INTRODUCCIÓN

Ay. Bueno. Uff. No sé. Caray. Carajo. Mierda. Tomo un respiro muuuuuy profundo, me recuesto pensativo y voy girando sobre mí mismo, tonteando, meditando, retrasando lo más que se pueda el momento. Qué momento. Revisar a Yordano. Quizá les suene exagerado a algunos, pero considero que esto es lo más difícil que me tocará escribir en la página; este es el momento que quería que nunca llegase, que postergué durante tanto tiempo. Pero tenía que llegar. Maldición.

¿Por qué tanto capricho y tanta alharaca? Verán, Giordano Di Marzo Migani  (su nombre de pila) es un artista que ME LIMA LA CABEZA, y no lo digo ni en el buen sentido ni en el malo. Lo digo en un sentido neutro. Siento que es más de lo que puedo absorber, siento que, no importa todo lo que escuche, no puedo formarme una opinión definitiva. A veces escucho a Yordano y pienso: “qué tipo tan genial, que visión, que originalidad, que locura”, y otras veces pienso: “que tremendo inútil bueno para nada”. A veces creo que estoy ante la  maxima expresión de la mal llamada música urbana que surgió a comienzos de los 80s, otras veces tengo ganas de agarrar todos sus discos, pisotearlos y echarlos a la hoguera. Soy, para decirlo de alguna manera, la arena donde deliberan en pequeña escala el amor y el odio apasionado que el público general expresa con respecto a este singular artista. Porque es así: a Yordano se lo ama con locura o se lo odia con simétrica pasión. Como que no hay término medio. Ni siquiera yo soy el término medio; por momentos los amo con locura, y por momentos simplemente no puedo soportarlo. Este maldito artista me vuelve ESQUIZOFRÉNICO.

La sensación que hasta ahora he exprimentado con Yordano es la de una tremenda FRUSTRACIÓN. Es como si de pronto me mojaran la oreja con pequeños mordiscos de sublime calidad; ahí me restriego las manos y pienso “Waw! esto va a estar bueno”, pero después el tipejo dispara para cualquier lado inesperado, dejándome exhausto, desorientado, con la sensación de que no he recibido todo lo que mi organismo necesita y que en su lugar me han vendido una sarta de delirios increíblemente rebuscados sin punto de partida ni de llegada. La música de Yordano es enfermiza, caótica, desordenada. No sé, simplemente no sé.

El problema de Yordano radica en sus LETRAS, muchos detractores sostienen que tras sus exquisitas canciones (Que en su mayoría hablan del desamor) son en realidad SÓRDIDAS HISTORIAS DE PROSTITUTAS, HOTELES DE CARRETERA Y BARES DE MALA MUERTE aunado a apologías misoginisticas  en que Yordano desprecia  a las mujeres tratándolas como simples objetos sexuales o  juegos de una noche (Así que no crean que los interpretes de reggaetón como Daddy Yankee  o Tego Calderón fueron los pioneros); es increíble que muchos no hayan entendido las historias de Perla Negra, Chatarra de Amor  o Manantial de Corazón interpretándolas como canciones de despecho cuando en realidad son relatos sucedidos en la calles de Caracas o de Nueva York  en un fin de semana a las 3 de la mañana protagonizados por personajes trasnochados (No entiendo como canciones de este tipejo tuvieran rotación regular en la radio en los tempraneros 80 junto a colegas mas light como Franco de Vita o Ilan Chester).

Es el concepto de lo que yo siempre llamo poesía barata de baño de orilla de carretera, esa música que me provoca decir: “Bien, maravilloso, que profundidad de canción, pero…  No puedes usar un lenguaje mas culto para la próxima vez???”  En realidad, hay muchas líricas de Yordano que son interesantes en serio (no son Ricardo Arjona, por suerte), pero también hay muchas, demasiadas, en los cuales parece que lo único que quiere es irse al carajo con la decencia escandalizando al oyente con sus escatológicas historias con mujeres de la mala vida

Pero me detendré porque ya estoy dando una imagen negativa del consabido artista cuando en realidad me gusta, cuando en realidad disfruto sus mejores discos como cualquier otro. Solo quería decir que con demasiada frecuencia sus crudas letras me hacen a veces sentir que se revuelve mi estómago, en lo musical Yordano es ALTAMENTE CREATIVO, en su infancia escuchaba escuchaba blues, jazz, boleros y danzones y música romántica italiana (Romano de nacimiento, llegó a Venezuela siendo aún niño) y luego en su adolescencia y juventud empezó a oír grupos como The Beatles, The Rolling Stones, The Who y The Doors, etc.  Así como música antillana como la Fania All Stars, Willie Colón, Hector Lavoe, Ruben Blades, etc. Y música de autor como Joan Manuel Serrat, Silvio Rodríguez y Pablo Milanés. Absorbiendo como esponja todas esas influencias y gustos musicales y junto a su hermanito Evio Di Marzo (que luego pasaría a liderar Adrenalina Caribe) crearon Sietecueros en plena década de los 70, mezclando rock, electrónica, blues, salsa, etc… Que al grabar su disco Rojo Sangre en 1978 la agrupación se disuelve y Jordán con aún ganas de hacer música, junto con unos músicos amigos hace Negocios son Negocios en 1982 sin pena, ni gloria, tras unos años y la ayuda de una naciente empresa que buscaba talentos musicales graba Yordano en 1984, en que todas las canciones de este trabajo sonaron hasta el cansancio en las emisoras de radio en Venezuela, dos años después Jugando Conmigo cimenta su  exito todavía más;  primero con un concierto en el Poliedro de Caracas junto  con su colega Ilan Chester  y luego solo completamente en el mismo sitio causando un furor sin precedentes (Entradas agotadas, trancas en las zonas adyacentes al Poliedro y chorradas de reportajes de prensa) y por ultimo Lunas en 1988  (Modestia aparte, cabe decir que la cuestión de la luna y la noche son la inspiración frecuente en las canciones de Yordano)  culminando una trilogía. Con la llegada de los 90, Yordano sale a la luz e inaugura un período mas alegre a su música (que fue muy criticada por sus coqueteos comerciales)  en que aparecen Finales de Siglo y De Sol a Sol (En que este disco podríamos resumirlo con Por Estas Calles) después de eso volvió a lo underground con Sabor de Cayena, Fiebre y un doble directo Noches de Luna que lo volvió a la notoriedad por un breve tiempo. En pleno milenio Un discos de versiones de viejos temas de son cubano (Que Lindas Son) y Secretos de la Noche pasan por debajo de la mesa hasta con el El Deseo de 2008 le retomó al estrellato que siempre este deseaba.

Y como es Yordano y nada más, el amor o el odio por este artista pasa por una cuestión de estilo. De si te gusta o no te gusta el estilo. Personalmente me gusta, pero no llego a SENTIRLO al 100%. Me fascina a veces, me aburre a veces. Es así, es una cuestión de piel. Puedo intentar desmenuzarlo, analizarlo parte por parte, pero eventualmente no le voy a poder negar JAMAS al fan de Yordano que su música no es EXCELENTE (cosa que sí le podría negar al fan de Arjona, por lo menos con mayor convicción) como no le voy a poder negar al escéptico que Yordano es una pérdida de tiempo. El caso de Yordano es tan aberrante, tan diferente, que es difícil medirlo con la misma vara que se mide a otros solistas. Algo así como ocurre con Melissa; es como que tienen su propio universo de las cosas, un universo que no tiene ningún correlato en el resto de aquellos músicos que surgieron a principios de los 80.

 NEGOCIOS SON NEGOCIOS (GIORDANO) – 1982

“Dame un cuchillo para cortar el aire y besarte, si me siento pesado es por el plomo que llevo en la sangre”

1) Negocios Son Negocios, 2) Vivir En Caracas, 3) Triste Historia (Caballos Salvajes), 4) Pasapoga, 5) Perla Negra, 6) Guerrero De La Noche, 7) Días De Junio (Repaso), 8 ) Prueba De Fuego, 9) Inconclusa.

Mejor Tema: (Triste Historia) Caballos Salvajes [El original que mejor he escuchado]

He aquí el verdadero primer disco de este artista (Firmado bajo el nombre de Giordano, su nombre de pila, luego le agregó la Y al comienzo de su nombre sustituyendo al vocablo Gi en el disco siguiente para que fuera mas comprensible, porque así se escribía como se pronunciaba) este trabajo es en realidad la mitad de sus canciones son las versiones en bruto de algunos de sus  temas mas exitosos (Perla Negra, Días de Junio, Vivir En Caracas, Triste Historia, Prueba de Fuego, que luego serían rearregladas y regrabadas en sus trabajos posteriores) y la otra son temas inéditos.

Tras el final de Sietecueros, Yordi tenía aún ganas de seguir explorando con la música, así que que con la ayuda de Jorge Spiteri reclutó algunos músicos amigos y graban este disco.

Musicalmente es un disco hecho a las apuradas. Llegaron al estudio con unos pocos demos y el resto de los temas fueron montandolos en el estudio a base de jams o improvisaciones  (La mayoría de los temas no pasan de los 2 minutos y medio).

Pero pesar de todo esto, Negocios son… nos acerca aun Yordano bastante anticomercial,  desprejuiciado y también muy rockero (Cosa que no se verá en los siguientes trabajos).

No ha nada mejor que empezar con las canciones inéditas:  La pista titular abre el disco con un salsa estilo Willie Colon una letra que trata cerca de la separación de las parejas -metaforizandola con la cuestión de los bienes-raíces- Negocios son negocios/aunque duela el corazón/en mi cuenta corriente no hay lugar para el amor/pase por caja que lo vamos a liquidar; Pasapoga es una especie de bolero-jazz en Yordi narra una historia de un actor chapado a la antigua dialogando con su novia sin saber que perdería el dinero por jugar mientras un gigoló fuma un cigarrillo mientras su pareja llora porque el no lo quiere si era su muñeca;  Guerrero de la Noche es un jazz-rock hablando acerce de unos de sos personajes nocturnos que siempre están en la calle a las 3 de la mañana haciendo quien sabe algunas cosas; y para terminar está la Inconclusa: una balada acústica con violines sintetizados cuya letra habla de una relación de dos amantes (es la mas corta del disco, dura solo 2:10 minutos, muy anticomercial).

De las versiones originales podemos hablar de: Vivir En Caracas, una épica acerca de vivir en la ciudad donde yo vivo que comienza con una guitarra acústica muy calmadamente  hasta que hacia la mitad se oye un sonido de sintetizador y se vuelve bastante movida; Triste Historia es una magnus-opus con su intro de órgano asesina y sus violines incidentales; Perla Negra es un blues rock muy apretadito con su intro de bajo y la voz con efecto de eco y su final de congas; Días de Junio suena bastante también rústica aquí con sus arreglos de jazz; Prueba de Fuego es una piano-balada con arreglos de trompeta narrando una pelea callejera (Sí, soy bastante escueto describiendo estas canciones, pero seré mas extenso cuando las describa en sus posteriores trabajos mas exitosos, aunque confieso que me gustan mas de las versiones que salieron exitosamente después).

En fin de cuentas un disco que pasó sin pena, ni gloria en los anaqueles, pero sin duda es un buen trabajo para conocer a Jordán en su faceta mas artística y desprejuiciada , preparando el terreno para algo mejor.

YORDANO – 1984

“El suelo esta cubierto de botellas, de ilusiones que rondaron con la noche…”

1) Bailando tan Cerca, 2) Aquel Lugar Secreto, 3) Algo Bueno Tiene Que Pasar, 4) No Queda Nada, 5) Otra Cara Bonita, 6) Hoy Vamos a Salir, 7) Manantial de Corazón, 8 ) No Voy a Mover Un Dedo, 9) Ella Se Fue, 10) Chatarra de Amor.

Mejor Tema: Todos sin excepción, en especial Manantial de Corazón

La historia detrás de la grabación de este disco es muy peculiar; tras el fracaso que fue Negocios son Negocios Yordano se une al músico Ezequiel Serrano con la idea de una banda de apoyo para matar tigres (La Sección Rítmica de Caracas) el hermano de este ultimo (Alvaro Serrano) trabajaba en una empresa que buscaba nuevos talentos para la música (Fonotalento) y ya tenía a Ilan Chester y a Daiquirí  en sus filas y al oír las cintas que Ezequiel Serrano le pasaba de su banda, se quedó sorprendido por las líricas de Yordano que hizo firmarlos para la susodicha empresa con la condición de que la producción estuviese firmada por Yordano.

Musicalmente Yordano 1984 es un trabajo oscuro, pesadón, poco amigable;  con solo algunos puntos de luz (Bailando Tan Cerca, Hoy Vamos a Salir, Otra Cara Bonita, Algo Bueno tiene Que Pasar)  aquí el rock mas estridente, el blues mas tristón, la salsa mas arrabalera y el pop mas comerciable  convergen juntos en este trabajo (Aunque la música aquí es mas pulida y cuidada con respecto a su trabajo predecesor). Modestia aparte, si Yordano esta acreditado como escritor y compositor de todos los temas que están aquí, el verdadero talento lo tiene La Sección Rítmica de Caracas (la banda de apoyo que acompañaría Yordano hasta su disco Lunas) .

