindario y sus panas de la cuadra lo felicitan y vuelve la música adornada con campanas, es un clásico entre los clásicos del Rock Nacional.

No se Quita comienza con un tranquilo riff muy a lo Police y aparece la voz de George Henriquez (El otro que canta aquí) cantando sobre una mancha que le ensució se pantalón favorito y probó con todo para quitarla y sigue ahí (En realidad es una metáfora sobre el despecho).

No Te Vayas Ahora es otro clásico de este disco, en realidad es una balada despechona hecha para radios FM que desentona con el contenido del disco. Pero le da a esté la variedad que necesita es muy bella con su adorno de teclados y Pedro cantando de una manera muy sentimental como muy pocas veces se ha visto, al final se manda un excelente e inolvidable solo de guitarra me encantan los coros de No Te Vayas Ahora/No Podré Decirte Adiós/Piensa Un Poco Más Y Dame Otra Oportunidad…

La Chica Del Blue Jean es un tema raro que comienza con un sintetizador robótico para luego volverse melódico. Hay Huelga EN La Luna tiene un base de teclados tipo campana y batería retumbante muy new wave con una letra muy divertidisima que habla de un tipo que se compra una nave y quiere viajar a la luna pero un guardia le detiene y le dice que hay huelga allá ¡Una excelente metáfora sobre nuestra realidad venezolana!.

Crisis abre con una feroz metralla de guitarras metaforizando sobre la crisis económica de nuestro país y Hablame de Tí es el tercer MAGNUS OPUS de este trabajo con una melodía que podría ser de fondo de una discoteca cualquiera de la opulosa urbanización Las Mercedes con su trabajo coros y sus guitarras disco.

Aquí podríamos estar ante unos Genesis Venezolanos con un Phil Collins criollo como lo fue Pedro Castillo que hizo que esta aburrida banda progresiva tomara un rumbo hasta llegar a este gran disco. Un dinosaurio, una reliquia, una pieza de museo sin dudas. Algo Eléctrico y Otro Mundo seguirían también en la misma senda.

RICARDO MONTANER – 1986

“Apretada a mí, bailando una canción de moda…”

1) Uno del Otro, 2) Vamos a Dejarlo, 3)Necesito de Ti, 4)Yo que te Amé, 5) Dame un Mañana, 6) Ojos Negros, 7) Extraño Sentimiento, 8 ) No me Quites tu Amor, 9) Afortunados, 10) En Ti

Mejor Tema: En Tí

Este disco reavivó mi interés por Hector Eduardo Reglero Montaner a.k.a. Ricardo Montaner En realidad, más que reavivarlo, le dio vida. Pues en realidad Ricardo Montaner, a priori, me resultaba tan interesante como una mariposa metiéndose dentro de la pantalla de vidrio de esas ostentosas lámparas colgantes, atraído por la luz y luego tratando de escapar sin conseguirlo (¿Vieron que idiotas que son las mariposas? Siempre que las veo recupero un poco mi fe en la humanidad). En fin, Ricardo Montaner se me hacía siempre un baladista blandito de la onda de Hany Kauam (personaje aburrido si los hay, Hanito), un parásito más del aburguesado establishment musical, un compositor para películas de Disney y telenovelas insulsas que nada importante tenía para hacer aparte de recordar al mundo sus delirios de grandeza con eso de que tuviera una disquera propia (Hecho a Mano en donde grabaron adefesios como Servando y Florentino) siempre que tuviera oportunidad. Sin embargo, este disco autotitulado de 1986 me cambió un poco la perspectiva. No es que ahora el tipo sea mi héroe, pero al menos me demostró que, en su máximo esplendor, fue un excelente baladista, de esos capaces de entregar melodías eternas y pegadizas, de esos capaces de dibujarte cosas en la cabeza, de hacerte ver cosas cuando cierras los ojos. En fin, de esos capaces de hacer buenos discos. Buenos discos como éste.