No hay mejor forma para comenzar con  Bailando tan Cerca (Cuya melodía fue inspiración para el tema Fantasía de Franco de Vita) abre el disco con una especie de melodía incalsificable (Una salsa mezclada con musica disco) en que Yordano narra de manera pseudo-poética la historia de un músico (La banda sonaba con fuerza, la fiesta empezaba/Al borde del cielo la noche y el día se daban un beso de fuego/Dándole paso a luna, plateando camino en el mar…) que esta enamorado de una muchacha que baila en una fiesta nocturna en donde este ultimo tocaba (Yo hacia mi trabajo de siempre, tocaba y cantaba/Y tú apareciste hablando y sonriendo/Con todos tenias un juego/Derrochando encantos/ robando miradas brillaba sin par…) y enloquece de celos cuando lo ve bailando muy pegado con otro chico cuya situación se refleja en coro (Mi pecho latía más fuerte que nunca/Crei que lo oirías, crei que moria/Al verte con el/Bailando, tan cerca/Bailando, tan cerca/Bailando, tan cerca/Bailando, tan cerca…) y la situación se repite una y otra vez hasta que la canción se desvanece; Aquel Lugar Secreto es otro tema hiperconocido: es (musicalmente hablando) una balada acústica melancólica con una atmósfera de inspiración cuya lírica evoca a alguna añoranza implícita (algo tan característico de Yordano).

Después de semejante letargo sonoro aparece la movidita Algo Bueno Tiene Que Pasar (Uno de los pocos temas alegres de este disco tan oscuro) con una letra muy optimista y su arreglo de bongos y flautas; volvemos a la melancolía con la continuación de Aquel Lugar… con No Queda Nada mas movida aunque mantiene la melancolía de la anterior canción (Es memorable su coro de Solo noches de estrellas en playas desiertas contigo/Mil susurros de arena que se desvanecen conmigo/Y esperare a que deje de llover/Para mirarte a los ojos otra vez /Y perderme en tus brazos para siempre/En mi vida sin tu vida no queda nada) en el puente musical aparece un inolvidable solo de guitarra de esos que no se olvidan nunca; Otra Cara Bonita es otro tema que le pone la alegría al disco, musicalmente es un reggae-rock muy a lo Police con ciertos arreglos de percusión antillana, la letra de esta canción muy graciosa (Es una especie de trabalenguas en que Yordano se lamenta de que una chica que lo rechaza solo por tener un rostro bonito y no tener ni cerebro ni corazón, en otras palabras un muñequito de torta); Hoy Vamos a Salir es el tema romántico por excelencia de este disco con una lírica en que Yordano invita a una chica muy implícitamente (Hoy vamos a salir/Voy a llevarte a cenar/y si estas junto a mi que me importa el lugar/hoy voy hacerme feliz voy a quedarme contigo/para hacerte el amor hasta que salga el sol/Hoy voy hacer un hombre mejor voy a entregarte todo el amor que llevo dentro de mi/Y voy a ponerme mi mejor camisa/Y que tu falda se lleve la brisa/Voy a vestirme de sonrisas/Solo para ti).

Llegamos a una MAGNUS OPUS de este trabajo: Manantial de Corazón, con una letra digna de una tesis universitaria, cada vez que la oigo ya siento que me transporto a uno de esos sitios de mala muerte con personajes trasnochados amargados y deprimidos (El suelo esta cubierto de botellas/De ilusiones que rondaron con la noche/en la boca un sabor amargo me recuerda/Las mentiras que dijimos en los cuentos que creímos/me fumo un cigarrillo ya sin ganas/Me miro en el espejo y veo a un hombre joven/cuando en realidad me siento como de 100 años/Y la noche no termina cuando el alma la ilumina/y la noche no se acaba con el sol de la mañana) cuyo final siempre es trágico (colo lo reflejaba su grandilocuente videoclip) musicalmente es una especie de blues-bolero-salsa con arreglos pop.

No Voy a Mover Un Dedo, fue un tema originalmente grabado por Guillermo Dávila en 1983 para su disco Un Poco de Amor con arreglos  de rockpop 80tero, aquí la rescata en estilo de bolero-pop, es un especie de crítica en contra de una mujer pretenciosa (sifrina); Ella Se Fue es un tema con una letra 100% oscura con arreglo de sordinas; Chatarra de Amor  cierra el disco con una lírica digna para una tesis universitaria: Aquí narra al principio en tercera persona la historia  de un hombre casado y de buena posición que pretende sacar a una prostituta de donde se encontraba pero que no soportaba sus historias y la abandona,  musicalmente es una especie de calipso.

En fin, lo que quiero que quede claro es que el  autotitulado  de Yordano me ENCANTA. Si eso quedó claro, estoy felizl. Es uno de los discos CAPITALES del cantante. De hecho, estoy tentado a decir que si bien no es el álbum de Yordano que más me impresiona, sí es el que más disfruto. Poco después Yordi continuará su ascenso hacia nubes más pretenciosas y rebuscadas aún, pero les aseguro que la frescura natural que destila en este disco, ya no volverá. Si te gustan las historias escatologicas de prostitutas, sitios de mala muerte, personajes tranochados, y noches locas de depresión y soledad humana, de seguro este será tu disco de cabecera; si esto no es lo tuyo NI LO PIENSES!!! Advertido desde ya…

JUGANDO CONMIGO – 1986

“Noche de luna llena, la hora es la del puñal…”

1) Muñeca de Lujo, 2) Días de Junio, 3) Lejos, 4) Sin Quererlo, 5) Triste Historia, 6) Con Ella No Hay Salida Fácil, 7) Aqui Viene La Noche, 8 ) Perla Negra, 9) Otra Madrugada 10) Hablame de Amor 11) A Flor de Piel*, 12) Vivir En Caracas*

*Bonus Tracks

Mejor Tema: Perla Negra

Después del boom del 1×1 causado por el Viernes Negro de 1983, cualquier cosa era música urbana: Franco estaba triunfando con su Fantasía, Colina con su Sampler e Ilan con Solo Faltas Tú.  Solo Yordano faltaba en ese banquete, todavía estaba paralizado por el éxito de su disco homónimo y se las veía negras para hacer un trabajo que superara las expectativas del anterior pero sin embargo lo consiguió.

Aquí Yordano se consagra como un artista capaz de llenar escenarios  (Antes de lanzar oficialmente Jugando… hizo extensas giras y presentaciones para promocionarlo por sitios tan reconocidos como: El estudio Mata de Coco, el Teatro Teresa Carreño y el Poliedro de Caracas… Sobre todo el Poliedro… Primero con su colega Ilan Chester y luego solo creando un fenómeno único en su clase [Esos días se reflejan en la grandilocuente portada del disco, en que aparece durante una presentación en vivo sosteniendo el micrófono como queriendo tener una actitud desafiante con el público y con las piernas abiertas en forma de V invertida, la clásica pose que le acompañará por el resto de su carrera]).

CONTINUARÁ…

INTRODUCCIÓN

Guillermo José Dávila Ruiz… Ah sí… El carajo ese que cantaba MAMITAAAA AABREEMEEE LA PUERTAAAA!!!, el que es conocido como El ídolo de alguna??? generación… O mas bien conocido por su rol de Nacho, el musiquito de humilde procedencia que intentaba cortejar a la cándida niña de la alta sociedad Ligia Elena y que siempre se presentaba en hoy infame Sábado Sensacional en aquellos 80s…

Bueno, dejemonos de reflexiones absurdas y vayamos al grano este venezolano polifacético (actor de teatro, cine y tv; cantante, músico y compositor a medias; y ahora empresario teatral) es todo un fenómeno único en los 80 entre los cantautores de linea dura del 1×1 (Franco de Vita, Yordano, Ilan Chester, Oscar Jesús Colina) y los interpretes de música tropical (Oscar D’ Leon, Andy Montañez, Wilfrido Vargas) él nunca quiso ser crítico como Franco, ni ser sabrosón como Oscar, solo quería seducir a chicas lindas con baladas sentimentales, temas medio tiempo moviditos o rocanroles a lo Elvis Presley.

Cantaba y actuaba desde niño, su primer gran éxito lo logró con el polémico musical Gospell de 1972 y luego con el musical Evita de 1981, la fama le llegó con la novela Ligia Elena en 1982 y ahí -paralelamente- comenzó su altibaja carrera discográfica.

Yendonos a lo musical lo dividiríamos por 6 etapas: La etapa mas exitosa pop-romaticona-sencilla de los grandes conciertos que inició con su debut autotitulado  de 1982 hasta Cantaré para Tí de 1985 que termina viviendo en Puerto Rico 3 años para hacer algunas novelas y hacer presentaciones en vivo teniendo fama allá; su regreso a Venezuela en 1988 con el disco titulado sencillamente Guillermo Dávila 5 a mano de su colega Rudy La Scala y temas sexualmente explícitos; la grabación de sus single -tan amados, como odiados- Mamita, Ábreme la Puerta que marcaba el nuevo estilo del cantante y Tesoro Mío (a dúo con Kiara) y un disco que siguió la onda del single …Abreme la Puerta (Tuyo); un período totalmente oscuro con Por Amarte Tanto en 1992 y (tras un silencio discográfico de 6 años, en el que prosiguió su actividad televisiva) resurgió como el Ave Fenix con Días de Pasión en el que se concentró en solo ser el Guillermo de siempre y no dejarse llevar por la moda de la época.

Algo que debo resaltar aquí es que Guillermo fue conocido con el mote de El Ídolo de una Generación pero me doy cuenta que sus canciones resisten el paso del tiempo que pueden ser tan reconocidas por una chamita de 15 años, como una doñita de 70 años y por eso digo que Guillermo Dávila no es el ídolo de una, sino de varias generaciones.

Guillermo (Junto a Melissa, y en menor grado a Jorge Aguilar) representaron a una generación de cantantes que no encajaban en un público fijo  (Demasiado emapalgosos para los liberales  y estrambóticos para los conservadores) marcaron un estilo y una tendencia en los 80 y a pesar de parecer productos, lucharon para no ser eso.

El Blog-Health-o-Meter™ indica: Wow.

Números crujientes

Un barco de contenedores puede llevar a unos 4.500 contenedores. Este blog fue visto cerca de 16,000 veces en 2010. Si cada cada visita fuera un contenedor, tu blog llenaria 4 barcos.

En 2010, publicaste 3 entradas nueva, haciendo crecer el arquivo para 21 entradas. Subiste 17 imágenes, ocupando un total de 828kb. Eso es alrededor de una imagen por mes.

Tu día más ocupado del año fue el 1 de diciembre con 84 visitas. La entrada más popular de ese día fue Vainas Sueltas 1990-1999.

¿De dónde vienen?

Los sitios de referencia más populares en 2010 fueran search.conduit.com, facebook.com, google.co.ve, searchqu.com y google.com.ar.

Algunos visitantes buscan tu blog, sobre todo por mecano aidalai, dante spinetta, andres bobe, illya kuryaki and the valderramas y critica de discos.

Lugares de interés en 2010

Estas son las entradas y páginas con más visitas en 2010.

Vainas Sueltas 1990-1999 junio, 2007
12 comentários

Soda Stereo noviembre, 2007
79 comentários y 1 “Me gusta” en WordPress.com,

Vainas Sueltas 1980-1989 mayo, 2007
7 comentários

Franco de Vita marzo, 2007
40 comentários

Mecano abril, 2007
11 comentários

FORMACIÓN

Saúl Hernández 1987-1995, voz y guitarra
Alfonso André 1987-1995, batería y percusiones
Diego Herrera 1987-1993, teclados, saxofón y jarana
Salvador Sabo Romo 1987-1993, bajo y guitarra acústica
Alejandro Marcovich 1989-1995, guitarra y requinto jarocho

Introducción

En el mundo del rock mexicano (Y la música de ese país en general) siempre ha carecido de grandes héroes. Los buenos siempre se quedan en un rincón cantando y tocando teniendo apenas un pequeño reconocimiento de la crítica musical, mientras que los malos de la partida hacen giras monumentales, llenan tabloides en la prensa y son reconocidos hasta por la negrita que vende empanadas en la esquina de mi casa, y otros. Los buenos-malos que conservan cierto encanto undergroun, pero son reconocidos y respetados por la crítica musical,  la gente y la prensa.

Un caso representativo de esta ultima afirmación son los Caifanes, una banda de rock mexicana, que la crítica musical los califica como Los grandes representantes del rock mexicano, cosa que es muy cierta, pero que son opacados por bandas como los infaustos de Maná (Sus máximos rivales y competidores y los mas reconocidos por el mundo entero)  o los experimentales de Café Tacvba. Formados en 1987, Los Caifanes (Tomado del título de una película de 1966 del mismo nombre), fueron el resultado de la disolución del grupo Las Insólitas Imágenes de Aurora, en donde militaban Saúl Hernandez, Salvador Sabo Romo y Alfonso André, todos ellos provenientes de colonias (Como se le dice en México a las zonas donde vive gente de clase humilde). Motivados en a raíz del boom del Rock en tu idioma surgido a mediados de los 80 y en parte a Soda Stereo (Su líder Gustavo Cerati tocó la guitarra en la canción La Bestia Humana grabada en el primer disco de ellos), se hicieron un nombre en la historia del rock en español, mexicano y la música de ese país en general, generándose un status de culto entre sus seguidores desembocando luego en algo mas accesible y pop llamado Jaguares.

Musicalmente, Los Caifanes son como una especie de viaje de ácido a la época de Cuauhtémoc, o una psicodélica invitación  a una fiesta tradicional mexicana como El Día de Todos los Muertos. En dos platos, Caifanes fusionó el rock gótico y dark que hacían grupos como The Cure, Joy Division y Bauhaus con la música tradicional mexicana (Rancheras, son jarocho, jaranas, boleros, etc [Cosa que  llegó a su máxima sonoridad en el tercer disco de la banda, titulado El Silencio, desconocido para la mayoría de la gente, pero considerado la obra maestra por sus seguidores]), con la poesía mística de corte indigenista de Saúl Hernandez que nos transporta a las lejanas tierras aztecas, cosa que que los reafirma como grandes representantes de la cultura mexicana (En su época, la popularidad de este grupo era tan grande que hicieron que la prensa se fijara en otros grupos de rock de mas trayectoria como El Tri y unos noveles Maná). En su corta carrera, Caifanes grabó un total de 4 discos de estudio: Caifanes: Volumen I, Volumen II (Rebautizados luego como Matenme Porque Me Muero y El Diablito respectivamente), El Silencio (Considerado por sus férreos seguidores como la obra maestra del grupo, pero desconocido para la mayoría de la gente) y El Nervio del Volcán (El trabajo mas pop de la banda) después de grabar este disco hay marcadas diferencias personales y musicales entre Saúl Hernandez y el guitarrista Alejandro Markovich y cuando Saúl aprovecha para recuperarse de unos nódulos que se le formaron en sus cuerdas vocales, Alejandro compra los derechos legales del nombre de la banda, causando su pronta disolución en 1995. Saúl y Alfonso André reagrupan a la banda bajo el nombre de Jaguares con un estilo mas accesible y pop ese mismo año que no ha tenido el impacto musical y cultural de Caifanes, manteniendo una actividad ininterrumpida que ya lleva 6 discos.

Saúl Hernandez (Líder de la banda) es todo un personaje peculiar en el ámbito del rock y la música mexicana en general. La obsesión con la muerte que tanto plasma en sus letras y lo lúgubre de sus melodías viene de la temprana muerte de su madre fusionandolo con el sentir popular de la música mexican (Debido a que venía de una humilde cuna) sello particular del a banda.

Ahora ¿Como conocí yo a estos excéntricos mexicanos? Pues… verán… En el período de 1989-90 sonaba hasta el cansancio en las radios de mi país (Venezuela) un tema llamado La Negra Tomasa y me llamaba la atención por su estructura musical latina y pachangosa, pero a la vez lúgubre y dark y me doy cuenta que la interpretaban estos simpáticos mexicanos (Esta canción era en realidad un cover de un son de Cuba de los años 40 compuesto por el músico de ese mismo país llamado Guillermo Rodríguez Fiffe, que interpretaban a modo de joda y nunca salió publicada en el primer tiraje de su disco debut de 1988) llegando hasta el punto de presentarse en el hoy devaluado Sábado Sensacional en donde tocaron frente a un público repleto de Yuleysys y Miyeysys que al verlos con sus vestimentas tan dark y su música tan pegajosa batieron palmas al ritmo de la canción, siendo aquel el espectáculo mas bizarro de ese día (Antecediendo a los proximos mas grotescos y bizarros todavía que hará el programa mas adelante).

Aunque el rock mexicano siempre me produzca una alergia anticuerpos (Mis oídos no pueden percibir ningún tipo de música proveniente de ese país porque automáticamente la rechazan). Estos cuates (Como otras excepciones con  el rock venido de la patria de Cuauhtémoc) siempre tendrán un lugar especial guardado en mi corazón.

CAIFANES (VOLUMEN I: MATENME PORQUE ME MUERO) – 1988

“Cuando me muera y me tengan que enterrar, quiero que sea con dulces y no con piedras…”

1) Mátenme porque me muero, 2)Te estoy mirando, 3) La negra Tomasa, 4)Cuéntame tu vida, 5)¿Será por eso? 6) Viento , 7) Nunca me voy a transformar en ti, 8 ) Perdí mi ojo de venado, 9)Amanece, 10) La bestia humana, 11) Nada.

Mejores Temas: Matenme Porque me Muero, Viento y la Negra Tomasa (Sí ¿Algun problema con eso?)

Eran los tiempos lejanos y plásticos de 1987: Saúl, Alfonso, Sabo y Diego rondaban los circuitos under de México bajo el nombre de los Caifanes tocando temas propios y ajenos bajo el estilo de bandas dark como The Cure, Joy Division, Siouxsie & The Banshees y Bauhaus. En un día de esos, intentaron tocar en las puertas de la disquera transnacional CBS (Hoy Sony Music) solicitando una audición para que los firmaran, pero el ejecutivo que lo atendió, los calificó de homosexuales debido a los atuendos que llevaban (En sus inicios se vestían mucho al estilo de The Cure: con trajes oscuros, peinados tipo nido de pajaro y delineador negro en los ojos, tan usado actualmente por los emos, cosa que se refleja en la portada), pero lo convencieron para que éste los viera en una presentación y el ejecutivo se quedó fascinado por su performance que los firmó de inmediato para la realización de este disco.

El sonido de este disco dista mucho de lo que serían sus próximos trabajos. Todavía arrastraban el sonido darkie de sus inicios, pero ya se notaba el ingenio en las letras de las canciones, como se puede ver en Matenme porque Me Muero, una de las magnus opus de este trabajo que mantiene una letra muy controvertida que trata el suicidio (Matenme porque me muero/matenme porque no puedo), la depresión (Esta enfermedad es incurable/Esta enfermedad ni con un valium) y la muerte (Cuando me muera y me tengan que enterrar/Quiero que sea con una de tus fotografías/Cuando me muera y me tengan que enterrar/Quiero que sea con dulces y no con piedras) de manera muy disfrazada y una melodía algo movida de teclados como simulando flautas peruans contrasta con la tristeza de la letra como intentado explicar El Día de Todos los Muertos, hacia el final de la canción unos teclados lúgubres hacen su aparición para terminar con un feedback de guitarra simulando la muerte abrupta. Te Estoy Mirando tiene un estilo de batería que recuerda al tema del la Persiana Americana de Soda Stereo.

La Negra Tomasa (El único cover y con arreglos 100% pop y latinos de este disco), hay una historia muy peculiar detras de él, Saúl y sus compinches interpretaban este tema al final de sus presentaciones, pero cuando grabaron este disco nunca la incluyeron, para cuando sonó esta canción lanzaron un nuevo tiraje de discos incluyéndola. En Venezuela se vendío esta edición de 1990, musicalmente es una cumbia con arreglos de rock 80tero comenzando con siniestro solo guitarero (Memorables sus coros de Ay ay ay/esa negra linda que me  tiene loco/que me  come poquito a pocooooo), el tema al minuto 3 se convierte en un jam de jazz instrumental.

Cuéntame tu Vida inicia con una lúgubre pared de teclados y Saúl cantando de manera quejumbrosa que se va a morir y lo ve todo oscuro y le pide a su amigo que lo acompaña que le cuente su vida como metaforizando al suicidio. ¿Será Por Eso? es otra metaforización acerca de la locura en que Saúl narra la vida de estar encerrado en un manicomio y todo lo que implica estar allí (Será por eso que no me dejan salir/será por eso que me dan electroshocks).

Viento es otro temazo del disco: Una guitarra a lo The Cure puntea atmosféricamente comenzando y de pronto se convierte un pop-rock (pero sin perder su sombriedad) Saúl entra cantando Préstame tu peine/y peiname el alma como metaforizando el amor y la muerte y sigue hasta llegar al coro con Saúl cantando con mucho sentimiento Viento/amarranos/Tiempo/detente muchos años no puedo dejar que se me erize la piel por esta brillante canción que resume todo el estilo de la banda, cada vez que lo escucho, me doy cuenta que hasta los temas mas oscuros de Soda Stereo son payasescos.

Hacia la segunda mitad del disco todo se pone algo happy. Nunca me voy a Transformar en Tí es un tema con arreglos muy a lo The Police con un solo de bongó al final. Perdí Mi Ojo de Venado nunca fue incluida en el acetato (Tanto en la primera como la segunda edición), era el Lado B del EP. donde estaba La Negra Tomasa, pero cuando sacaron este disco en formato CD en 1993 la metieron, es otro reggae a lo Police con una letra aludiendo a lo esotérico y a la hechicería (Perdi mi Ojo de Venado/Doña Macabra está aquí/Hazme una limpia por favor/despojame de todo mal carnal). Amanence retoma la vena oscura del disco con un teclado atmosférico y un rock pop aceleradísimo con la alusión a la muerte (Muerto me tendrán que cargar). La Bestia Humana es 100% Soda Stereo en su etapa de Signos en donde tras una explosión de teclados aparece punteando una guitara tocada nada mas y nada menos por… Gustavo Cerati. Nada cierra el disco con una sutil y melancólica melodía.

Aquí Saúl & cía rockearon como nunca lo harán más en sus siguientes trabajos.

CAIFANES (VOLUMEN II: EL DIABLITO) – 1990

“Hay perros que no ladran, pero te lamen los huesos…”

1) Detrás de ti , 2) Antes de que nos olviden, 3) La vida no es eterna, 4) De noche todos los gatos son pardos, 5) Sombras en tiempos perdidos, 6) El negro cósmico, 7) La celula que explota, 8 ) Aquí no pasa nada, 9) Los Dioses Ocultos, 10) El elefante, 11) Amárrate a una escoba y vuela lejos.

Mejor tema: La Célula que Explota

Musicalmente aquí las cosas ya empezaron a tomar su carril. Saúl & cía dejan atrás los homenajes a The Cure y a la música cubana de su primer disco y se abren a su propia identidad musical.

Y parte de eso fue la integración del guitarrista Alejandro Markovich, un viejo conocido de Saúl y Alfonso de cuando tocaban en Las Insólitas… se vino a integrar a la banda dándole el toque latino que esta necesitaba (Abandonándola 5 años después en medio de discusiones y peleas llevándose el nombre de la banda consigo).

Detras de Tí abre el disco con un memorable riff, Saúl canta como enojadisimo como reclamándole a su novia que no la seguirá detrás de ella mas como un perro infeliz (Memorable es la sección de coros donde Sául grita a todo pulmón YA NO, NO, NO, NO, NOOO!), es un rock duro santanesco hecho precisamente para sonar en las emisoras FM con su potente pero pegajoso ritmo. Antes que nos olviden retoma la vena melancólica de Matenme porque me muero aunque mas desdramatizada terminando con un supirable Amen!... La Vida No Es Eterna (Un track que no apareció el acetato) tiene un hipnótico acorde guitarrero que durará en toda la canción. De Noche Todos Los Gatos Son Pardos es uno de los temas memorables del disco; el título sacado de un refrán popular en donde Saúl declama que algunos perros no ladran, pero que te lamen los huesos, que los gatos maúllan hasta exprimir su vientre en un melodía bastante acelerada hasta que en un punto todo se calma y Saúl corea tranquilamente “De Noche todos los gatos son pardos/Pardo me duermo/pardo te sueño…”. Sombras en Tiempos Perdidos es otra balada del estilo de Matenme… muy letárgica con sus coros de Ooooohhh… El Negro Cósmico (Nada que ver con La Negra Tomasa) es como una crítica en contra de la Iglesia Católica “Estoy perdido entre las misas de María/En una doctrina que no entiende libertades…” con un lírica muy metafísica. que se complementa con un feroz hard rock.

La Célula que Explota es la vedette de este disco con su innovador arreglo de mariachi con trompeta y guitarrón, es una de las canciones mas representativas de la banda que los definirá por el resto de su corta carrera, es una ranchera-rock que sin ser melodrámática, ni exagerada evoca un millón de sentimientos, Maná agarró parte de los arreglos de esta canción para su aclamado tema Rayando el Sol.

Aquí No pasa Nada es otra melancólica balada que destaca con su punteo sublime de guitarra y su letra en que se menciona una tierra de ciegos mientras que el tuerto está en el cielo. Los Dioses Ocultos empieza con un memorable redoble de tambor africano y Saúl declamando que no se puede arrastrar a gatas como los locos, ni aúllarlo todo como los lobos hasta lanzarse a lo alto y luego buscar un olvido. El Elefante es uno de los temas curiosos del discos en donde comienza un riff simulando el barritar de ese animal y luego tras desembocar en un sonido de cuerdas incidentales Saúl empieza contando una historia de que habló con un elefante de mucha sabiduría, la melodía crece en cuerdas y explosivos riffs hasta que en un punto todo se silencia y Saul dice muy calmado “Bajó su trompa y se echó al suelo…” es uno de los temas mas simpáticos de este disco.

Amárrate a un Escoba y Vuela Lejos cierra el disco con un set de percusiones hipnóticas en donde Saúl susurra en verso libre que no importaba la vida de un delfín nadando en un siglo en su pecera o saber si era rata con solo dar beso a un espejo a saber a donde estaban las brujas amrandose a una escoba y volar lejos terminando con una melodía new-age.

El Diablito sería (literalmente comparando) el Nada Personal (De Soda Stereo) de los Caifanes en donde encontraron su identidad sonora, si quieres saber cual fue el Signos de ellos solo pasen al siguiente disco.