Ahora, no digo que Ricardo Montaner 1986 no tenga sus problemas. Los tiene. El máximo es que es extremadamente limitado en cuanto al estilo. Montaner, al menos acá, sabe hacer un solo tipo de canción: baladas infladas, antémicas y pretenciosas con inspiración americana e italiana recargadas de coros, arreglos de sintetizadores ochenteros. A eso se limita: desde el tema uno hasta el tema diez no tenemos otra cosa que power-ballads gigantescas, de esas que empiezan bajito y sin alardes con unos pocos acordes de piano y sintetizadores que luego se van inflando como malditos globos aerostáticos hasta convertirse en monstruosas y aplastantes masas de poder sonoro. Todo bien serio, bien pretencioso, ni una sola gota de humor o sorpresa para humedecernos el paladar. Por suerte, Montaner SABE como escribir algunas buenas canciones de este tipo. Tipo de canciones que, además, no puedo clamar que no me guste; después de todo el tema bandera de Franco de Vita es No Hay Cielo ¿Verdad? Pues estas vendrían a ser pequeños No Hay Cielos una detrás de otras, solo que con arreglos más elaborados que parecen ocupar todos los espacios. El asunto es que si bien son buenas canciones, solo las primeras cinco son obvios clásicos: las restantes apenas pueden disimular su condición de más de lo mismo, o repetición de fórmula o dejate de joder argentino-maracucho de cuarta y meteme algo movidito de una buena vez. En definitiva: el disco termina cansando un poco, o bastante según el humor que se tenga. Es una carga permanente de pompa y circunstancia. Agradable al principio, pero difícil de digerir completo de una sola vez.

Pero tranquilos, porque tampoco estoy diciendo que se trate esto de una muralla impenetrable. Ricardo Montaner es un compositor e intérprete talentoso, y el disco no pasa sin sus sutilezas. Para empezar, su performance en el piano ES una sutileza. Cada introducción de estas canciones suena como un collar de perlas traducido a sonido. Y las melodías en general son hermosas, brillantes, casi que te levantan la moral. Ricardo Montaner canta bien… En fin, todo bastante aceitado salvo por el hecho de que los arreglos no varían demasiado, y se tornan agotadores. Es lo que había dicho antes, no se porqué tengo que decir siempre todo más de una vez. Soy un estúpido.

CONTINUARÁ…

SERGIO PÉREZ – 1987

“El que abra un hueco en el, que caiga…”

1)Mentiras, 2)Curanderos, 3)No Le Digas Nada, 4)Chismes, 5)Amor y Deseo, 6)Eco Libre, 7)A Donde Va El Amor, 8)Cuando Tu Amante Se Va

Mejor Tema: Mentiras

Aquí tenemos al ultimo bastión del famoso 1×1 (antes que empezara la decadencia) un joven que pulió su talento en grupos como José Fajardo y Sus Estrellas y Adrenalina Caribe. Aquí hace su debut con todos los hierros con un flamante álbum sin desperdicio de ningún lado titulado simplemente con su nombre: Sergio Pérez.

Nieto del fallecido Ex-Presidente Rómulo Betancourt, Nos presenta un disco hijo del techno, y el punk-funk aderezada con infinidad de sonoridades latinas y cadenciosas sin llegar a la salsa , Sergio Perez 87 se adelantó a muchas cosas, incluido la tecno-salsa. Es un disco de laboratorio que, a pesar de la imagen de los videoclips, es producto del estudio de grabación y no tiene nada de callejero, ni de realista. Pero reivindica el derecho del artista a dar rienda suelta a su inventiva y no conformarse con sus propias experiencias como fuente de inspiración. Sin ser un Franco de Vita, un Yordano o un tempranero Colina este chico supo codearse entre los grandes con su peculiar estilo.

Cuando este disco se editó, el mundo de la música popular en Venezuela estaba en crisis. Solo había una solución: hacer un disco que fuese indiscutible, hacer un disco como este. Estribillos y ritmos irresistibles, elementos futuristas, ruidos industriales, interpretaciones sobrecogedoras, letras polémicas…

Se emplearon, para un proyecto tan ambicioso y laborioso las últimas novedades de la tecnología musical con liberalidad y generosidad pasmosas. Este artista fue el ultimo de los que despidió la escena de la música urbana de Venezuela antes que viniera el fenómeno SM…

Mentiras comienza con un pesado acorde de sintetizadores para luego dar paso a una textura de timbales y percusiones cadenciosas y pianos sabrosos aparece Sergio cantando sobre una chica que aparentaba lo que no era y trataba de impresionar a la gente con encantos que no posee, me encanta la interpretación sonera de Ay que pena/ay que pena me da nanana/porque yo sabía lo que decías no era verdad/Porque yo sabía que era una farsa y nada más… en los coros, un violín electrónico hace su aparición y Sergio canta su otro coro Y no me digas mas mentiras nonono/Y no me digas mas mentiras… una excelente interpretación de una tecno salsa que haría palidecer a gente como Willie Colón.

Viene Curanderos con una intro como de cantos indígenas y unos tambores autóctonos para darle paso a una especie de reggae y una letra en donde Sergio critica aquellos que abandonan su ideales en el camino e invita al optimismo con su coro Somos curanderos de aaala/Los curanderos del corazoooon.