EL SILENCIO – 1992

“No dejes que… Nos coma el diablo amor, que se trague tu calor, que eructe mi dolor…”

1) Metamorfeame, 2) Nubes, 3) Piedra, 4) Tortuga, 5) Nos vamos juntos 6) No dejes que… 7) Hasta morir, 8 ) Debajo de tu piel 9) Estas dormida, 10) Miércoles de ceniza, 11) El comunicador, 12) Para que no digas que no pienso en ti, 13) Vamos a hacer un silencio, 14) Mariquita (bonus track).

Mejor Tema: No Dejes Que…

Desconocido para la mayoría de los oyentes del rock en español (Y en especial para mí), pero idolatrado por los fans de la banda que la consideran su obra maestra. En El Silencio, Saúl y sus compadres llegan al máximo de su sonoridad. Es considerado el Signos de esta banda, un disco desde donde quiera que se escuche, es maravillosamente indigerible, a pesar de sus arreglos pop (Curiosamente Soda Stereo sacó su disco Dynamo, también grandiosamente indigerible ese mismo año y por esa misma época cierto grupo mexicano contemporáneos con Caifanes empezó a brillar con su disco “Donde Jugarán…”, dandoles éxito inmediato y volviéndolos insoportables para toda la vida). Es el disco mas mexicano de esta banda, las grabaciones de este trabajo fueron tan extenuantes a tal punto que dos de sus miembros originales Diego Herrera y Sabo Romo desertan de la banda por desacuerdos personales y artísticos con Saúl.

Metamorfeame empieza con una feroz descarga de hard rock en que Saúl vocifera que las ovejas se suicidan y los monos se vuelven blancos, nunca verán a los  Caifanes  volver a rockear así, hacia la mitad se vuelve new-age con sus arreglos de piano. Nubes contrasta con lo agresivo del track anterior, es una canción con melodía pop para ser radiada por las emisoras FM con sus arreglos santanescos, me encanta una estrofa en donde Saúl vuelve a mencionar a los perros “Pensarás que soy un perro/que en el cerebro tengo moquillo/que ladro y que no muerdo/y que soy un mal agradecido/tengo garras/tengo dientes/y defiendo lo que tengo/ay amor ya no me  tientes/porque muerdo y ya no suelto…” (Ya lo había hecho en el tema “…Todos los gatos son Pardos del disco anterior El Diablito).

Piedra es una joya de este trabajo con sus arreglos de música electrónica en donde Saúl vuelve a mencionar al tema de la muerte (que tanto la alude en sus canciones debido a la prematura desaparición física de su progenitora) , es una especie de monólogo en donde Saúl se enfrenta al fantasma de la muerte (en este caso metaforizada con una gran piedra) hacia al final del tema destacan un duelo de guitarras acústica y eléctrica y un arreglo de trompetas de mariachi que siguen sonando hasta el fade out de la canción.

A partir de aquí el disco se pone pesado: Tortuga es muy letárgica con su acorde de guitarra y la voz de Saul susurrante. Nos Vamos Juntos es mucho mas movida aunque tambien letárgica, solo también destaca la guitarra. No Dejes Que… es otro tema con melodía a lo Santana hecho para sonar en las emisoras FM, me gusta mucho su estrofa introductoria “Cuando veo a través del vaso/veo a través del tiempo/donde los sentidos se dislocan/donde los temores se evaporan…” y su coro de “No dejes que/nos coma el diablo amor/que se trague tu calor/que eructe mi dolor…” y su solo de guitarra también santanesco es una isla musical entre tanta marea psicodélica. Hasta Morir es hipnótica por su guitarra, su bajo ondulante y sus coros  “Hasta moriiiiiiiir…hasta moriiiir”. Debajo de tu piel esta mejor matizada con su arreglo de teclados pop. Estas Dormida destaca por su riff de guitara y teclados lúgubres. Miércoles de Ceniza es el otro tema electrónico en donde habla de la muerte aludiendo al día que antecede al Jueves y Viernes Santos que titula la canción. El Comunicador arranca con unos wah, wah de guitarra y una letárgica melodía que se vuelve rápida en la mitad de la canción.

Para que no digas  que no pienso en tí es el tercer tema pop-santanesco del disco (quinto con Nubes y Detras de tí de El Diablito) al parecer Saúl se basó en estos temas para elaborar su siguiente disco. Vamos a hacer un Silencio es un viaje de ácido con bongós, teclados, guitarras de mariachi, saxos y demas vainas. Mariquita es una tradicional canción mexicana (agregada aquí como un bonus-track) interpretada al estilo de Caifanes.

Sinceramente no me trago este disco, es sencillamente muy artístico, demasiado mexicano y bastante pretencioso para mí, aunque los fanáticos hueso colorado de la banda aleguen que sea su obra maestra. Si quieren oír algo mas digerible solo pasen al siguiente disco.

EL NERVIO DEL VOLCÁN – 1994

“Sigues caminando, sobre viejos territorios, invocando fuerzas, que jamas entenderás…”

1) Afuera, 2) Miedo, 3) Aquí no es así, 4) Ayer me dijo un ave, 5) Hasta que dejes de respirar, 6) Aviéntame, 7) El animal, 8 ) Quisiera ser alcohol, 9) Pero nunca me caí, 10) El año del Dragón, 11) La Llorona

Mejores temas: Afuera y Aquí No Es Así

El momento para Saúl y sus cuates había llegado con este disco. Dondequiera que se mire  (O se escuche) es un disco accesible y pop para llegarle a las masas sin perder su calidad musical y artística. Aquí (En lo musical) se parecen más a grupos como Santana o Maná que a ellos mismos y es mas parecido lo que sería la siguiente banda de Saúl y Alfonso: Jaguares, lo cual este disco es solo una plataforma.

Líricamente Saúl ha madurado mas aquí: Ya no encara la muerte con tanto pesimismo como antes y su poseía tiene mas simbolismo y metáforas, cosa que perfeccionó en Jaguares.

Pero no todo andaba bien en el seno del grupo: Diego y Sabo abandonaron el grupo tras la grabación de El Silencio, reduciéndose de quinteto a trío (Alejandro Markovich abandonaría al grupo poco después al grabar este disco, llevándose consigo el nombre Caifanes) y a Saúl de detectaron un cáncer de garganta perjudicándole la voz para siempre.

Pero, definitivamente andaban en una buena racha, telonearon a los Rolling Stones en una presentación en México, asistieron al festival organizado por el músico inglés Peter Gabriel de siglas WOMAD y fueron invitados tocar en la re-edición del famoso Festival de Woodstock que se celebró ese año (Cosa que rechazaron).

Que mas podríamos a desglosar este disco con Afuera, un rock-pop radiable que tuvo un memorable video en MTV: La letra es a un alusión a la vida antes de nacer Comienza con inolvidable riff santanesco que llega al coro tan memorable “Afuera tu no existes/solo adentro” el riff sigue y sigue hasta que en un momento todo se silencia y una conga entra en acción como reforzando el concepto latino hasta que la guitarra regresa y sigue hasta terminar repentinamente con la percusión.

Miedo es mas dura, es una alusión de dos amantes que quieren morir juntos porque no vienen juntos, es dura y guitarrera hasta que en el coro se vuelve y calmada “Antes que muera/Déjame amarte en vida/Hasta que el cielo/Se caiga por nosotros”

Aquí No Es Así es la otra vedette de este trabajo: Es una crítica acerca del Cristóbal Colón y su Viaje a América “Vienes caminando/Y no sabes tu destino/Conquistando sueños/Sueñas llegar a ser deidad…” mientras un reggae va aderezando la historia, un videoclip acompañó la canción cuyo final aparecía la leyenda 12 de Octubre de 1994, México D.F. como una crítica a esa fecha por no querer usar el nombre de Encuentro de Dos Mundos oficialmente impuesto en 1992 a raíz del V Centenario de ese evento (Reemplazando al discriminatorio Descubrimiento de América y ahora en mi país se llama Día de la Resistencia Indígena).

Ayer me Dijo un Ave es una especie de bolero acústico en donde Saúl cuenta una historia en donde dialogaba con una ave que pedía que el le sacara el aire de sus ojos, y desintegrarse para que no le hiciera daño, cuerdas  reforzan la tristeza de la canción, me gusta el trabajo de la guitarra, en especial su trágico final.

Hasta que dejes de respirar es una canción que podría ser un descarte de su anterior trabajo El Silencio, por su intro recargada de sintetizador y la voz de Saúl procesada. Avientame es una surrealista historia acerca de los personajes de Ernesto y Carmela que fuman lunas a escondidas entre cerdos y buitres bajo una lluvia ácida y ella (Carmela) tiene los senos tristes y rotos por el silicón y él (Ernesto) se castra por falta de amor mientras una guitarra puntea en los versos. El Animal narra como Saúl quiere mandar a hacer un animal extraño con piel humana y manos de león que se parezca a su amada bajo la tónica de un hard rock feroz. Quisiera ser Alcohol destaca por sus arreglos de jazz con trompeta de sordina en que Saúl desea ser ese elemento químico para evaporarse en el interior de su amada y ser querido otra vez. Pero Nunca Me Caí es un rock con aires country con su armónica que se vuelve pasada a la mitad de la canción y trata sobre el caer y levantarnos (Fracasar y volverlo a hacer otra vez) . El Año de Dragón es una historia basada en personajes del horóscopo chino en que si los dragones no fueran mortales no hubiera pasión y las ratas son de carne y hueso y sudan sangre un solido de fondo como de explosiones y una guitara feroz adornan la historia. La Llorona cierra el disco, es un bolero con una guitarra eléctrica como simulando un violín en donde Saúl cuanta la historia del ánima que llora en la noche por sus hijos muertos, es una pieza sublime y hermosa a pesar de tener arreglos 100% mexicanos.

Y aquí termina la breve historia de los Caifanes. Con este disco tenían todas las ventajas de triunfar ante un público grande, pero las riñas internas en el grupo mas el problema de salud del cantante y líder y el desplazamiento por bandas mas comerciales como Maná truncaron todos esos propósitos. Caifanes se disuelve oficialmente una año después de publicar este disco y convertirse luego en Jaguares y sacar un disco ese mismo año llamado El Equilibrio Detrás de los Jaguares. Pero eso es otra historia.

FORMACIÓN

Julio Briceño Chulius Voces
José Luis Pardo Cheo o DJ Afro Guitarra
Armando Figueredo Armandito Teclados
José Rafael Torres El Catire Bajo
Juan Manuel Roura Mamel Batería
Mauricio Arcas Maurimix Percusión

Introducción

Sábado a la noche. Mucha gente aprovecha los sábados a la noche para vestirse bien, salir con amigos, rascarse y divertirse bailando salsa, merengue y reggaetón. Supongo que es no es mi plato, creánme, he intentado divertirme así muchas veces y fracasé con estrépito. Así que me quedo aquí, en casa, y aprovecho para escribir algunas líneas de pensamiento sobre Los Amigos Invisibles, para quien pueda interesarle.

Diré la verdad: Los Amigos… no es un grupo que me atraiga MUCHO. Me interesan, me gustan, realmente me gustan, pero la verdad es que nunca han llegado a fascinarme como han hecho otros grandes grupos de rock latinos de mi preferencia. Cierto que cuando me bajé sus álbumes (casi todos de una sola vez) me quedé escuchándolos sin interrupción durante algunas semanas, ¡Y diablos que sus discos son como una adicción que te consume! Pero al mismo tiempo, eeehhh, no lo sé, simplemente no es una banda que me vuele la cabeza con su música. Para quien le interese, las razones podrían sintetizarse de la siguiente manera. Primera razón: ninguno de sus seis CD’s me pegó como una obra maestra (de la forma que, por ejemplo Cápsula… de Zapato 3 lo hizo en estos últimos tiempos). Los discos de Los Amigos… tienen reservados algunos excelentes clásicos, aunque siempre rodeados de relleno al por mayor, rara vez ofensivo, pero muchas veces intrascendente que a la larga amortigua la regularidad y perfección del conjunto. La discografía de Los Amigos es asombrosamente pareja, a tal punto que me resulta complicado elegir mi favorito, pero ninguno de ellos merece más que un bien de mi parte. Por algo siempre se dice que Los Amigos… es más una banda de singles que de álbumes. Segunda razón: por más que Mauricio Arcas Maurimix y Jose Luis Dj Afro sean unos grandes compositores pop y Los Amigos… han sacado varios clásicos, hay solo unas cinco o seis canciones del grupo sin las que realmente no podría vivir… el resto… está bien, pero no es nada del otro mundo. Tercera razón: el sonido de los Amigos… es ciertamente único, innovador y… muy venezolano, mucho más creativo que la mayoría de los grupos de rock venezolano y latino, pero a la vez puede tornarse un poco repetitivo y limitado después de algún tiempo de exposición. Ojo! es un sonido que ha cambiado ostensiblemente de álbum a álbum, pero en cada caso siempre me queda la sensación de que falta ALGO… a veces energía, a veces melodía, a veces sentimiento…

No, no soy un gran fan de Los Amigos. Pero eso solamente significa que no los adoro como a los Zapato, o a Sentimiento, o a Desorden o a lo que sea… por lo demás estoy seguro que se trata de una banda valiosa y que sus seis álbumes de estudio merecen estar en cualquier discografía del aficionado de la música venezolana. De hecho, teniendo en cuenta la frescura, las innovaciones, los trucos que los Amigos… aportó al mundo de la música, podría ser considerada la mejor banda surgida en los últimos veinticinco años. En mi caso no estoy tan seguro de eso, de lo que SI estoy seguro es que son la banda más REVOLUCIONARIA surgida en los últimos veinte años. ¿Qué hace tan especial a Los Amigos? Muy fácil. Este sexteto -cuyo nombre de su banda tomó del característico saludo que el desaparecido político y escritor Arturo Uslar Pietri daba en su programa de televisión Valores Humanos “Mis amigos invisibles…”- dio vuelta como un panqueque la historia de la música en Venezuela. Sus comienzos podrían tildarse de rockeros, en un momento en el que el rock y el punk nacional ya estaba en franca decadencia (1995), pero su carácter revolucionario no pasa por ahí. Fue uno de los grupos pioneros de eso que se llamó Acid Jazz, un hijo moderno de los ritmos afroamericanos jazz, funk, soul y hip hop, que dominaría absolutamente la transición de décadas. Estamos hablando del momento en el que se publicaban discos conceptuales como Capsula para Volar de Zapato 3 o Harakiri City de Caramelos de Cianuro o El Viaje de una Vida de Claroscuro, pero la verdadera revolución artística estaba pasando por otro lado, liderada por los Amigos… quienes cambiaron las estructuras de la canción pop, cambiaron los sonidos del rock y, sencillamente, cambiaron todo.

No es facil describir el sonido de Los Amigos pero como es un grupo EXTREMADAMENTE popular y seguro muchos han escuchado un par de sus temas por la radio, nadie debe estar a oscuras sobre este punto. La palabra clave en la música de Los Amigos no es melodía, ni energía, ni virtuosismo. Creo que el término que mejor la sintetiza es… Trucos. Sí, la música de los Amigos… esta armada  a base de trucos de fusión tanto latinas, caribeñas como anglosajonas y arreglos musicales bastante kitsh que combinados forman una estructura sónica peculiar y heterodoxa que no tiene casi parangón en los anales de la música venezolana, pero que a la vez eran muy ordinarias que solo se podían escuchar en una taguara, bar o botica de mala muerte. En muchas de sus canciones se pueden oír sampleos de locutores trasnochados de emisoras de onda corta que eran muy poulares (que ya no existen hoy en día) o humoristas de la old school (Como Benjamin Rausseo, mejor conocido como El Conde del Guácharo, o el ahora muy devaluado José Díaz, mejor conocido como Joselo); como también se podía un guiro o tambora (muy característico del ritmo bailable, mejor conocido como merengue dominicano), en una canción que solo tenía guitarra, bajo y batería. Todo esto combinado generó una música compleja pero totalmente accesible, original pero pegadiza, donde prácticamente lo chaborro (era algo de mal gusto, pero que tenía aún algo de atractivo) era lo único que se acentuaba. Las influencias del jazz, el funk, el soul, la salsa y el merengue  son claras, pero la combinación entre esas cosas se revela inigualable, dando origen a un género completamente nuevo que está tan alejado del rock o el pop tradicional como el polo norte lo está del polo sur.

Ahora bien, generalizados los caracteres principales de Los Amigos…, conviene aclarar que la banda no se conformó con la misma fórmula, sino que intentó avanzar un poco más en cada disco. Su debut está impregnado por el sonido del funk de Jamiroquai y el rock de Red Hot Chili Peppers. Con The New Sound Of Venezuelan Gozadera y Arepa 3000: A Venezuelan Journey Into Space. Los Amigos… alcanzarían su sonido más distintivo, apagando convenientemente los tintes rockeros de su debut, incorporando elementos del jazz, la salsa, el merengue y música venezolana en general, haciendo un tremendo énfasis en lo chaborro y kitsch, improvisando largos grooves intercalados con sampleos de locutores trasnochados, humoristas old school y todo eso. Con Venezuelan Zinga Son, Vol. 1 se van hacia ritmos mas eléctrónicos  los cuales de alguna manera eclipsaron el estilo paródico que hacían y agregaron texturas sonoras más profundas y ricas. En Superpop regresan a su estilo chaborro y kitsch haciendo homenaje a grupos y solistas venezolanos quienes de una u otra forma les motivaron a hacer música. Su ultimo y mas reciente álbum Comercial apostan por un sonido mas internacional  con canciones cortas de tres minutos como si recitaran jingles publicitarios de radio y televisión.

Y personalmente no me queda mucho más para decir. Las fortaleza de Los Amigos… es su sonido revolucionario, único, interesante y cautivador. Su debilidad pasa por la inconsistencia de sus álbumes y por la ocasional frivolidad y superficialidad de su material. Pero, en defiinitiva, se trata de una de las bandas de rock y pop  que más han cambiado la cara de la música venezolana en los últimos diecinueve años, así que por eso solo, valen más de una oída.

A Typical & Autoctonal Venezuelan Dance Band – 1995

“Si tu boca fuera el cielo, pasaría el día rezando…”

1) Dame Tu Calor, 2) En El Cielo o En Tu Boca, 3) Dime, 4) El Humo Que Respiro Cuando Estoy Contigo 5) Nada Que Decir, 6) Siente 7)Biicuaiiet, 8 ) Vuelo Hasta Tus Piés, 9) Guffi’s Mix, 10) Encántame, 11) Pelusa, 12) Dialecto Divino, 13) Porno Song, 14) En Dónde Está Lo Bello?, 15) Mauri’s Mix, 16) Acid Jazz de Las Mujeres Locas, 17) Más Dulce, 18- Boogaloo pa’ Los Panas, 19) Vámonos, 20) Ultima Pieza.

Mejor Tema: Nada Que Decir (Vale?)

Este trabajo (Único en toda la discografía de Los …Invisibles) es en realidad un conjunto de jammings o improvisaciones hechas en el estudio y grabadas directamente sin hacerles arreglo alguno.

Después de todo, A Typical… es poco más que un álbum de ROCK ALTERNATIVO, repleto de canciones más bien simplonas que tan solo anticipan parcialmente algunas de las mejores innovaciones que están por venir en The New Sound Of Venezuelan Gozadera y Arepa 3000. Hay una razón fundamental, sin embargo, para considerar a este normal debut como el punto más alto de Los Amigos…: su consistencia. En rigor,A Typical... no rivaliza con los siguientes discos en cuanto a innovaciones técnicas, creatividad musical, recursos de producción y riqueza expresiva, pero en lo que a consistencia se refiere, diría que no caben dudas: este es un álbum parejo de principio a fin, que tantos clásicos absolutos como cualquiera de los siguientes álbumes pero con un nivel de relleno casi nulo.

Por supuesto, entiendo la sorpresa de algunos. Este no es el estilo clásico de Los…Invisibles, pero para mí una cosa así se torna secundaria cuando recuento tema por tema y me doy cuenta que TODOS me gustan y que uno de ellos figura entre los máximos clásicos del grupo. Además, no se puede decir bajo ningún punto de vista que  A Typical… sea un álbum de rock venezolano mas… más, para nada. En realidad, aquí se aprecia un estilo (mayoritariamente desconocido para el público venezolano) el estilo de Madchester.  Es cierto que el rock en A Typical es mucho más que un simple matiz, pero tampoco define completamente el álbum. Según mi perspectiva, los marcados tintes de rock que aparecen se deben más a que la cosa estaba de moda y era la única forma de hacerse notar, de presentarse como algo fresco; pero la verdad es que Julio, Jose Luis, Armando, José Rafael, Juan y Mauricio no eran ningunos iniciados y sus talentos musicales trascendían largamente los limitados esquemas del rock, como quedaría demostrado en los siguientes álbumes. A lo que quiero llegar es que, si bien el sonido que el sexteto ofrece en su debut es todavía inmaduro y amateur, hay indicios claros de que la originalidad del mito de Los Amigos… aparece ya en plena forma, más como un hecho que como una latencia.

Podríamos comenzar con Nada que Decir el único tema 100% pop-hecho-para-sonar-en-la-radio  de este disco con un teclado changoso muy wah-wah y su linea adictiva de bajo y batería y su coro que se repite como mantra repetitivo (Nada que Decir/Nada que Pensar) .

Pero esto termina aquí:  Dame tu color abre el disco con una guitarra muy distorsionada; En el Cielo o en tu Boca es uno de mis temas favoritos con su sonido atmosférico introductorio  y su verso retahíla ; EL Humo que Respiro con su intro de percusiones, etc…

No los voy a a hablar de las siguientes canciones porque todas se parecen entre sí (recuerden que es un disco de jammings) y eso me cansaría. Quí termina el primer disco de LAI desconocido para la mayoría del público general (y de los fans de la banda ) no fue gran cosa en Venezuela (Todavía estabamos con la resaca de la cuestión del rock nacional y sus discos conceptuales) pero unas copias de este trabajo llegaron a Nueva York y cayeron en las manos del músico norteamericano-escocés David Byrne, ex-líder de los Talking Heads y propietario de la disquera Luaka Bop (que firmó con anterioridad a sus paisanos de de King Changó)  que al maravillarse de su sonido, no dudo ni un momento en contactar a estos carajos.

The New Sound of the Venezuelan Gozadera – 1998

“Yo lo que quiero es ponerte a tí en cuatro, en cuatro EN CUATRO!!!  en cuatro… balcones que tengan flores de todos los colores…”

1) Güelcome, 2) Ultra-Funk, 3) Mi Linda, 4) Sexy, 5) Las Lycras del Avila, 6) Groupie, 7) Otra Vez, 8 ) Cachete a Cachete, 9) Balada de Chusy, 10) Asomacho, 11) Ponerte en Cuatro, 12) Mango Cool, 13) Nerio Compra Contestadora, 14) Quiero Desintegrar a Tu Novio, 15) El Disco Anal, 16) No Me Pagan, 17) Cha-Chaborro, 18) Aldemaro en Su Camaro, 19) The New Sound of the Venezuelan Gozadera.

Mejores temas: Sexy, Ponerte en Cuatro, No Pagan, El Disco Anal (Que otra cosa podían ser???)

Como mencioné en el disco anterior, muchas copias de A Typical… fueron a Nueva York y cayeron en manos de David Byrne, propietario de la disquera Luaka Bop y al maravillarse con sonidos que estos venezolanos ofrecían que no dudó un momento en contactarlos y ofrecerles un contrato para grabar en su prestigiosa casa discográfica.

Y es que Los Amigos Invisibles no pasaban una buena racha por ese momento. Estaban en la ruina y su disco debut tuvo una fría recepción por aparte del público venezolano. Iban a pensar en disolverse hasta que esa llamada les devolvió la esperanza.

Y es que la disquera de David Byrne les proporciono todo los elementos esenciales para sonar bien como una banda de carácter internacional, amén de brindarles una libertad creativa para experimentar con todos los sonidos que quisieran hacer para armar las canciones del  disco.

Podríamos decir que este es el verdadero  primer disco de Los… Invisibles que definió el estilo y el sonido de la banda. Aquí dejaron es estilo rockero de A Typical… para empaparse en estos cuatro estilos mezclados creativamente: jazz, funk, merengue dominicano y salsa. Aún continúan los jammings del disco debut pero ya tienen arreglos que definen una canción de la otra.

CONTINUARÁ…

]]> http://kmiloreyes.wordpress.com/2010/06/15/los-amigos-invisibles/feed/ 5 KamX losamigos-invisibles 1995 A Typical And Authoctonal Venezuelan Dance Band Los_Amigos_Invisibles-The_New_Sound_Of_Venezuelan_Gozadera-Frontal http://kmiloreyes.wordpress.com/2010/05/30/paul-gillman/ http://kmiloreyes.wordpress.com/2010/05/30/paul-gillman/#comments Sun, 30 May 2010 22:19:25 +0000 kamx http://kmiloreyes.wordpress.com/?p=199 ]]>

Introducción

¡Madre Santísima!  ¿Quien es este tipo?  ¿El Anticristo en persona? ¿El Silbón con greñas y ropa de cuero? Nahh, es nada mas y nada menos que Paul Silvestre Gillman, un personaje tan amado como odiado (entre ellos yo me cuento) en el ámbito del rock en Venezuela.

Este caraqueño de nacimiento y radicado en Valencia (La capital del rock venezolano por excelencia) es un personaje muy peculiar que da mucha tela que cortar por aquí.

Mi costado artístico lo felicitaría por ser un personaje resistente en el efímero mundo de la música y de las modas trayendo rock a Venezuela tanto como solista como cuando estaba con su grupo Arkangel, dándole identidad propia mezclandolo con leyendas folclóricas (escuchen discos como el Silbón o temas  como el Dr. K-noche y sabrán a lo que me refiero) y haberlo llevado a las grandes masas (estuvo en tiempo en reconocidos canales venezolanos como RCTV y Venevisión, participando en este último muchos programas como en el ahora infame Sábado Sensacional).

Mi costado empresarial también lo felicitaría, por tener buen olfato en los negocios, manteniendo buenos programas en donde se exhalta el buen rock n roll como el desaparecido Garage de Gillman en Venezolana de Televisión o el programa Cultura Rock en el polémico canal Tves, Así como igual haber organizados los Gillmanfests (Equivalentes a los Ozzfest del ahora mediático Ozzy Osbourne) en que grupos de música extrema de greñudos comegato con franela e’ monstruo se presentan ante un gran público que los adora y estima.