No Le Digas Nada, es la MAGNUS-OPUS del disco, con su complejo arreglo de percusión salsosa y sintetizadores. Chismes, es una gema oculta del disco con arreglos de flamenco y su coro tipo Alvin & The Chipmunks .

Amor y Deseo es otro tema conocido que comienza con una linea saltarina de teclado para dar paso a una pesada batería eléctrónica, me gusta su coro de eo ,eo… Sonidos de saxo y objetos quebrándose complementan el tema.

Eco Libre es un tema con cambios de ritmo, comienza letárgica para luego volverse cadenciosa y culminar con un frenético ritmo. ¿A Donde Va El Amor? es la propia balada y Cuando Tu Amante Se Va, es un tema conocido con toques de triangulo.

Este sin dudas es el disco mas entretenido y fresco que hizo Sergio Pérez dejando la complejidad y el virtuosismo para sus siguientes trabajos (El carajo es una pala en el violín) dejándonos el último vestigio de la música urbana.

MANÁ – FALTA AMOR -1989

“Y muchas lunas pasaron desde que te busqué…”

1)Gitana, 2)Refrigerador, 3)Rayando El Sol, 4)Buscándola, 5)Soledad, 6)Falta amor, 7)Estoy Agotado, 8 )Perdido En Un Barco, 9)La Puerta Azul, 10)Maeo, 11)No Me Mires Así

Mejor Tema: Rayando el Sol (El único tema bueno que ha sacado)

Juzgando por lo que han publicado en los últimos años, Maná no me impresiona demasiado. Empantanados entre rancheras horriblemente comerciales y latin-rocks espantosamente corrientes, los tipos ya no pueden disimular su decadencia y su agotamiento. Sin embargo, en sus primeras épocas, allá por los primeros años ochenta fueron una buena banda de puro hard-rock. Sí, sí, sí lo que ustedes acaban de leer: ni decente, ni aceptable, ni pasable… Directamente BUENA. Desde que tengo memoria, siempre fui un confeso detractor de la banda. No era que realmente ODIABA lo que escuchaba de Fher y cia. por la radio, pero ciertamente no toleraba el fanatismo y la algarabía que generaban por todas partes mientras otras bandas superiores apenas eran mencionadas, o que todo el mundo hablara de Santana en base a la mediocre participación de Maná en el tema Corazón Espinado sin conocer nada de Abraxas. Sin embargo, se me ocurrió que siendo un grupo tan viejo (Se llamaban antiguamente Sombrero Verde), deberían tener algo más o menos interesante en sus épocas de gloria, algo que en definitiva diera cierto sentido a tamaña popularidad. Así que recurrí a Falta Amor, el cuarto álbum del grupo y segundo bajo el nombre de Maná y aquel que una buena parte del público considera su absoluto pico. Hay que ir a lo seguro, no iba a empezar por mierdas como Revolución de Amor o Amar es Combatir… no soy TAN pendejo.

¿Qué encontré? Pues encontré un muy buen álbum de hard-rock que me sorprendió gratamente de principio al fin. Estas canciones rockean, tienen ganchos melódicos y riffs de primera por todas partes, los tonos de guitarra pegan sin piedad, hay suficiente variedad e inteligencia en los arreglos, no hay una sola canción realmente mala, no es en absoluto monótono, Fher, el cantante, más joven claro, no es tan despreciable como había pensado… en fin, toda una serie de revelaciones que me demostraron que esta banda mediocre de Jalisco, Guadalajara es en definitiva bastante disfrutable si uno elige el álbum adecuado. Lo que se oye aquí es una buena cruza entre el rock and roll latino y fiestero de Santana de Abraxas, el filo místico de Los Caifanes, las cadencias de The Police, la espiritualidad rastafari de Bob Marley y la agresividad callejera de el Tri. No mucho más que eso: bien básico, MUY rockero, bastante latino, sorprendentemente melódico y sin pretensiones risibles. Esto último es para subrayar. Sin pretensiones risibles; en vez de antojarse por los delirios místicos de Los Caifanes o abordar la temática política y callejera de la Maldita Vecindad (Dos agrupaciones que despuntaban en la escena rock mexicana de ese entonces), los tipos prefirieron seguir el ejemplo de Santana y atacar sin adornos con lo primario; sexo, tequila diversión, y sabor latino a mil. Nada más. El espíritu que atraviesa esta música es el de divertirse, salir con amigos a las calles de Puerto Vallarta, pasar un buen rato, tomar un par de cervezas con limón y seducir a un par de chaparritas. Nada más irrelevante y corriente quizá, pero tampoco nada más entretenido y fresco.