Pero mi costado realista diría (aquí amigos lectores, preparense, tómense un Lexotanil, un Prozac, o cualquier otro sedante que sea) Gillman es un vendido c%$%& de la ·$%&/ que es un lamebotas del gobierno de turno, doblecara, engreído que reniega de los canales nacionales (RCTV y VV) que una vez le dieron de comer, se burla de nuestra amdísima reina del rock Melissa (cuando una vez se codeó con ella, haciendo juntos muchos números en TV) burlandose de ella en todo momento de sus programas [Si Melissa es la Reina del Rock, yo soy el Rey del Tecnomerengue, recuerdan eso?] ,  en fin creo que coronamos a la reina equivocada, Melissa nunca merecía ser la Reina del Rock (Jamás estuvo de acuerdo con ese sobrenombre) deberíamos coronar como Reina del Rock a Paul… perdón… Paola Gillman XD XD

Pero en fin de cuentas este personaje dará mucho que hablar, para bien o para mal, así que en las reseñas de los discos intentaré irme en lo esencialmente musical y no me iré a las ramas como otras veces.

CONTINUARÁ…

]]> http://kmiloreyes.wordpress.com/2010/05/30/paul-gillman/feed/ 2 KamX Photobucket http://kmiloreyes.wordpress.com/2008/02/04/aterciopelados/ http://kmiloreyes.wordpress.com/2008/02/04/aterciopelados/#comments Mon, 04 Feb 2008 11:44:17 +0000 kamx http://kmiloreyes.wordpress.com/?p=24 ]]>

FORMACIÓN
Andrea Echeverri Voces y Guitarra
Héctor Buitrago Bajo
Mauricio Montenegro Batería
Camilo Velásquez Guitarra
Urián Sarmiento Percusión y Vientos

INTRODUCCIÓN

Jorge Drexler está entre los centenares de cantautores disfrutables que no han hecho nada por romper los esquemas de la música y empujar sus límites, dedicándose en cambio a hacer lo que mejor les sale, sin deterse a pensar si es anacrónico o si ya se hizo antes. Son cantautores que priorizan hacerlo BIEN antes que hacerlo NUEVO. En el mejor de los casos este tipo de grupos logran inyectarle un cachetazo de frescura a un género viejo, adormilado y en declive, caso Franco de Vita o Ricardo Montaner: no inventaron nada nuevo, pero resucitaron de alguna manera espíritus del pasado que andaban medio dormidos. Otros logran investir con una personalidad propia aquello que hacen, caso Rubén Blades o Carlos Vives, que si bien tampoco inventaron nada nuevo, tienen un sonido inconfundible de acá a la China. Drexler, lamentablemente, no cuadra con ninguna de las dos salvedades mencionadas, por lo tanto queda reducido a lo mínimo: un cantautor que hace lindos temas y nada más. Obviamente hacer lindos temas es lo más importante, lo principal, pero lo cierto es que Drexler no es el único interprete capaz de hacer lindos temas; es solo uno más.

Desde mi punto de vista y a grandes rasgos, esta insignificancia del cantante y compositor uruguayo responde a DOS grandes pecados que hasta ahora les cierran las puertas de la grandeza: a) es extremadamente limitado y b) le falta identidad. Extremadamente limitados porque tan solo saben escribir un tipo de canción: melodías atmosféricas, suaves y tristonas (propios de países latinoamericanos de influencia europea como su Ururguay natal) con letras que abogan a la conciencia social copiados del estilo de la trova tipo Joaquín Sabina o Pablo Milanés. Se acabó ahí, no esperes de Drexler más que melodías atmosféricas, suaves y tristonas. ¿Ven el GRAVE problema que tenemos aquí? Habiendo bandas que son capaces de lo inesperado, lo sorprendente, lo impensado, Drexler se conforma con escribir la misma canción una y otra vez, de una manera tan obvia y automática que ni siquiera se molestan en disimularlo. Eso sí, dentro de esa limitadísima fórmula el sureñito se mueve como pez en el agua y estas son en su mayoría EXCELENTES baladas atmosféricas, suaves y tristonas. Pero mientras los cantautores realmente grandes nadan en un océano de posibilidades, Drexler nada en una pecera. Una pecera muy cómoda y muy pequeña de puras baladas indistinguibles, todas parecidas, todas similares, todas bellas y atractivas, todas suceptibles de aparecer en las radios… En conclusión, diría que uno puede tomar las dos o tres mejores baladas de Eco, las dos o tres mejores baladas de 12 Segundos de Oscuridad y a otra cosa mariposa: ese es todo el Drexler que necesitas. El resto es eso mismo pero peor, y puede ponerse MUY aburrido si uno no está de humor.

El otro pecado es la tremenda falta de identidad. Porque no solo la fórmula que utilizan es limitadísima sino que además fue tomada parcialmente de OTRO CANTAUTOR mas viejo, nativo de Cuba y simpatizante del gobierno de ese mismo país Y para colmo, ese cantante no es precisamente uno de las más desconocidos, impopulares y oscuros de la escena actual. Ok, no quiero decir exactamente que Jorge Drexler sea una fotocopia de Silvio Rodríguez, pero nadie puede negar que la estética de las baladas del uruguayo está tomada directamente de las del cubano. Si piensan que estoy loco vuelvan a escuchar atentamente temas de Silvio Rodríguez como Playa Girón, Rabo de Nube, Unicornio, El Breve Espacio En Que No Estás, etc. y digánme, si se atreven, que no representan el mismo tipo de balada que nos recrea Jorge Drexler unos muchos años después. Esos vagos rasgueos acústicos en tonos menores, esos suaves garabatos de ritmos latinos de fondo, esos discretos arreglos de cuerda, esa voz dolida y triste son lugares comunes en todas las canciones de Drexler… Aparte, la forma de cantar de Drexler me hace acordar mucho a Silvio en la forma de cantar y en su forma de escribir en las letras, llenas de rabia, denuncia y protesta, solo que son menos panfletarias… En fin, se nota que está reviviendo estilisticamente las clásicas baladas de Silvio, ya sea porque le gusta o porque sabe que puede vender. Igual, y aquí viene mi intento para congraciarme con los fans del cantautor uruguayo, tampoco es que el estilo sea IDÉNTICO: a grosso modo las canciones de Drexler son más accesibles, más despojadas, menos abigarradas y ornamentadas que las de Rodríguez, sin tanta conga o adorno latino; hay más piano, los estribillos suelen ser menos oscuros y en general suenan más melancólicas que deprimentes. Es decir, algunos ribetes distintivos de Drexler se pueden rastrear en la superestructura: la base es, les guste o no, puro Silvio Rodríguez, sin tanta pnfleto político.

Admito ahora que lo que hace, más allá de ser limitado y carente de identidad, lo hacen casi a la perfección. La realidad es, y en esto quiero ser enfático, que las baladas de Drexler son en su mayoría muy buenas, pues incorpora sonidos y melodías excelentes que se disfrutan independientemente de las referencias a otros cantautores o de lo repetitivas que sean. Los arreglos musicales pueden definirse como sobrios, inmaculados, etéreos, limpios como un cielo despejado, sin nada de paranoico o inesperado en sus giros y pletóricos en buen gusto: Un elegante piano, se suman sutiles toques de guitarra acústica, muy leves fraseos de eléctrica y con eso el carajo ya te arma una balada, comercial y predecible sí, pero sumamente agradable y atmosférica, ideal para bajonearse un poco en solitarios anocheceres y evocar sensaciones de melancolía y un tenue dejarse ir. No es música ni innovadora, ni interesante desde un punto de vista académico: es música simplemente AGRADABLE. No puedo negar esto, y no puedo negar que las mejores composiciones del grupo me gustan muchísimo y van metiéndose debajo mi piel con cada nueva escucha.

Mi conclusión es que si el susodicho artista quiere pasar de fenómeno comercial pasajero a ser una verdadera fuerza creativa, deberían tratar de ampliar la fórmula y ofrecernos algo más que puras y perfectas baladas melancólicas. Simultáneamente debería tratar de buscar una identidad más definida, alejándose del paradigma de Silvio Rodríguez (cosa que han empezado a hacer ya en 12 Segundos de Oscuridad) y buscando un estilo propio para aportar. Si en cambio no es ese el destino ni la ambición de Drexler, pueden seguir con su pop melódico para siempre; algunos nos aburriremos mucho, pero la verdad es que lo hace muy bien y puede ser un placer escucharlo.

ECO – 2004

“Hay tantas cosas Yo sólo preciso dos: Mi guitarra y vos…”

1) Eco 2), Deseo, 3) Todo se Transforma, 4) Guitarra y Vos 5), Transporte, 6) Milonga del Moro Judío, 7) Polvo de Estrellas, 8 ) Se Va, Se Va, Se Fue,  9) Don de Fluir, 10) Fusión, 11) Salvapantallas, 12) Al Otro Lado de Río (Bonus Track)

MEJOR TEMA: GUITARRA Y VOS

Debo recalcar que este disco salió en medio de toda una polémica. Esto se relanzó en el 2005 con una canción adicional que fue el tema principal de la banda sonora de la película Diarios de Motocicleta que trataba acerca de la vida del revolucionario argentino Ernesto ‘El Ché’ Guevara (Cuya famosa foto rodó mundo en que este daba una mirada bastante perdida, ataviado con una boina militar, una chaqueta estilo Michael Jackson y una melena mal cortada y fue impresa en vajillas, franelas, revistas etc. Dando la impresión que es un icono mas capitalista, que comunista y esta siendo usado como un caballo de batalla por nuestro presidente. Pero eso es otra cosa.) llamada Al Otro Lado Del Río, nadie sabía quién era el que cantaba esa maravillosa canción. Al momento de otorgar el ahora devaluado premio Oscar en la categoría de banda sonora. En vez de invitar  al enigmático interprete para cantarla en vivo, prefirieron hacer la interpretación con el guitarrista Carlos Santana y el actor Antonio Banderas.. Nuestro héroe, no conforme con que se excluyera de su participación, que cuando fue a recibir el premio, interpreto la consabida canción a capella.

CONTINUARÁ…

Formación

Pedro Castillo Guitarra & Voces
Julio César Della Noche Piano Eléctrico & Teclados
Miguel Angel Echevarreneta Bajo y Guitarras Acústicas
Gerardo Ubieda Batería y Percusión

Ex Miembros

Zdenek Matousek Voces (1981-1986)
Alexis Peña Voces (1987-1990)
Iker Gastaminza Teclados (1980-1990)
José Ignacio Martín Teclados (1987-1990)
Victor Fiol Bajo (1981-1985)
Ruben Angel Correa Micho Guitarra (1983)
Richard Popovich Guitarra(1984)
Francisco Morales Guitarra (1987-1990)

Introducción

¿Han visto alguna vez a esta banda en fotos? ¿No? ¡Pues entonces sube un poco la página y verás una! ¿¡Listo?! Muy bien, entonces podemos seguir. En fin, a lo que quiero ir es que los tipos parecen CUALQUIER COSA menos una banda de rock. ¿Panas cuarentones que van a un partido Caracas-Magallanes? ¿Estudiantes de Ingeniería de la Universidad Católica Andrés Bello?? ¿Dependientes de una tienda de artículos de computación? ¿Profesores de Ingles del Centro Venezolano Americano ? Todo eso podría creerlo, pero nunca se me ocurriría que tales novelescos personajes fueran una BANDA DE ROCK!!! Sin embargo, sí son una banda de rock, y de las buenas. Aquella que, en honor a aquellas enormes islas de hielo flotantes que deambulan en el Polo Norte, se ha dado en llamar Témpano.

Se la suele considerar una más dentro del movimiento del rock progresivo, junto a monstruos como Aditus, Vytas Brenner, etc. No obstante, esto se trata de una burda, vulgar e insensata simplificación. Tempáno, siendo sinceros, no se puede encasillar en ningún lado: están las bandas de hard-rock, las bandas de prog-rock, las bandas de metal, las bandas de punk, las bandas de blues-rock, las bandas de pop-rock y… tambien está Témpano. Fuera de todo eso y a la vez abarcándolo todo. Bueno, tampoco se vayan a creer que se trata del grupo más versátil y variado de la historia, no, pero su sonido y su estilo ciertamente no tienen imitación ni símil alguno: son una banda ÚNICA, nadie puede parecerse a ellos; nadie más fue, ni es, ni será como el viejo y querido Témpano.

¿Y a qué se debe esta singularidad? A un poco de todo. La banda tiene a un baterista muy, muy, muy, MUUUUY talentoso llamado Gerardo Ubieda. Sin desemerecer a los fantásticos instrumentistas que han contribuido con el grupo, decir Témpano es casi lo mismo que decir Gerardo Ubieda. Él componía las canciones, él escribía las letras y eran su visión artística, sus ambiciones, sus fantasías mentales las que fueron guiando al grupo por distintos derroteros musicales a lo largo de sus 30 años de historia. Siempre en un segundo plano sentado en la silla giratoria mientras aporrea sus tambores . Pero claro; Parte de la fama le han dado los distintos cantantes que también desfilaron en sus filas: Pedro Castillo (Que estuvo un buen tiempo en la archiconocida Aditus y en PP’S tocando la guitarra) fue el primero de ellos con el que grabó el célebre Atabal Yemal en 1979, en su etapa progresiva (Que después fue reeditado en 1998 por una discográfica francesa con temas nuevos), luego fué Zdenek Matousek que grabó tres discos en la etapa mas contestataria de Témpano (1981-1984) En donde salió el célebre tema Esequibo y por último Alexis Peña -el mas conocido- en la etapa mas comercial y conocida del grupo en que versionan temas pop americanos que luego desembocan en un grupo de nombre Poster y también está la música. Definir la música de Tempáno en pocas líneas es poco menos que una quimera, pero debo intentarlo. Como dije antes, tienen un sonido especial, diferente y clásico; las ambiciones compositivas de Témpano dieron como fruto una aleación inimitable de progresivo, jazz, hard-rock, música clásica y pop comercial y radiable, recubierta por estilísticas medievales y ancestrales que le otorgan un espíritu añejo y pintoresco a todo ello. A través de este formidable hilo conductor, la banda se ha movido en diferentes direcciones a lo largo de su carrera.

Dentro de este sonido especial, tan único, tan de ellos que logró la inspiradora tutela de Ubieda (El único integrante original de la banda que resistió todos los cambios),Témpano tiene para todos los gustos. ¿Te gustan las buenas melodías? Témpano tiene algunas de las más increíbles melodías del rock, tanto vocales como de piano, teclados, sintetizadores o guitarra. ¿Quieres rockear y sudar un poco? Témpano ocasionalmente se animaba a rockear duro, retumbante, crudo y pesado, con algunos riffs de antología mundial, ofreciendo harta competencia a monstruos del hard rock como La Misma Gente, Arkangel, Zapato 3 o Sentimiento Muerto. ¿Te gusta algo más relajado, o acústico? Témpano otorga algunas brillantes baladas acústicas y orquestadas que te harán derretir. ¿Eres de esos que se vuelven locos con los trucos complejos y los virtuosismos ostentosos? En su pico progresivo, Témpano era capaz de los más intrincados, laberínticos y vuela-cerebros pasajes de música jamás concebidos. En fin, todo. Y lo mejor es que estas distintas facetas no necesariamente aparecían por separado: en una misma canción podían meter todas estas cosas juntas y hacerlas funcionar. El Esequibo, por ejemplo, rockea a full con una letra 100% contestataria que haría palidecer a grupos como Sentimiento Muerto, pero también provee una melodía muy pegadiza y solos de teclado… ¿Se imaginan eso en otro grupo? Difícil ¿No?

Si tenemos que hacer una demarcación temporal de los estilos que han predominado a lo largo de su discografía, ésta sería más o menos así Tempano tiene tan solo un disco que pueden considerarse progresivo en el sentido más terminante de la palabra Atabal Yemal (Que como ya dije, fue su debut y lo reeditaron 19 años después) Pesadilla Sin Final, En Reclamación y Seducción Subliminal, tres discos en el mas puro estilo estilo new-wave 80tero con letras full contestatarias y pinceladas progresivas, luego vienen Tempano 1987 y el Cuarto Lado en la onda pop-radiable-romántica-versionera-de-temas-de-pop-americanos que desembocó después en grupo-secuela de nombre Póster tras la salida de Gerardo Ubieda  (eje principal del grupo) del grupo y la última tras la redición del debut Atabal Yemal por la casa discográfica francesa Musea en 1998 el line-up original de ese disco se reunifica y graban dos discos mas en la onda progresiva: Childhood’s End (El Fin de la Infancia) y The Agony & the Ecstasy (La Agonía y el Extásis) mas uno mas que viene en camino de título tentativo The whisper of the Blade.

En fin Témpano es una de las bandas mas queridas e infravaloradas de la escena musical venezolana que supo sortear las tendencias musicales del momento; y morir y resurgir como el ave fénix de sus cenizas. Un Témpano que jamás se derrite.

PESADILLA SIN FINAL – 1981

“Si un refresco busco yo, me traen una… cerveza”

1) Por Siempre, 2) Cosas que Pienso y No Quiero Pensar, 3) Quedamos, 4) Señora de La Madrugada, 5) El Helado (Drama Cotidiano), 6) Pesadilla Sin Final, 7) No Voy a Volver, 7) Es Absurdo, 8 ) Al Bailar, 9) Arabesca, 10) Adios

Mejor Tema El Helado (Drama Cotidiano)

A comienzos de la década de los ochenta, un camino confiable hacia el éxito para cualquier banda era tocar new-wave. El pleno auge de PP’S grabando sus placas más ambiciosas; Aditus adoptó el estilo con Fuera de Ley y Posición Adelantada; despierta el 1×1 del Viernes Negro con precursores como Colina, Yordano  con su grupo Sietecueros, Franco de Vita con su grupo Icaro; Ilan con su grupo Melao, la explosiva aparición del grupo del corazón tachado cuyo nombre deriva del inglés de Dead Feeling; el notorio surgimiento de Soda Stereo en tierras porteñas, y un Frank Quintero dejando su estilo jazz-funk para hacer discos mas comerciales y ambiciosos sin perder calidad, sintetizan con elocuencia las tendencias del momento. Aquellos fueron años para ese sonido pegajoso ajustado, bailable y simplón; ese sonido clásico de ondulantes bajos, teclados juguetones y canciones cortas que parecía ser un antídoto necesario para los excesos proggies y sinfónicos, , así como el legado para combatir otros excesos, los metálicos,  propios de los ochenta encabezados por Arkangel y Resistencia y así como para descansar de la resaca de la infausta música disco, aquella banda sonora de la entonces llamada Venezuela Saudita.

Después de aquel Atabal Yemal, dejan aquellos viajes épicos de olas con Virginia Woolf, anhelos, presencias y ausencias para enmarcarse en un estilo mas callejero y acorde con los tiempos. la jugada de estos era, adaptarse en el mercado musical pero dejando algo de su estilo prog. en algunos temas causando una pesadilla infinita (Como lo dice el título del disco).

Pero esto no tiene nada de malo. En cierta forma, hacer un álbum de new -wave era el test de rigor para la época: si lo lograbas ganabas status, sabías que podrías hacer el resto. Témpano lo hace y lo hace muy bien pero Ubieda y Gastaminza todavía no ostentan el máximo de su potencial aquí (los sonidos de Tempano 87 y El Tercer Lado se cagarían de las risa si se encontraran con estos), pero la intención está y aporta una frescura distintiva que suena tan válida hoy como seguramente lo hizo en su momento. Pesadilla sin Final suena como un álbum de jazz-rock-pop genérico, sólido, agradable, cálido, más jazzero que proggie (de hecho, no es NADA proggie), eléctrico (ni una guitarra acústica) y salpicado de teclados saltarines que, no obstante, deberían satisfacer a los amantes del rock más clásico de la misma forma que me satisfacen a mí. Si te gusta el jazz, te gusta Pesadilla…, tan sencilla ecuación como esa.

Arrancamos de manera sobria con Por Siempre un tema medio acid-jazz que podría haber sido de los Amigos Invisibles y Zdenek imitando a medias a un cantante de joropo. Cosas que Pienso y no Quiero Pensar comienza con una guitarra semi-proggie para dar a paso una batería discreta y una guitarra procesada con Zdenek cantando sobre una épica de esclavos y amos con coros como Despertar de ese sueña y dejar nuestro cuerpos… Quedamos suena algo animadita con su teclado juguetón. Señora de la Madrugada podría mostrar que será la etapa romanticona de Témpano con con su letra muy melancólica en donde Zdenek ruega el amor desesperado a una prostituta con su melancólica linea de guitarra y bajo que sugieren nocturnidad .

Pero el momento estelar es para El Helado, con una letra que parece un jingle publicitario de Tío Rico anunciando cosas como fresa, mantecado, lluvia de chocolate, llevar la novia a patinar, etc. Excelente para animar uno de esos comerciales de la conocida marca de helados con la famosa Laura La Sin Par de Caurimare protagonizando.

Pesadilla sin Final (La pista titular) es medio jazzosa-progresiva con teclado de calipso, con una letra metafórica con cosas como bosque de ladrillo, ríos de asfalto, paz y violencia en mi cuidad, etc. No Voy a Volver es medio melancólica con sus trabajos de teclados. Es Absurdo es casi espacial con su teclado. Al Bailar tiene el mejor solo de batería 80tera muy PP’S con cambios de ritmo. Arabesca tiene un teclado muy new-age y cerramos con Adios muy aceleradita.

Una revisión aburrida ¿No creen? Pues es así: para discos aburridos, revisiones aburridas. Bah, no es en serio; Pesadilla… no es para nada aburrido: es un agradable y placentero disco de jazz-rock-pop que pinta los humildes inicios de una gran banda. Nada muy arriesgado ni ambicioso, claro está, pero bien hecho… y eso es lo que más importa.

…EN RECLAMACIÓN – 1983

“El Esequibo es mío, es tuyo, es tierra venezolanaaaaaa…”

1) Extranjero, 2) Abrazando El Viento, 3) Como Tu,  4) Amnesia de 5 en 5,  5) El Esequibo, 6) Tiempo Que Pasa y No Vuelve, 7) Noche Silenciosa, 8 ) En El Metro, 9) Sophia

Mejor tema: El Esequibo (Cual mas?)

Después de tantear en los territorios  con el estilo de new-wave  de Pesadilla Sin Final. Ubieda y Gastaminsa ya se animan a sacar de la galera todo tipo de influencias musicales y nos sorprende gratamente en este tercer álbum, …En Reclamación, una obra maestra. Para eso tuvieron gentilmente que prescindir de Miguel Angel Echevarreneta ya que, si bien se trataba de un gran guitarrista, su estilo tradicional y purista no se adaptó a las nuevas ideas y experimentos que los tempanos mayores Ubieda y Gastaminsa tenían en mente. En su lugar metieron a Ruben Angel Correa Micho. Que venía de tocar en un grupo de rock-disco y versiones llamado Tinajas en que militó un muchacha de origen peruano y raíces británicas, que después sería conocida por llenar varias veces el Poliedro de Caracas.

Volviendo al grano. Aquí dejan el miedo y se tornan mas contestatarios ofreciendo una gama de sonidos mas duros. Hay mas guitarras, mas batería y menos teclados.. Aquí parece que dejaron la pena y fueron a declamar su disconformidad con el mundo que los rodeaba.

Extranjero comienza con unos teclados ambientales para dar paso a una especie de melodía jazzeada con organos, Abrazando el Viento comienza con una bateía y una guitarra full 80teras, Como Tú, es otra balada de piano que antecede al estilo romanticón del Tempano de 1987, Amnesia de 5 en 5 empieza con una especie de murmullo de personas para dar paso a una teclado ochentero, una voz robótica y por ultimo una gra solo de Ruben Micho Correa.

Y llegamos a la madre de todas las canciones: El Esequibo, cada vez que la oigo, me transporto a los tiempos del Viernes Negro, de los excesos del Presidente de ese tiempo (Jaime Lusinchi), de los Juegos Panamericanos, etc. El canto es una oda hacia el reclamo de unas tierras que los ingleses nos arrebataron y aún nos pertenencen. Comienza con unos teclados juguetones para dar paso a la guitarra y batería y Zdenek cantando la 1º estrofa: Años de espera/por un pedazo de tierra/que desde que tenemos uso de razón/su cara aparece en los mapas… como añorando el territorio quitado Y así hasta llegar al primer coro Oiga señor/busque/su identificación/ para que se acuerde/de su condición/tras rejas/sin dueño/sin casasin nación… como alentando a la gente a reafirmar su nacionalidad y llegamos al coro principal El esequibo es mío, es tuyo,es tierra venezolanaaaaaaaaaaaaa . El esequibo es mío, es tuyo, es nuestro … finalizando con un gran solo de guitarra y un sonido como de disco rayado ¡CARAJO! nunca ví una letra rockear así, nunca verán a Tempáno volver rockear así de esa manera en sus siguientes discos.

Hacia la mitad del disco se va desinflando poco a poco. Tiempo que Pasa y no Vuelve comienza con un solo de batería y campanitas, Noche Silenciosa empiza con un teclado sinuoso y baterías jazzosas. En el Metro es una oda al recién inagurado Metro de Caracas comenzando con un sonido de teclado Major Tom y un innovador trabajo de guitarra. Sphia es la otra power-ballad del disco con piano y teclados new age.

Debo recalcar que en el 2002 hicieron una reedición de este disco. Aprovechando el furor de Atabal Yemal, reforzando aún mas el mito alrededor de este brillante trabajo. Es brillante. Con tal de que haya sembrado en tí, amigo lector, ganas de ir a comprártelo, o escucharlo otra vez en caso de que ya lo tengas, mi objetivo está cumplido y ya puedo descansar en paz.