Lo que más me atrae musicalmente de Falta Amor es que no solo rockea consistentemente, sino que las melodías son realmente memorables. Eso era algo que no esperaba; más bien imaginaba uno o dos riffs brutos sobre los cuales el greñudo de Fher ladraría algunos alaridos chillones todos iguales (Algo así como Ricardo Arjona). Estaba equivocado: todas estas canciones tienen ganchos AL POR MAYOR, de esos que que te quedan girando en la cabeza todo el tiempo. No solo en las melodías vocales de Fher, sino también en las armonías, las melodías de guitarra y los EXCELENTES riffs. El trabajo de la batería es irreprochable, Alex Gonzalez (Como el el solo lo sabe hacer y al parecer el único miembro que destaca en la agrupación) nos entrega redobles realmente retumbantes y enérgicos como cabe esperarse en cualquier buen tema de rock. En rigor la cosa suena bastante genérica y poco excepcional, pero se nota que el grupo sabía rockear lindo en su época. No querían hacer NADA nuevo ni revolucionario, sino rockear sanamente y sin pompa. No tenían otra pretensión, así que no se les puede pedir más de lo que nos dan ni condenar este álbum por superficial y tonto. ES superficial y tonto, pero ¿A quién le importa? Para quienes gusten del buen rock and roll este disco tiene que resultar atractivo, no veo cómo puede ser de otra forma.

Otro atributo sobresaliente es que las canciones son bastante variadas en estilo: hay algo de incipiente pop-rock directo muy a lo The Police (Refrigerador, Falta Amor, No Me Mires Así, Estoy Agotado), reggae playero y cadencioso (Buscandola, Ma Eo), salsa (Perdido en un Barco), rancheras (Rayando el Sol), baladas acústicas (La Puerta Azul), y hasta bachatas muy a lo Juan Luis Guerra (Soledad).Y a eso hay que agregarle el hecho de que todas las canciones son realmente memorables. Y cuando digo memorables, lo digo en sentido literal; o sea, estas canciones quedan grabadas e impregnadas en la mente casi instantáneamente; son EXCITANTES. Vacuas quizá, superficiales quizá, tontas quizá, pero excitantes y no tan predecibles como uno pensaría. Bueno, no TODAS son realmente memorables.

El disco en sí es realmente entretenido en gran escala. ¿Por dónde empezar? Gitana abre el álbum en gran forma, con una cadencia del mas saleroso flamenco puro que podría igualarse a un tema de los Gypsy Kings y que después mejoraron con el tema Hechicera del disco Sueños Líquidos BAH! yo digo que siempre los mexicanos fueron muy mierderos con su música pero cuando se ponen a interpretar ritmos que no son los suyos… LO HACEN MUY BIEN!. Con respecto al archiconocido Rayando el Sol … será la plantilla para cientos de rancheras horripilantes que más tarde crearía el grupo, pero esta vez la cosa no suena en absoluto desagradable, sí, es la mejor canción del álbum, y no es un capricho: esa melodía inicial es exquisitamente PERFECTA, y la armonía vocal con la que arranca es inesperadamente melódica y exquisita para un rock de estas características tan bestiales. Me encanta el coro de Rayaaando el Soool/deseperacióooon/Es mas fácil llegar al sol que a tu corazóooon Ohhh, ominoso y rockero al mismo tiempo. Puro sentimiento. El hit Perdido En Un Barco tiene todo lo que un buen rocker bailable tiene que tener: El trabajo impecable de la batería de parte de Alex es impecable; los coros repetitivos estilo salsa y los teclados simulando flautas peruanas retumban con gloria, y la letra es pegadiza como el dulce de leche. Esta y Rayando el Sol tienen muy buenos arreglos hechos en el unplugged que grabaron para MTV en 1999 En cuanto a la Puerta Verde… no hay mucho que decir: seguramente se trata de la canción más genérica y común del álbum, pero realmente poco importa porque tiene una letra muy directa que trata sobre la drogadicción.

Del resto de los temas quiero resaltar a el pop rock Estoy Agotado con su trabajo de metales y órgano y Refrigerador con una letra muy graciosa en donde un chico de encuentra a una chica metida en su refrigerador y trata por todos los medios de revivirla tal cual una letra de esos grupos hard rock de los 80.

Realmente me cuesta imaginar que Maná haya superado esta pequeña joyita de diversión intacta. Preparando el camino para el fenómeno de ¿Donde Jugarán los Niños?. En todo caso, me complazco de anunciar que disfruto sin atenuantes esta versión desprejuiciada y realmente rockera de esta banda. Basta con decir que esto suena a gloria y frescura pura en comparación a lo que tanto Soda Stereo como los Prisioneros o los Hombres G estaban haciendo para la época. ¿Un buen disco de rock directo por una buena banda de rock directo? Lo tomo.