SEDUCCIÓN SUBLIMINAL - 1984

“Solo soy un producto de consumo con una etiqueta atras…”

1)Zona Roja, 2)Sr. Burócrata, 3)Ahora o Nunca, 4)11:45, 5)Callao, 6)El Mundo En Un Botón, 7)Grita Una Vez Más, 8)Producto De Consumo, 9)Te Imaginé

Mejor Tema: Zona Roja, Producto de Consumo

CONTINUARÁ…

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INTRODUCCIÓN

Debo confesarles que nunca he sido fanático (y jamás seré), ni amante de la música antillana, mas aún que salieran bodríos como el reggetón, el latin-pop, la salsa casino y derivados. Más allá de eso, deben saber que no estoy muy interesado en el ritmo dominicano conocido como merengue. El merengue de los 80, cuando no es abominable como el de el infame Wilfrido Vargas (El creador del el detestable Baile del Perrito, antecesor del nefasto reggetón con su peculiar y grotesco estilo de baile conocido como perreo y/o sandungueo) y amigos, es en todo caso extremadamente formulaico, y súper-aburrido como, qué se yo, Rubby Perez, Sergio Vargas, Bonny Cepeda, Johnny Ventura, Elvis Crespo, Proyecto 1 las Chicas del Can y hasta los paisanos míos de Omar Enrique, Roberto Antonio y Miguel Moly me parecen recontrarrequetesuper aburridos. Vivimos en una época nefasta en la cual las cantantes y los cantantes  isleños ya no son artistas verdaderos sino productos industriales cuidadosamente diseñados en base a ciertos prototipos en las usinas creativas de las monopólicas empesas discográficas. Nos pueden vender que Daddy Yankee es la antítesis de Ricardo Arjona pero yo no compro: es más o menos lo mismo en distinto envase. Porque la música es la misma cosa formulaica, robótica y vacua de siempre. Atractiva para los oídos la primera vez; buena para una fiesta de 15 años, una boda, una reunión familiar quizás o para un remix de vuelta a casa. Pero HASTA AHÍ. Y entonces seguirán saliendo estos engendros industriales: Don Omar, Mr Brian, Tego Calderón, Yasuri Yamileth, Fulano, La Factoría, Shakira (quien empezó más o menos bien pero terminó vendida y con el pelo teñido de rubio) Toda esa gente de pacotilla, haciendo su música y ganándose todos los grammys. Lamentable.

Pero siempre hay una excepción. Juan Luis Guerra Seijas, este jovencito barbudo (Se nota bastante, aunque tenga ya 50 años) con pinta de guerrillero fronterizo que ganó recientemente 6 Premios Grammy como reconocimiento a su larga y fructífera carrera, amante de grupos tan lejanos de esa música como los Beatles y los Rolling Stones, evangélico profeso, filosofo frustrado y siempre con acompañado con el mote de y su 4:40 o sencillamente Juan Luis Guerra a secas es una de las figuras mas relevantes de la música caribeña, antillana (y latina) que siempre dará que hablar.

En rigor, su música melódica y con poesía (producto de sus años de estudio de filosofía) no transgrede los límites del común merengue dominicano de FM; no hay uno solo de sus temas que indujera a la sorpresa de ser escuchada en cualquier radio mierda para bailadores o emisoras de esa calaña (Como Fiesta 106). Por lo tanto es muy común descartar a Juan Luis Guerra como un producto más del merengue industrial ochentoso y dudar de una verdadera ambición artística en su música. Pero dentro de este género creo que ha superado con creces a toda la competencia, pues mi lema es que un género nunca es totalmente descartable si alguien es capaz de encararlo con BUEN GUSTO y CREATIVIDAD (¡Salvo el MERENGUE RAP!). Y si hay algo que JLG ha demostrado es buen gusto y creatividad, a niveles que no veo en ninguna otra artista de su tipo (Desafío al lector a que me nombre uno). Sus canciones y sus letras son bastante retorcidas créanme; nada de Mami ¿Que será lo quiere el negro? o frases de ese estilo. Y estas canciones son, lisa y llanamente, excelente merengue romántico ochentoso, mayormente livianito eso sí, pero no veo motivos para no disfrutar esta música de vez en cuando. Sin embargo lo que hace que me guste es que es una de las pocos artistas de este género que ¡Rockea! De hecho: muchos de sus principales éxitos son canciones de ROCK y no de MERENGUE, con riffs sucios, guitarras y baterías jazzeras, teclados bluseros y todo. Después de todo el modelo de JLG para su música son sus ídolos absolutos los Rolling Stones. Por ende, su música ALGO de rock tiene que tener ¿No? Es básicamente por eso que no encuentro en este dominicano ese merengue lamentable, barato y formulaico de estos tiempos, sino algo más. No quiere decir que la ubique a la par de los grandes grupos y artistas que quiero difundir con esta página, pero es uno de esos placeres culpables que cada tanto me permito disfrutar.

Por ahora solo tengo dos álbumes. Uno de ellos es para mí una de las obras clave del merengue de la pasada década y el otro una respetable secuela (Y una colección entera de mp3 de ellos). Ambos tienen una consistencia pasmosa en el sentido de que todas son canciones buenas. Pero me estoy anticipando: esto corresponde a las revisiones.

El Original 4:40 (Soplando) – 1984

Oye Feliciana, no seas tan celosa, porque a ti te quiero, sobre toas las cosas…

1) Feliciana, 2) Soplando. 3) Carnaval, 4) Juana Mecho, 5) Jardinera, 6) Sambomba, 7) Loreta, 8 ) La calle gris

Mejor tema; No sé… será… Feliciana?

A primera vista esta portada engañaría hasta al mas pintado, sugiere un paisaje campesino y bucólico de esos que abundan en República Dominicana, pero al poner el CD en el equipo y ponerle play se da cuenta que el contenido del disco es pura música sofisticada.

La historia tras este disco es muy peculiar: JLG después de terminar sus estudios de música clásica y jazz en la Berklee College of Music en el Norte, regresa a su República Dominicana natal y se gana la vida como cantante y compositor de jingles publicitarios, en ese trajín conoce a colegas como Maridalia Hernandez, Mariela Mercado y Roger Zayas-Bazán que comparten sus mismas ambiciones e inquietudes -Autodenominados Los 4:40 (Cuyo nombre es sacado de la nota que usan los músicos para afinar sus instrumentos)- JLG saca sus ahorros de toda la vida y junto con sus compañeros de trabajo graban este disco.

Musicalmente este debut no tiene nada que ver con los que haría Juan por el resto de su carrera, la música predominantemente aquí es merengue lento (pambiche) fusionado con jazz, producto que Juan y sus compañeros quisieron plasmar resultado de sus ambiciones y la voz solista de JLG no resaltaría aquí, todo el disco es interpretado a armonía vocal de voces femeninas y masculinas tipo Motown o Manhattan Transfer.

El disco abre con el tema Feliciana anticipando a lo que sería el resto del contenido del disco; un merengue lento y acompasado en que Juan hace sus pinitos como solistas cantando algunas estrofas de la canción; Soplando es algo mas movida con arreglos de salsa contando una divertida historia acerca de como soplar un saxo para que salgan de él melodías; Carnaval es lenta y jazzera haciendo contraste con su título; Juana Mecho es otro merengue pambiche en donde JLG también hace sus pininos como solista en algunas estrofas, hacia la mitad hay una improvisación larga con teclados; Jardinera empieza con un canto a capella para dar paso a un a especie de merengue jazzero al final hay como sonidos guturales (scat); Sambomba es el único tema movido del disco en donde se oyen tambores de calypso; Loreta comienza como una piano-balada desdramatizada para dar paso a una melodía de flautas y congas; La Calle Gris tiene muchas baterías tocadas con escobillas (instrumento tan característico del jazz).

En fin de cuentas, este disco hoy en día sería una rareza conseguirlo, si alguna vez lo consigues o sencillamente lo bajas (como lo hice yo) no esperes una gran sorpresa o pongas a hervir tu sangre caribeña de emoción, esto no es, ni a los coñazos el sonido caráteristico de Juancito.Pero es solo un aperitivo antes de la gran comilona acerca de lo que JLG podía hacer mucho después.

Mudanza y Acarreo (Si Tú Te Vas) – 1985

Quiero ir a Santiago de noche… A pasear por el parque en un coche…

1) Si tú te vas, 2) Elena, 3) Santiago en coche, 4) Dame (Don’t Stop ’til You Get Enough), 5) Por eso ahora, 6) Ella dice, 7) Yo vivo enamorao, 8 ) Réquiem sobre el Jaragua (Le Dièn Dinamita)

Mejor tema: Si tú te vas, Dame y Réquiem sobre el Jaragua

Realmente este fue el primer disco de Juan Luis Guerra y cía, ya que Soplando fue solo una colección de improvisaciones de jazz y merengue pambiche (merengue lento), todavía no se erigía aún como líder de la agrupación (Maridalia era originalmente la líder del grupo) pero su genio compositivo se vería en algunas canciones de este disco.

Llamado Mudanza y Acarreo (también nominado Si Tú te Vas, por las letras rojas que aparecen en el frente la moto de la portada del disco) inició una especie de trilogía que terminaría con Ojalá Que Llueva Café.

Aquí desaparecen las armonías tipo Manhattan Transfer y aparecen los llamados contrapunteos vocales entre los cantantes y también surge el llamado merengue romántico que caracterizaría la base musical de JLG por el resto de su carrera artística.

No hay nada mas que describir este disco con la pista inicial Si Tú Te Vas (Que luego fue versionada por la orquesta venezolana Los Melódicos) iniciando con guitarra acústica (Primera vez que se hace eso en tema de merengue) y luego aparecen las voces de c/u de los integrantes de 4:40 cantando de lo que sería la vida sin su ser amado. Elena es uno de los primeros temas socialmente conscientes que caracterizarían al estilo de JLG; el tema habla sobre una chica que ejerce la prostitución en Venezuela (un dominicano hablando de mi país?) y se va a vivir a Nueva York para terminar adicta  las drogas y luego morir asesinada.

Santiago en Coche es todo un viaje a todas las locaciones importantes de República Dominicana sintetizadas en 4 minutos y medio en que son nombrados personajes de allí como Victor Victor.

Una de las principales MAGNUS OPUS de este trabajo es Dame -una reescritura del tema de la malograda estrella del pop Michael Jackson, Don’t Stop ’til You Get Enough- en que JLG dando muestras de su genio compositivo rearregla la melodía de la canción sin cambiar nada: desde el monólogo hablado del comienzo, pasando por los característicos coros pegajosos, hasta la guitarra eléctrica del final, solo que con una letra ligeramente cambiada, yo creo que JLG y sus compadres de 4:40 también le agradaba la música de Jacko (En la caratula del disco aparece Roger Zayas-Bazán vestido con mocasines negros, medias de lentejuelas y chaqueta del mismo material como una especie de homenaje).

Por Eso Ahora, es un contrapunteo entre Juan Luis y Maridalia Hernandez; Ella Dice es el merengue romántico por excelencia con contrapunteo de Mariela Mercado y Roger Zayas; Yo Vivo Enamorao es un merengue con arreglos de flamenco -cuya música fue compuesta por dos figuras muy renombrada de ese estilo como Camarón de la Isla y Paco de Lucía- ; Requiém Sobre el Jaragua es un divertidísimo tema sobre una demolición de un importante hotel de RD con una intro de cantos africanos.

Y así termina la primera parte de la trilogía de discos de JLG, todavía no alcanza el sonido característico , pero la genialidad ya se ve en merengues comerciales y radiales (Si Tú Te Vas), canciones con mucho contenido social (Elena), turismo por República Dominicana en solo 4 minutos (Santiago en Coche) y fusiones con música española (Yo Vivo Enamorao) constituyen un ejemplo de como se debe hacer música latina, caribeña, antillana y POP en estos tiempos de monopolio y marketing voraz.

Mientras Mas lo Pienso… Tú – 1986

“Yo era de un barrio pobre del centro de la ciudad, ella de clase alta pa’ decir verdad…”

1) Guavaberry, 2) Tú, 3) Amor de conuco, 4) No me acostumbro, 5) Me enamoro de ella, 6) Ay! Mujer, 7) Amigos, 8 ) Rock-A-Fiesta

Mejor tema: Me Enamoro de Ella

Aquí está el segundo de la trilogía de JLG, todavía no se erigía aún como el líder de 4:40 (En la foto de la portada del disco se ve que eran aún un grupo). pero sus música ya empezaba destacar aquí, si en los dos primeros discos solo aparecieron 3 0 4 canciones firmadas por él, LA TOTALIDAD DE LAS CANCIONES DE ESTE DISCO SON FIRMADAS POR JLG!!!

Un caso curioso que  sí en la carátula aparecen los 4 integrantes unidos, en el seno de 4:40 hubieron deserciones y adhesiones de sus cantantes: Maridalia (la líder del grupo) los abandona para emprender una carrera solista en medio de las grabaciones de este disco; dejando algunas canciones hechas; entrando inmediatamente como reemplazantes Adalgisa Pantaleón y Marco Hernandez  (Quien compondría junto con Roger Zayas el tema Rock- A – Festa). Eso  obligó a JLG a ser el solista y compositor principal de la mayoría de las canciones y ser el líder provisional (Pronto sería el líder oficial de 4:40 en el siguiente disco).

Aquí musicalmente las cosas están ya en su sitio. EL disco aquí es 100% merengue dominicano en su totalidad (Salvo el tema Amigos que es una balada) todos ellos en distintos matices: Merengue soca (Guavaberry), merengue clásico romántico (Tú, No Me Acostumbro, Me Enamoro de Ella, Ay! Mujer), merengue campesino con acordeón (Amor de Conuco) y merengue con arreglos de musica pachanguera (Rock-A-Fiesta).

CONTINUARÁ…